"Bajo El Zeppelin"

Teníamos pendiente un homenaje al tristemente desaparecido Ronnie Montrose, que nos dejó hace un par de meses, y que mejor que hacerlo que recordando su mejor obra, su primer álbum con su propia banda, este trabajo homónimo que juntó en el mismo grupo a Ronnie, al bajista Bill Church, al batería Denny Carmassi y al enorme Sammy Haggar, siendo este su primer trabajo conocido como vocalista y compositor. Juntos realizaron uno de los discos definitivos de los 70, en donde la banda sonó atronadoramente rockera, adrenalínica y fresca.
El trabajo se encuentra lleno de temas rockeros, la mayoría compuestos por Ronnie y Sammy, temas como "Bad motor scooter", "Space nation nº 5" o "Make it last" se convierten en clásicos desde el momento de su composición, y se acompañan de acertadas y particulares versiones como "Good rocking tonight". El único corte que componen los 4 miembros del combo es el destacable medio tiempo "Rock Candy", en el que la banda suena cohesionado y guitarrero, convirtiéndose en uno de los hit-singles de la banda.
El conjunto lo redondea la producción de Ted Templeman, que después produciría nada más y nada menos que a Van Halen, haciendo que el disco suene compacto, inmediato y apasionante.
Tras este discazo, otro buen trabajo con Haggar, que acabó con la salida del cantante del combo para comenzar su afamada carrera en solitario como Red Rocker (y después como cantante de los propios Van Halen), y poco a poco Ronnie comenzó a grabar trabajos menos destacables, tanto bajo el nombre de Montrose, como en solitario (trabajos instrumentales en su mayoría) y con su banda Gamma. El resto de su carrera es menos recomendable pero aún así, Ronnie demostró ser siempre un guitarrista honesto y que amó el Rock como pocos hasta el día de su fallecimiento (suicidio al parecer), el 3 de Marzo de este mismo año.
Haceros un favor a vosotros mismos y adquirir lo antes posible este "Montrose", no saldréis defraudados. Como muestra tenéis aquí este tema compuesto completamente por Ronnie, "Rock the nation", corte que habría su mejor trabajo, este sempiterno "Montrose" publicado en 1973.

En el programa de hoy nos centramos en discos de artistas y grupos que no son precisamente los trabajos que les hicieron famosos o los que más discos vendieron, por diferentes motivos. Por ello tenemos un programa variado que comienza con los Metallica de "Reload", y ese atronador "Fuel", a los que siguen Ozzy Osbourne y los Motley Crüe del año 2000 con su notable álbum "New tattoo".
El programa lo siguen los Van Halen de Sammy Haggar con el olvidado pero destacable "F.U.C.K" de principios de los 90, Guns n´ Roses (época "Spaghetti incident"), Iggy Pop, Black Sabbath y Rainbow en su etapa de mediados de los 80.
Bad Company, los Queen de "Hot space", Dylan y Santana con su curioso proyecto de 1982 "Shangó", siguen con el devenir del programa, que encara su recta final con los Who post-Keith Moon, Pink Floyd sin Roger Waters y un revitalizado Bob Seger en pleno siglo XXI, finalizando el programa con los Lynyrd Skynyrd de Johnny Van Zandt y Led Zeppelin y su enorme "Darlene", corte que se grabó para el álbum "Inthrough the outdoor" pero que no se publicó hasta ese magnífico disco de descartes que editó Jimmy Page tras la desaparición del mítico batería de la banda.
Programa ecléctico e interesante a partes iguales, que esperamos que disfrutéis como siempre, con el volumen "al 11", como diría en el film "This is Spinal Tap" de Rob Reiner.

Realizando el último programa dedicado a las féminas, hemos indagado de forma un poco más profunda en la carrera musical de la actual esposa de Steve Earle, la bella Allison Moorer, y podemos decir sin rubor que este "Mockingbird" publicado hace 4 años es el que consideramos su mejor trabajo.
Es un disco que sólo contiene una canción escrita por la propia Allison, la inicial "Mockingbird", que es una bellísima canción en donde su voz brilla con luz propia, mientras que el resto son versiones de diferentes artistas y estilos. Siendo su carrera más centrada en el country-rock o country-folk, este trabajo abarca muchos más estilos al versionear diferentes temas de diferentes artistas, que abarcan el blues, el jazz o el punk.
La mayoría del disco transcurre por caminos relajados, con la sencilla y acertada producción de Buddy Miller (que realza el resultado), con cortes como la bluesy "Daddy goodbye blues", el clásico de Johnny Cash llevado a otro tempo más lento, "Ring of fire", o el tema escrito por Nina Simone "I want a little sugar in my bowl". Pero de destacar es el alto número de cortes en los que la voz de Allison suena emocionante, cercana y muy íntima. Versiones de clásicos como "Where is my love", "I´m looking for blue eyes" o la tierna "Go leave" de Kate McGarrigle suenan realmente preciosas.
Allison canta de forma realmente sobresaliente, y el conjunto se redondea con "Both sides now" y los temas más rockeros, la épica "Relevator", la acústica y con unos grandes coros "Orphan train" (tema que nos recuerda la tragedia que vivió Allison en su infancia, el asesinato de su madre por parte de su padre delante de ella y de su hermana, la también cantante Shelby Lynne, cantante que compone otro tema que interpreta Moorer en este trabajo, la bella "She knows where she goes"). Junto a ella el corte tal vez más trabajado y sorprendente (musicalmente hablando) de todos, la versión del tema de Patti Smith "Dancing barefoot", que alcanza el climax en su recta final, como podéis comprobar en la canción que acompaña a este texto.
Decir que álbumes como "Crows" (2010), "Show live" (2003) o "The duel" (2004) también son muy recomendables, pero creo que para empezar con su carrera, este es su mejor trabajo, y donde se aprecian mejor los matices en la voz de esta magnífica vocalista, que a día de hoy, hace feliz a uno de nuestros country-rockers favoritos.

"Mujeres que amamos alguna vez", bajo este enigmático título, hemos realizado un programa ecléctico como pocos en el que reinan las mujeres. Mujeres que nos enamoraron por sus aptitudes musicales en estilos muy diferentes. El programa comienza con la línea habitual rockera del programa, de la mano de mujeres como Brett Anderson y sus The Donnas, Joan Jett (tanto en solitario como con The Runaways) y Suzy Quatro. Tras ellas la gallega Silvia Superstar impone su poderío escénico tanto en solitario como con The Killer Barbies, a la que siguen Donita Sparks y sus L7, para dedicar unos minutos a dos maravillosas mujeres nacionales, Aurora Beltrán y Luz Casal.
Tras ellas, la canadiense Alannah Myles, Tina Turner, Carole King y Linda Ronstadt, interpretando esta última un emocionante "Desperado" de los Eagles.
A continuación homenajeamos a una maravillosa Stevie Nicks (cantante de Fleetwood Mac), y también escuchamos a Emmylou Harris, que nos da paso a unos minutos en donde destaca la década de los 80, con la bella Belinda Carlisle (en la foto), y la voz estremecedora de la británica Sam Brown.
Lucinda Williams con su acelerado "Real love" encara la recta final el programa, donde brillan Allison Moorer, Imelda May, Tori Amos y Aretha Franklin.
El colofón final del programa llega a cargo de la eterna Janis Joplin y ese precioso "Trust me" y la entrañable Stacey Earle con el acertado y emocionante "Good-by".
¡¡Mujeres al poder!!

Una tristísima noticia. Apenas hace unas horas, se ha comunicado de forma oficial, por parte de la familia de Levon Helm, que el mítico cantante y músico perteneciente a una de las mejores bandas de la historia del Rock, The Band, padece un cáncer terminal. Ya en 1998 se le diagnóstico cáncer de garganta (cuando contaba con 57 años), pero Levon, lejos de rendirse, luchó y se sobrepuso a la misma, y si bien le dejó graves secuelas físicas (tanto en su aspecto como en su voz), eso no fué impedimento para que siguiera viviendo su pasión por la música, realizando conciertos puntuales, o grabando un buen puñado de trabajos en solitario, entre que están los magníficos "Dirt farmer" de 2007 o "Electric dirt" de 2009.
Además, hizo que sus estudios en Woodstock, fueran utilizados por infinidad de músicos, e incluso sirvieron para que gente como The Black Crowes grabaran su magnífico "Before the frost..."
Su carrera con The Band fue impresionante (no tenemos suficiente espacio para resumirla en unas pocas palabras), y sólo lo que podemos hacer en estos momentos, es mucha fuerza para la familia y amigos de Levon, y que el mal trago se pase lo mejor posible.
Os dejamos con este "The night they drove old Dixie down", tema compuesto por Robbie Robertson, y que relata en su letra los últimos días de la Guerra Civil Estadounidense y sus consecuencias. Levon, único sureño del combo, añadió una mayor resonancia al eco tradicional de la Confederación, cantando con un mayor impacto vocal la triste lírica de la canción sobre la derrota confederada y la consiguiente desaparición paulatina de la tradición sureña.
Recemos una oración por un hombre y un músico realmente único, en estos duros momentos, emocionándonos una vez más con este maravilloso tema.

Hay discos de esos que son un pequeño secreto para sus fans, y no transcienden en el resto del mundo, pero para esa pequeña porción de fans es necesario como el aire que respira.
El grandísimo Mike Farris, (uno de los vocalistas definitivos de los últimos lustros), que ahora triunfa a nivel menor con sus diferentes proyectos de Gospel (altamente recomendables, por supuesto), fue conocido en su momento por ser el "líder" de esta magnífica formación sureña, formada en Nashville a principios de los 90. Rápidamente su feeling y magia se plasmó en sus directos y en pocos meses ya publicaron su primer trabajo con una discográfica grande como Atlantic, en 1994, su álbum homónimo con una calidad realmente envidiable. Ahí fué cuando los descubrí, y realmente me dejaron noqueado con un discazo con temas tan maravillosos como "Shakin´ the blues" o "Ride the tide".
Después, por azares del destino y por la gran cantidad de música presente en la atmósfera de aquellos años, sumado al poco apoyo comercial de su siguiente discográfica, perdí el contacto con ellos.
Pero Popular 1, la afamada publicación barcelonesa, actuó como salvavidas musical y años después, descubrí su segundo trabajo, "Magnolia". Con una base musical similar, pero avanzando un paso más allá con otros estilos (el jazz, el gospel, el blues), los Wheelies editaron su trabajo definitivo.
Sería incapaz de quedarme con un tema sólo del trabajo, de hecho me ha costado elegir el tema que va a acompañar a este texto. Todos los temas (y cuando digo todos es TODOS), suenan maravillosos. La voz de Mike Farris suena cual ángel en nuestros oídos, las guitarras de Rick White y Bob Watkins se entrecruzan de manera idílica, los teclados suenan poderosos y omnipresentes, y los temas son realmente mágicos. Para la historia quedan maravillas como "Gypsy lullaby", la pegadiza "Hello from Venus", "I found love" (con ese recuerdo al afamado "Who do you love"), "Magnolia", "I dreamed"... todo suena perfecto en este trabajo. La acertada producción de Michael Barbiero (en estado de gracia aquellos años) y hasta la colaboración de Warren Haynes lo único que hacen es redondear el conjunto.
Tras este disco, los diferentes devaneos de la banda apenas dieron para otro trabajo ("Big Wheel" del 98), muy inferior a este, pero que aún contaba con temas a la altura de este disco, cortes como "More than I can take" o "Julie´s song", que podrían haber pertenecido perfectamente a esta majestuosa obra. Tras él, la separación del combo, y Mike Farris pasó su particular calvario con el alcohol, un calvario que duró cerca de una década, y que tras superar, nos ha regalado a un hombre nuevo, que sigue cantando igual que siempre, y que en este caso afronta desde hace un lustro una nueva y gozosa etapa musical en su existencia, como ha demostrado con sus últimos trabajos en solitario y en sus recientes visitas a nuestro país.
Pero eso es otra historia, hoy nos quedamos con su anterior etapa, y con cortes tan recomendables como este "Father speaks", en la que la banda suena realmente inalcanzable: atmosférica, hermosa, emocionante. Canela fina. The Screamin´ Cheetah Wheelies en la cumbre de su excesivamente corta carrera musical.

Durante muchos años los seguidores del rubio de Florida se quejaban de no tener un gran disco en directo de su ídolo, ya que sólo se editó el trabajo "Pack up the plantation" en el 86, que en boca de todos se reveló como un directo que no recogía la verdadera fuerza en directo de los "Rompecorazones". En 2009 se solucionó definitivamente este problema con la edición en el mercado de la maravillosa caja "The Live Anthology". En dicho espectacular trabajo hay temas de todas las épocas del combo, un resumen en vivo de lo mejor que había publicado por entonces Tom en su larga carrera de más de 3 décadas.
Su próxima visita al viejo continente, y la enorme expectativa que ella suscita, es la excusa perfecta para la confección de este especial programa, con casi 130 minutos de los mejores Tom Petty & The Heartbreakers.
Casi todos sus discos hasta aquel año están representados aquí, al igual que sus grandes clásicos: "Free fallin´", "Learning to fly", "The waiting", "Jammin´ me", "Wildflowers", "Southern accents", "Breakdown"...
La emoción se apodera de nosotros cuando escuchamos esta gran cantidad de clásicos, unas canciones imperecederas que han sido durante muchos años parte de la banda sonora de nuestra vida y que, si nadie lo evita, podremos disfrutar en directo en apenas unas semanas.
Espero que os guste este programa, realizado con toda la pasión que un fan declarado puede aportar, que os puedo asegurar, es mucha.
Las luces se apagan ya, la emoción inunda cada poro de nuestra piel, comienzan a sonar los instrumentos... Ladies & gentlemen, Tom Petty & The Heartbreakers!!!

Es muy curiosa la historia de una de las bandas definitivas del AOR y Hard Rock de los 70. Es curioso que un grupo que consiguió tanto éxito en 1976, poco a poco viera como su llama se fué apagando, no sólo por lo que el combo tardaba en editar cada nuevo trabajo en estudio (obviando la separación entre los dos primeros, cada nuevo trabajo se editó la friolera de 8 años después de su predecesor), si no también por que cada nuevo trabajo, sin ser indigno de ellos en ningún momento, poco a poco iba perdiendo en calidad.
A pesar de buenos momentos posteriores con cortes como "Amanda" o "Don´t look back", nos quedaremos con los mejores Boston, los de su primer trabajo, el inmejorable álbum de título homónimo.
El trabajo no sólo se convirtió en uno de los discos más vendidos de los 70, si no que sin duda alguna, creó un estilo que con posterioridad (y en especial a finales de los 70 y principios de los 80) fué imitado por otras bandas hasta la saciedad, gracias a la invención del sonido "Twin Guitars" (que habían usado otras bandas previamente, pero no con la profusión del grupo de Tom Scholz, que hacía de dicho sonido el sonido en el que se basaban las composiciones de la banda.)
Evidentemente, el tema definitivo de este disco es "More than a feeling", un tema conocido por todos, uno de los cortes definitivos de la historia del Rock en el que todo encaja: el punteo inicial, el inolvidable riff impuesto por el guitarrista Tom Scholz, la voz del tristemente desaparecido Brad Delp, esos grandes coros... Este tema tal vez por sí sólo, creó un nuevo estilo musical, el Rock FM, del cual participaron artistas tan variopintos como Toto, Tom Petty & The Heartbreakers y Steve Miller Band entre otros.
Pero el disco cuenta con otras joyas de similar nivel: la adrenalínica "Rock & Roll band", el epílogo con la emocionante "Let me take you home tonight", la magnífica "Hitch a ride" o la pegadiza "Something about you".
El disco lo completan la épica "Foreplay/Long time", "Smokin´" o la enorme "Peace of mind", que podéis escuchar aquí y que es otro de los cortes definitivos del grupo, aunque nunca tuvo la publicidad del mega-hit "More than a feeling", en el que también se observa la sobresaliente producción que realizan para el trabajo John Boylan con el propio Tom.
Tras este trabajo, el grupo ya nunca sonó igual que en este disco, aunque su segundo trabajo de 1978 también es muy recomendable y le sigue de cerca.
En definitiva: estamos ante uno de los disco definitivos de los 70, y por deferencia de la historia del Rock, imprescindible que cualquiera que ame el Rock & Roll, y representativo de una época excitante para el Rock, finales de la década de los 70, en las que las obras maestras eran muy, pero que muy habituales.

Este Lunes 5 de Marzo se cumplen 30 años de la desaparición del gran John Belushi, cuyo cuerpo fue encontrado en el Hotel Chateau Marmont de Los Angeles en esta misma fecha de 1982.
Tres décadas sin uno de los "entertainers" definitivos: imitador, cómico, guionista, cantante, manager de grupos punk, actor... son miles los diferentes registros que manejó en su vida, pero evidentemente será recordado en especial por tres de ellos: su papel de cómico en el imprescindible "Saturday Night Live", programa definitivo de la mejor televisión estadounidense de los 70 junto a actores de la talla de Bill Murray, Dan Aykroyd o Gilda Radner; su impresionante papel como Bluto Bluttarski en la comedia definitiva norteamericana de universidades "National Lampoon´s Animal House" (aquí llamada "Desmadre a la americana"); y en especial, y a nivel mundial su alter-ego como Joliet Jake Blues, uno de los míticos The Blues Brothers que triunfaron allá por finales de los 70 y principios de los 80 tanto con su film ("Granujas a todo ritmo"), como con sus álbumes (hasta 3 discos en vida del combo).
Nunca ha habido nadie como él, y todavía a día de hoy, disfruto como un niño con sus imitaciones de Joe Cocker (impresionante "With a little help from my friends" el que interpreta), de Marlon Brando, haciendo de Samurai "Delicatessen", de disparatado piloto de un caza en la Segunda Guerra Mundial en "1941" (la fallida película cómica de Spielberg, de lo que sólo se salva su actuación), de su papel serio en un film como "Neighbours", de su imponente Bluto Bluttarski en "Desmadre a la americana" (la fiesta Toga, la rotura de la guitarra del pesado de turno, el particular alegato para recuperar a su Fraternidad, la escena de la barra del comedor, la escena en la que se bebe una botella entera de Jack Daniels en unos segundos...), de su inigualable gestualidad y movientos de ceja, de su disfraz de Hulk en el cocktail de los superhéroes, de su apasionada forma de cantar en The Blues Brothers...
John Belushi sólo hubo uno, una auténtica fuerza de la naturaleza desatada que en apenas 6 años (en el período que abarca desde 1976 a 1982) hizo tantas cosas en tantos medios (cine, TV, música, teatro...) que nos colmó a sus seguidores por mucho tiempo con su impresionante legado en tan corto espacio de tiempo, y esta fecha tan señalada es tan ideal como otra cualquiera de recordar su forma de hacernos reír, su forma de interpretar, y de cantar única, todo hecho con una pasión infinita.
Su versión de "Louie, Louie" que grabó para "Desmadre a la americana", acompaña esta entrada, junto con algunos estractos del film, una película realmente inmejorable, sin duda alguna la mejor de ese tipo de películas, a años luz del resto de films sobre fraternidades y universidades.
La popularidad, el estrés, las malas influencias, las drogas, y su particular forma de encajar todo ello nos lo arrebató de forma prematura con tan sólo 33 años, pero ahí está todo lo que hizo para que nosotros sigamos disfrutando de él hasta el fin de los tiempos.
Un recuerdo desde aquí a uno de los showmans definitivos de la historia, un sentido recuerdo para el inigualable John Belushi.

La década de los 70 fué tan rica en el mundo del Rock, que es inacabable la cantidad de buenos trabajos que se editaron en aquella época, de casi cualquier parte del globo terráqueo. Una de las bandas que está muy olvidada hoy en día, y que tuvo sus mejores años en aquella década, es la banda UFO.
Procedentes de las islas británicas y teniendo como cabezas visibles desde finales de los 60 al bajista Pete Way y al cantante Phil Mogg, su verdadero momento de gloria comenzó allá por 1974 cuando un jovencísimo virtuoso de la guitarra de origen alemán, Michael Schenker, se unió a ellos.
Tras dos correctos álbumes (muy deudores del folk y los años hippies), la entrada en el combo del rubio guitarrista insufló nueva vida a la banda, y al poco de su entrada, ya componía parte de los temas del combo.
Este "Phenomenon", ya contaba entre sus composiciones clásicos atemporales del grupo, como "Doctor Doctor" o la sempiterna "Rock bottom", que se codeaban con la notable composición de Way y Mogg "Too young to know", versiones de blues como "Built for comfort" de Willie Dixon, y cortes muy cercanos a bandas como Grand Funk Railroad como "Time is on my hands".
Además de los temas citados, Schenker aportó también más que correctos cortes, con sus primerizas composiciones como "Crystal light", "Space child", la épica "Queen of the deep" que cierra el disco o el bonito pasaje instrumental "Lipstick traces".
Tras este debut con Shenker, la banda disfrutó de sus mejores años con trabajos tan recomendables como "Force it", "No heavy petting" o "Lights out", que desenvocaron en el mejor trabajo del combo, y el disco por el que serán recordados, el directo "Strangers in the night", publicado en 1979.
La salida de Shenker tras este trabajo, dejó a UFO aboslutamente huérfana, y ya nunca llegaron al nivel de antaño.
Todos sus álbumes del período 74-79 son de adquisición altamente recomendable, y desde luego, composiciones como este maravilloso y potente "Doctor Doctor" dan buena fe de ello, de uno de los trabajos definitivos de la banda, en una época en la que realmente había magia entre sus músicos.
UFO, una banda a reivindicar, y "Phenomenon", uno de esos trabajos que supusieron un punto de inflexión no sólo para el grupo si no para la escena Rock británica, aunque ahora, lamentablemente, pocos lo recuerden.

Tras pequeños papeles a finales de los 70, el despegue como actor de Mickey Rourke comenzó de la mano de Francis Ford Coppola, allá por 1983, con "La ley de la calle". A partir de ese momento, Mickey se convirtió en un icono cinematográfico de los 80, con papeles en películas altamente exitosas como "Manhattan Sur", "9 semanas y media" o "El corazón del ángel", el inquietante film de Alan Parker.
Finalizando la década, su carrera fílmica empezó a declinar con proyectos deleznables como "Orquídea salvaje", y su borrachera de éxito le inclinó a intentar conseguir ser aquello que siempre quiso ser: boxeador. A mediados de los 90, se retiró del cuadrilátero sin muchó éxito y con muchos problemas físicos (tras una alucinógena visita al programa de Manolo Escobar, "Goles son amores", en 1993), y retomó su carrera fílmica con proyectos de muy baja calidad, colaborando incluso en 2001 en un triste video del tóxico Enrique Iglesias.
En 2005 su carrera empezó a levantar cabeza gracias a su papel como Marv en "Sin City" de Robert Rodriguez y Frank Miller, magnífica adaptación del cómic del segundo.
Y en 2008 llegó uno de esos papeles por los cuales miles de actores matarían: "The wrestler" (aquí titulada "El luchador"), film dirigido por Darren Aronofsky (director también de "El cisne negro"). Este emocionante film trata sobre la historia de un luchador de wrestler de edad avanzada, y que apenas subsiste viviendo de la actividad que le dió fama y riqueza en la década de los 80. El enfoque del director es realmente lúgubre y desesperanzado, con los personajes anacrónicos de Mickey y de Marisa Tomei (espléndida también), y el film supuso una entrega total para Rourke, tanto interpretativa como, sobre todo, física.
La película es una maravilla, y a pesar de su tono sombrío, su final (que no relataré aquí, por supuesto), es muy esperanzador y sobre todo, emocionante. La banda sonora es altamente recomendable, situándonos en la época de éxito del personaje de Rourke (el luchador Randy "The Ram" Robison), los 80, con grandes temas heavys a cargo de Quiet Riot, Ratt, Accept, Scorpions, Slaughter o Cinderella, que se completan con el corte que compuso Bruce Springsteen para el film, este sobresaliente "The wrestler", que podéis escuchar aquí y que se amolda como guante al espíriu del film.
Las injusticias de los Oscar se hizo palpable de nuevo con este film, la canción de Springsteen no fue ni nominada (ganó el Globo de Oro), y fueron nominados tanto Rourke como Tomei, perdiendo ambos (en especial Mickey) de forma realmente injusta. A pesar de que también ganó el Globo de Oro, el Oscar lo perdió con Sean Penn (un maravilloso actor, por supuesto), tal vez por el típico conservadurismo de Hollywood que prefirió votar por alguien menos arriesgado como Penn que por un verdadero "outlaw" como Rourke.
Lamentablemente, la carrera de Rourke se ha quedado algo estancada tras este espectacular trabajo, esperemos que repunte en breve, por que es un magnífico actor del cual Hollywood, no debería prescindir.
Sea como fuere, este film es uno de los más especiales de los últimos años, y os recomiendo fervientemente su visión, si queréis emocionaros con un impresionante guión, un dirección contenida, y unas magníficas interpretaciones, que vienen de la mano de un buen puñado de grandes canciones, como en esa impagable escena final donde reina el personaje principal del film con la eterna "Sweet child o´mine" de Guns´n´Roses de fondo.

Bonita iniciativa de la página http://www.routeamericana.com. Yo he llegado por poco, pero he llegado. Me ha extrañado ver tanto blog con referencias a Petty, y al final he llegado a la raiz. Hacer del día 14 de Febrero en los blogs hispanos como el día de Tom Petty & The Heartbreakers, para convencer a los promotores españoles que traigan al rubio californiano a nuestro país.
Yo con las prisas, quiero recordar "She´s the one" (1996), un disco que fue la banda sonora de la película del mismo nombre (mediocre film), pero que, y aunque es olvidado un poco por el propio Tom hoy en día tiene joyas del calibre de "Walls" o "Angel dream", dos maravillas atemporales.
Temas rockeros como "Zero from outer space", versiones magníficas como "Change the locks" de Lucinda Williams, temas explícitos como "Asshole", maravillas instrumentales como "Hope on board" o "Airport", y medios tiempos notables como "Grew up fast", "Supernatural radio" o "Climb that hill", además de cortes alegres y desenfadados como "California".
Maravilloso disco a reivindicar, por supuesto que sí.
Esperemos que esta iniciativa surta efecto y tengamos, allá por el mes de Junio, al gran Tom Petty con sus rompecorazones en nuestro país.

http://www.routeamericana.com/2012/01/tom-petty-y-el-14-de-febrero-guia.html.

Hay momentos en la vida de todo el mundo en que todo, encaja de forma realmente perfecta. Eso han debido de pensar los fans de un soulman como Solomon Burke, cuando el orondo cantante se juntó, ahora hace 10 años, con el productor y músico Joe Henry para grabar el disco que relanzaría su carrera musical.
Al igual que años antes Johnny Cash (con Rick Rubin), Solomon grabó uno de los trabajos definitivos de su carrera, este mágico "Don´t give up on me". Juntándose con un buen puñado de músicos, y sirviéndose de un buen puñado de temas compuestos por Dylan, Van Morrison, Tom Waits o Elvis Costello (entre otros artistas de renombre), Solomon canta con un sentimiento irrepetible.
La producción de Joe Henry es ajustada para el sentimiento que transmite el álbum, y evita ser ampuloso.
Todo el disco está a un gran nivel, pero destacan cortes como "Flesh & blood" (aportado por el propio productor), los temas aportados por Morrison ("Fast train" y "Only a dream"), "Soul searchin´" (de Brian Wilson) o la crítica "None of us are free".
Me quedo en especial con dos canciones: "The other side of the coin" (compuesta por Nick Lowe), en donde Solomon canta de una forma realmente emocionante, y sobre todo el corte que da título al trabajo, "Don´t give up on me", en donde el cantante lo da absolutamente todo. Este corte contiene una de las interpretaciones más desgarradores de la historia del soul, y aquí podéis disfrutarlo.
Solomon nos dejó hace poco más de un año, pero desde luego, sólo por trabajos como este que es os mostramos, su existencia habría estado plenamente justificada.
Una voz única y maravillosa en el apasionante mundo del Soul.

Hoy nos apatece recordar a uno de los baterías definitivos de la historia del Rock. Una de sus aficiones más recordadas, la velocidad, nos arrebató a uno de los mejores y más honestos músicos de las últimas décadas, allá por abril de 1998.
Su currículum es realmente estremecedor, si bien alguno puede considerarle un "mercenario" del Rock por la gran cantidad de proyectos en los que se vió involucrado, todo el mundo que le conoció en su día, resaltaron su humildad y sencillez en su modus vivendi.
La mayoría de vosotros recordaréis a Cozy Powell por su estancia en bandas míticas como Rainbow o Whitesnake, pero su carrera es infinitamente más grande. Sus primeros proyectos fueron a comienzos de los 70 con la banda de Jeff Beck, y tras colaborar con gente tan variopinta como Donovan o Murray Head, tuvo sus pocos minutos de gloria con su single "Dance with the devil", que llegó a ser número 3 en las listas de singles británicas.
El espaldarazo definitivo para su carrera, llegó cuando engrosó las filas de los Rainbow de Ritchie Blackmore, con los que grabó discos definitivos como "Rising", "On stage", "Long live rock & roll" y "Down to earth". Su batería es fundamental para la grandeza de dichos trabajos.
Tras abandonar la banda de Blackmore, colaboró en proyectos más que nunca, en especial de amigos como Jon Lord, Bernie Marsden, Graham Bonnet o el mismísimo Robert Plant en su primer trabajo en solitario (incluso hubo rumores fuertes que indicaban que sustituiría a John Bonham en unos remozados Led Zeppelin, tras la desaparición de este último), pero su proyecto más estable y destacable fue con la Michael Schenker Group, con los que grabó los mejores trabajos del combo, el homónimo "MSG" (1981) y el imprescindible directo "One night at Budokan", publicado en 1982.
Con la llegada de los 80, Powell aumentó su proactividad, y además de sus trabajos en solitario, colaboró con Roger Daltrey, Emerso & Lake, Warlock o Don Airey. En aquella década destacaron sobremanera sus trabajos con Whitesnake (el imprescindible "Slide it in" con su exitosa gira posterior), Gary Moore y Black Sabbath.
Los 90 fueron tiempos menos prolíficos, sus proyectos se disversificaron menos y su clase en especial se vió guardando las espaldas de Brian May y de Tony Iommi. Para el recuerdo queda en nuestro país ese peculiar "Leyendas de la guitarra" que se celebró en Sevilla en Otoño de 1991, en donde nos regalaron una noche magnífica(dentro de las 5 que completaban el festival) acompañado del mismo May, Steve Vai, Joe Walsh, Paul Rodgers, Joe Satriani o Steve Ferrone entre otros.
Uno de sus últimos trabajos fue el álbum "Another world" de Brian May, en donde colaboró de nuevo con uno de los bajistas con el que mejor feeling siempre tuvo, el no menos enorme Neil Murray.
En definitiva, un hombre honesto, un músico fuera de serie, y un pedazo de historia del Rock que nos abandonó demasiado pronto, y que desde esta vuestra página, queremos recordar como se merece, con esta entrada y con el tema que escucháis aquí, en donde da una lección con las baquetas en vivo, con este "Cry of the nations" que interpretó en el afamado Budokan japonés allá por 1981 con la Michael Schenker Group.

Estamos ante uno de esos trabajos que, desde el momento de su concepción, adquieren el marchamo de CLASICO. Unos de esos momentos irrepetibles y únicos, agolpados en unos surcos de forma realmente grandiosa y grandilocuente perpretados por unos músicos en estado de gracia en sus mejores momentos.
Asqueado de las contínuas disputas internas en el seno de Deep Purple, Ritchie Blackmore decidió "abandonar" a su banda de toda la vida en 1974 para comenzar una nueva andadura, y arropado por Ronnie James Dio y parte de sus músicos, comenzó en 1975 la carrera de su nuevo proyecto, Rainbow, con un primer disco notable. Pero lo realmente grande estaba por llegar.
Meses tras el comienzo de la andadura del combo, Blackmore despidió a todos los músicos (a excepción del mítico cantante), y reunió una nueva banda con impresionantes músicos: Jimmy Bain al bajo, Tony Carey a los teclados y el gran Cozy Powell a la batería. Juntos grabaron en Febrero de 1976 uno de los discos definitivos de la historia del Rock, una obra maestra a la alcance sólo de los más grandes.
Desde la impresionante portada obra de Ken Kelly, el trabajo respira un aire épico que persiste a lo largo de sus 6 tremebundos cortes.
"Tarot woman" da comienzo al trabajo, con esos omnipresentes teclados a Airey, presentes desde la intro, y con el combo ya perfectamente engrasado como demuestran las bases aportadas por Bain y Powell. Ronnie James Dio canta como nunca, y la guitarra de Blackmore suena afilada y adrenalínica. A continuación, "Run with the wolf" suena más relajada, es como una especie de medio tiempo donde la voz de Dio brilla con especial fuerza, estando en este caso las teclas más en un segundo plano.
"Starstruck" es, de alguna manera, el "hit-single" del trabajo, el tema más comercial por decirlo así, en donde la forma de cantar de Ronnie es más similar a lo que hacía con su anterior grupo Elf, y con el estribillo más pegadizo de todo el trabajo.
"Do you close your eyes" es un tema típico "Rainbow", un tipo de canción con una estructura que Blackmore repetiría más asiduamente en sus años posteriores, en especial en la época de cantantes como Graham Bonnet o Joe Lynn Turner.
El tema más representativo del trabajo, a mi modo de ver, es la enorme "Stargazer", quinto corte del mismo de más de 8 minutos de trabajo, que representa la grandeza de este disco, en el cual las estelares letras de Ronnie cual profeta intergaláctico se entremezclan con los épicos teclados aportados por Airey, con unos Blackmore, Bain y Powell realmente sublimes.
El trabajo se cierra con otro largo corte, "Light in the black", un acelerado tema en el que, y de nuevo, la banda suena unida, compacta y realmente inalcanzable. 8 minutos sin tregua que finiquitan el disco de forma realmente mágica.
El gran Martin Birch se encarga de los controles, realizando un trabajo magistral, para uno de los discos definitivos del Rock, un álbum no sólo a reinvindicar de forma continua, si no a tener muy presente en las influencias que tuvo con posterioridad a miles y miles de grupos y músicos en los años posteriores a su edición. Realmente magistral este "Rising" de los irrepetibles Rainbow de Ritchie Blackmore.

En las últimas fechas he recuperado con gran acierto uno de los discos definitivos de versiones de la historia del Rock, el que realizaron Tesla tras la inesperada marcha de uno de sus guitarristas originales, en concreto Tommy Skeoch, que abandonó el combo tras el notable "Into the now", editado en 2004. La banda se había reunido con éxito a principios de siglo, tras un parón en la llamada época alternativa, allá por finales de los 90.
Tras la marcha de Skeoch, la banda americana fichó al jovencísimo Dave Rude, y para que se involucrara con la banda, decidieron grabar unas cuantas versiones de clásicos del Rock.
El proyecto fue tan bien, que tras grabar decenas de canciones, decidieron editarlas en un disco en toda regla, y este tuvo tan buena acogida, que incluso tuvo su continuación, editando otras 13 versiones que casi llegan al nivel de las 13 elegidas para el disco inicial, con el "original" nombre de "Real to Reel, vol. 2". Ambos discos son muy recomendables y merece la pena hacerse con los dos.
Hay versiones bastantes obvias, como "Honky tonk women" de los Stones, "Space truckin´" de Deep Purple o "War pigs" de Black Sabbath (todas realizadas con gran oficio), pero otras (la más) más inesperadas y sorprendentes, vease "I want to take you higher" de Sly & The Family Stone, "Make it last" de Montrose o temas de Peter Frampton o Bachman Turner Overdrive.
Todas las versiones están a un nivel magnífico, la banda está perfectamente conjuntada, y clásicos de Led Zeppelin, Mott The Hoople, Aerosmith o ZZ Top suenan realmente maravillosas.
Uno de los puntos álgidos de las grabaciones (que incluso trasladaron a su directo en giras posteriores), es la larga y apabullante versión del "Rock bottom" de UFO, una maravilla de principio a fin. "Shooting Star" de Bad Company suena muy fiel a la original, pero Keith imprime su personalidad única en la voz, haciéndola un tema 100 % Tesla. "Bell bottom blues" de Derek & The Dominos suena también muy bluesy y sentida, "Walk away" de James Gang gana enteros llegando a una nueva dimensión más rockera aún que el tema original, al igual que ocurre con la adrenalínica "Bad reputation" de Thin Lizzy.
En definitiva, un magnífico trabajo de casi 30 versiones donde hay hueco para lo más importante de la historia del Rock (aparte de los citados, hay hueco también para The Beatles, Uriah Heep o The Guess Who). Se convierte en una enciclopedia de lo mejor del Rock altamente recomendable. Os dejo en compañía de "Hang me down world", la versión que realizan Keith, Hannon, Wheat, Luccketta y Rude de The Guess Who, y que es una de mis favoritas del primer volumen, por enérgica, imprevisible y maravillosamente interpretada. Un sobresaliente trabajo que nos ponía en primera línea a la nueva formación de uno de los grupos más fiables de los últimos lustros, y que tras este nuevo comienzo, editaron el notable "Forever more" en 2008, que les trajo por nuestro país en una gira especialmente emocionante y única.

Este 2012 decidí (de forma totalmente casual) comenzarlo de una manera inmejorable, al menos a nivel musical. El trabajo elegido para dicho propósito fué uno inmejorable, nada más y nada menos que "Saints & Sinners" de Whitesnake.
¿Qué se puede decir de un disco así 30 años después de su publicación? Pues se puede decir de todo. Una de las obras cumbres de Coverdale en su carrera, curiosamente en una época complicada en el seno de la banda, con tensiones y cambios de miembros inminentes en la misma, factores que lejos de ser un impedimento para la calidad del mismo, fué un acicate.
Whitesnake se había ya hecho un lugar claro en el panorama rockero con una formación estable con los ex-Purple Jon Lord y Ian Pace, y con los magníficos guitarristas Micky Moody y Bernie Marsden y el eterno Neil Murray al bajo (la formación que grabó el mítico "Live... in the heart of the city"). Pero como confesaría posteriormente Micky Moody, hacían grandes discos, directos matadores pero la banda no hacía más que tener deudas y no ganar ni un duro. Por ello en 1981, cuando se grabó este trabajo, el ambiente estaba enrarecido. Tal vez la postrera entrada del no menos magnífico guitarrista Mel Galley revitalizó a la banda (no olvidemos que él sería el co-compositor de gran parte de los temas del posterior y exitoso "Slide it in"), no lo sabemos muy bien, pero los de Coverdale grabaron uno de sus mejores trabajos.
Los dos temas más reconocibles del disco son los maravillosos "Crying in the rain" y "Here I go again", que la banda regrabaría para su multiplatino "Whitesnake 1987", dos de los temas definitivos del combo que sonaban aquí en unas puras y enormes primerizas versiones.
Pero el álbum contiene mucho más: temas adrenalínicos como la inicial "Young blood", la potente "Rough n´ ready", "Love an´ affection" o la lasciva "Bloody luxury", todas con las habituales letras sexuales habituales en la pluma de Coverdale.
"Victim of love" es un medio tiempo realmente sobresaliente, al igual que "Saints and sinners", mientras que en un corte como "Dancing girls", destaca sobretodo el ritmo que imponen las teclas de Jon Lord, omnipresentes en todo el tema.
Todo el trabajo está a gran altura (hacer especial hincapié en la grandiosa producción del gran Martin Birch), pero a mi siempre me encantó especialmente un tema como "Rock an´roll angels", una canción co-escrita por Coverdale y Moody, y que se postula como una lujuriosa y especial actualización del rock clásico, con una banda enorme, conjuntada como en todo el trabajo y especialmente brillante en el estribillo del mismo, y que ilustra este post.
Después de este disco comenzaría el eterno baile de miembros del grupo (que perdura hasta el día de hoy), la llegada de un genio como John Sykes, del gran Cozy Powell a la batería, la marcha definitiva de Moody y Marsden, la inesperada baja de Mel Galley, y tras ellos, el enorme "Slide it in" y el exitoso "Whitesnake 1987", Steve Vai, Adrian Vandenberg, Tommy Aldridge, Rudy Sarzo, Vivian Campbell... pero eso ya es otra historia. Hoy nos quedaremos con un pedazo de historia del Rock, este eterno "Saints & Sinners" que ha iluminado nuestras estanterías y aparatos reproductores desde hace 3 décadas, y que seguirá haciéndolo, a buen seguro, por muchísimo tiempo.

¿Dónde estaba yo en 2006-2007? Pues no lo sé muy bien, por que no me puedo explicar como no me enteré en su día del lanzamiento en el mercado de este pedazo de disco en directo.
Toda la vida esperando a ver a Blind Melon en vivo, preguntándome como sonarían tras la edición de su maravilloso segundo trabajo, y hace unas semanas me entero de que hace 5 años editaron este álbum en vivo. ¿Qué puedo decir? Pues que se hace corto, muy corto (¡¡sólo 41 minutos!!). A pesar de todo es una enorme directo que nos hace ver que tanto la banda como el mísmisimo Shannon (semanas antes de fallecer), se encontraban en un extraordinario estado de forma, y durante 12 cortes desgranan lo mejor de la banda, de sus dos enormes trabajos.
La traca comienza con "Galaxie", que suena atronadora, potente y arrebatadora, seguida de la emocionante "Toes across the floor", ambas del por aquel entonces recién estrenado "Soup". "Tones of home" da paso a una de las joyas del disco, "Soup", una maravilla sin calificativos suficientes para hacerla justicia, y cuya interpretación en Woodstock 94 tenemos todos clavados en la mente, uno de esos momentos irrepetibles en la historia del Rock.
"Soak the sin" da paso a la eterna "Change", coreada como no puede ser de otra forma por todo el público, al igual que "No rain" que la sigue a continuación, donde la banda suena especialmente conjuntada.
La banda recupera su segundo trabajo con temas tan especiales como "Wilt", la cercana "Vernie", y la preciosidad acústica "Walk", sin duda alguna, uno de sus mejores temas.
Los kazús se hacen los protagonistas del penúltimo corte, con la entrega masiva de este raro instrumento al público para interpretar la imaginativa "Skinned", que da paso a una acortada "Time", otro de los temas definitivos del combo, que se antoja como un magnífico final.
Blind Melon y Shannon... ¡qué grandes fueron y que pena que su existencia fuera tan corta! Recomiendo una vez más que visionéis "Letters from a porcupine" y ahí veréis a un pletórico Shannon, no sólo en su última etapa, si no a lo largo de la efímera existencia de la banda.
¿Qué mejor que despedir el año que con esta interpretación en vivo de "Soup" de Blind Melon? Creo que hay pocas cosas mejores... ¡¡¡¡Feliz 2012, rockers!!!!

Este es uno de los trabajos musicales a los que más horas he dedicado en las últimas semanas. Un trabajo para disfrutar, redescubrir, paladear poco a poco, una obra que sólo podrán gozar paladares realmente selectos.

La noticia saltaba hace unos meses, Tori Amos firmaba por el afamado sello de música clásica Deutsche Grammophon, para reinventar (con su particular y único estilo) un buen puñado de temas y variaciones de música clásica. Podemos decir sin rubor, que la pelirroja ha hecho un trabajo realmente sobresaliente.

Las variaciones son de artistas clásicos de la altura de Chopin, Enrique Granados, Satie, Schubert, Bach o Debussy entre otros, y todos tienen ingredientes reconocibles de sus creadores y el inimitable sello personal de Tori. La pelirroja ha decidido juntar todas esas referencias, agolparlas a su manera, y ha realizado un enorme trabajo conceptual, que gira en torno a una mujer que acaba de romper con su pareja y que se redime poco a poco a lo largo del álbum hasta el esperanzador final, jugando con la dualidad cazador/presa y hombre/mujer.

Lo primero en notar es la activa colaboración de la pequeña hija de Tori (de apenas 11 años) que, y tras sus escarceos en “Midwinter graces” del 2009, aquí canta hasta en 4 temas, siendo y de forma muy acertada, el contrapunto de la voz y/o el personaje de Tori, una especie de hada madrina que ayuda en su lúgubre travesía a la protagonista del trabajo. Lo segundo a destacar es que, y siendo un trabajo cuya base es la música clásica, no hay en él guitarra o sonido cercano alguno al rock, y los arreglos (de una calidad extrema), se basan sobre todo en bellísimos arreglos de cuerda y viento, que poblan el disco casi en su totalidad, unos arreglos instrumentales a cargo de John Philip Shenale, que son simplemente espectaculares, afianzando las adaptaciones de Tori elevándolas a un nivel superior sin parecer en ningún momento grandilocuentes o exagerados, si no más bien todo lo contrario.

Pero entremos a hablar de la obra en sí. El disco comienza con “Shattering sea”, variación del “Opus 31 nº 8” de Charles Valentin Alkan, que nos presenta a una Tori en su salsa, con unos arreglos de cuerda omnipresentes. Comparado con el tema original, la variación de Tori gana en dramatismo y en riqueza musical.
“Snowblind” es la primera participación de la hija de Tori, Natashya, en el rol de Annabelle, en esta variación de “Añoranza” de Enrique Granados, un bello tema original del músico de origen catalán que Tori lleva a otra dimensión de una forma notable.
“Battle of trees” (junto a tal vez “Star whisperer”), supone uno de los retos más impresionantes de este trabajo para su protagonista. Adaptar un corte como “Gnossienne nº 1” de Satie, es una temeridad, y Tori sale claramente airosa, si bien sigue una estructura muy fiel a la original.
Enrique Granados es de nuevo el protagonista original del cuarto corte, “Fearlessness”, donde Tori adapta sus afamadas “Danzas españolas”, siendo este corte uno de los más logrados, donde la voz de Tori se amolda cual guante al tema original, con esa letra que aporta tan críptica habitual en su carrera.
“Cactus practice” cuenta de nuevo como contrapunto en las voces con la hija de Tori, adaptando ahora el maravilloso “Opus 9 nocturno” de Chopin, siendo la adaptación de Tori bastante diferente al original, pero con una belleza similar.
Con “Star whisperer”, Tori consigue su adaptación más personal variando la “Sonata para piano la mayor” de Schubert, un corte de 10 minutos, que a partir del tercero da un claro giro, transportándonos a un mundo más cercano al clásico de Tori, recordánonos a “Yes, Anastasia” de su aclamado “Under the pink”.
A continuación llega otro de mis temas favoritos del trabajo, “Job´s coffin”, en este caso el único tema “propio” compuesto por Tori para este disco, aunque inspirado en el siguiente corte, “Nautical twilight”. Aquí de nuevo la hija de Tori toma protagonismo, repartiéndose las tareas vocales del mismo, un tema donde se habla de las miserias humanas, a la vez de cómo ciertas mujeres se entregan y regalan de forma totalmente altruista, para obtener muy poco a cambio.
“Nautical twilight”, (variación de “Venetian boat song” de Mendelssohn), es tal vez uno de los temas que pasa más desapercibido, no así el que lo sigue, “Your ghost” variación de las “Ghost variations” de Shumann, y que nos recuerda a otros bellos temas del pasado de Tori. Un bello tema que nos trae a la mejor Tori, y que ha interpretado mucho en su última gira.
“Edge of the moon”, variación del “Siciliano para flauta” de Bach, es otra preciosa adaptación en la que cuya letra Tori expresa su lado más romántico.
“The chase” dialogo entre Tori y Annabelle, (variación de “The old castle from pictures at an exhibition” de Mussorgsky), nos encara a la recta final del trabajo de una forma inquietante, y es el tema en el que más protagonismo toma Natashya, hasta llegar al tema que da título al trabajo, un imaginativo medley que Tori se inventa, entre una sonata de Scarlatti y “Salve Regina”, un canto gregoriano.
“Seven sisters” inspirado en el “Preludio en C menor” de Bach da paso a “Carry” variación de “The girl with the flaxen hair form preludes” de Debussy, un magnífico, bello y esperanzador cierre para este especial y sobresaliente trabajo conceptual.
Este álbum no sólo supone la vuelta de Tori a sus mejores momentos, también supone una reinvención de sí misma además de una revisión muy especial y altamente recomendable de trabajos clásicos, algunos más desconocidos y otros más presentes en el imaginario colectivo, pero nunca escogiendo el camino fácil, que por otra parte es la forma habitual de trabajar de la pelirroja norteamericana. Y por cierto, y aunque uno no tenga un afecto especial por las fechas en las que nos encontramos, este es un álbum ideal para regalar, en especial para aquellos paladares selectos que aún pululan por las calles, que aunque parezca mentira, aún existen.
Maravilloso trabajo de Tori Amos altamente recomendable.

El último mes y pico ha sido un mes complicado a nivel personal. Varias carambolas profesionales han acabado por hacernos dar carpetazo a esa etapa gris. Ese cúmulo de hechos y por supuesto, un disco como el que nos ocupa. El año que viene se cumplirá el vigésimo aniversario de este trabajo, y, de nuevo, recordaremos con cariño a una de las bandas más especiales de las últimas décadas, así como uno de los genios fugaces más maravillosos de la historia del Rock.
Shannon Hoon desapareció en Octubre del 95, y, a pesar de dejarnos huérfanos en muchos aspectos, al menos nos dejó una imprompta de su genialidad con trabajos como "Soup" o el que nos ocupa, que siempre me encantó, desde el primer día que lo escuché. En plena época de revolución musical en la industria, Blind Melon comenzaron su carrera metidos (injustamente) en el saco de muchas otras bandas con la que compartían época, pero poco más. La magia que desprendía el combo de Shannon, no estaba al alcance de cualquiera.
Este disco está lleno de magníficas melodías, temas cercanos, canciones acústicas arrebatadoras y letras de todo tipo, emocionantes y positivas unas, hirientes otras, pero todas con un sentimiento que sólo la pluma y la voz de Shannon sabían transmitir.
El álbum tiene de todo, el hit-single "No rain" (que siempre transmitió un enorme positivismo, a pesar de su sobreexposición), la rockera "Dear ol´dad" (que transmitía una letra sobre el abuso a menores), la bonita y relajada "Drive", la lisérgica "Sleepyhouse", otro hit single magnífico "I wonder" (con esas maravillosas y liberadoras palabras: I only wanted to be sixteen... and free!!!), el inigualable final con esa belleza hecha canción que atiende al nombre de "Time"...
La fuerza moral que Shannon transmitió a este trabajo, de la alegría de vivir, de la fe en sí mismo, me ha ayudado muchas veces a lo largo de mi existencia, y ultimamente, lo ha vuelto a hacer, una vez más. Volver a escuchar este disco, me hacía reencontrarme con un viejo amigo, en cierta forma, conmigo mismo. El milagro de la música que consiguen cosas que no se pueden explicar, simplemente... ¡¡ocurren!!
Uno de los temas definitivos de esta maravillosa obra maestra es "Change", otro arrebato de pasión vital con una enorme letra (que podéis leer abajo mientras escucháis el tema), y que además, y a modo de epitafio, adorna en parte su propia tumba, localizada en Daytona, Indiana.
Shannon no se ha ido, su vitalidad y fuerza está con nosotros a través de su pluma, su voz y sus canciones, canciones que sólo por poder escuchar una vez más hacen que la vida tenga más sentido que nunca.

I don't feel the suns comin' out today
its staying in, its gonna find another way.
As I sit here in this misery, I don't
think I'll ever see the sun from here.

And oh as I fade away,
they'll all look at me and say, and they'll say,
Hey look at him! I'll never live that way.
But that's okay
they're just afraid to change.

When you feel your life ain't worth living
you've got to stand up and
take a look around you then a look way up to the sky.
And when your deepest thoughts are broken,
keep on dreaming boy, cause when you stop dreamin' it's time to die.

And as we all play parts of tomorrow,
some ways will work and other ways we'll play.
But I know we all can't stay here forever,
so I want to write my words on the face of today.
and then they'll paint it

And oh as I fade away,
they'll all look at me and they'll say,
Hey look at him and where he is these days.
When life is hard, you have to change.

Notición de la década. Tom Petty & The Heartbreakers al fin se deciden a cruzar el charco (tras dos décadas sin hacerlo), y entre el 22 y 24 de Junio estarán en el macrofestival de la isla británica de Wight.
Siendo el Azkena apenas unos días antes (entre el 14 y el 16 del mismo mes)... ¿¿Podemos empezar a soñar con que encabezcan dicho festival??
Si hace falta aportaciones económicas para traer a uno de los grandes a Vitoria, yo ya he hecho mi aportación con dos bonos que ya he adquirido.
Bueno, vamos a seguir trabajando en el tema: "Ave María purísima, sin pecado concebida..."

Comienza el Invierno y no quiero que lo haga antes de que recordemos un clásico de la estación en la que aún nos encontramos, el Otoño. He estado muchos años tras este álbum, y por fin en los últimos tiempos me hice con él, y me ha acompañado cual amigo fiel toda esta última estación.
Con casi 50 años, el viejo Frank se metió en este proyecto, que a la postre, ha sido uno de los discos definitivos de su longeva existencia. Un disco otoñal, melancólico, que reflexiona sobre la fugacidad de la vida y las cosas que hemos hecho bien y en especial mal. Una MARAVILLA.
Con las orquestaciones de Gordon Jenkins, Sinatra hace un emocionante trabajo de introspección a lo largo de 13 canciones, y nos lleva por los derroteros de su larga y prolífica existencia (que aún tenía muchos años por delante), cantando con una clase única y tocándonos la fibra. Cortes emocionantes como "How old am I", con esas cautivadores secciones de viento, la romántica "Don´t wait too long", la preciosa "Last night when we were young", "The man in the looking glass", "Once upon a time", la otoñal "September song"... una maravilla detrás de otra que Frank grabó en apenas poco más de un mes, casualmente en la primavera de 1965.
Es tal vez su disco definitivo en Reprise (con el imprescindible directo "At the Sands"), y a pesar de que todos los temas nombrados son realmente maravillosos, destacan dos cortes por encima del resto:
"It was a very good year", para muchos (y no sin razón) el tema definitivo de Sinatra, la perfección más absoluta hecha canción, que ya en mi mente estará indefectiblemente unida al comienzo de la segunda temporada de Los Soprano.
Y la otra, esta preciosa "September of my years" que podéis disfrutar aquí, con ese impresionante comienzo: "One day you turn around, and it's summer, next day you turn around, and it's fall. And suddenly, all the springs and winters of a lifetime. Whatever happened to them all?", que resume perfectamente el sentimiento otoñal de este enorme trabajo. Desde ya, se que este disco me acompañará el resto de mis días, llega un momento en la vida de todos, en que un trabajo como este no sólo te hace disfrutar de la música, si no que te pone los sentimientos y las emociones a flor de piel, y eso, amigos, sólo lo pueden hacer los más grandes, grandes y eternas personalidades como la que era la del irrepetible Frank Sinatra.

Hoy justamente, 24 de Noviembre, se cumplen 20 años de la desaparición de Freddie Mercury. Recuerdo como si fuera ayer, el mazazo que supuso en mi vida, que en apenas unas horas, nos enteráramos de su enfermedad y de su delicado estado físico, y de su fallecimiento.
Yo, un incipiente adolescente por aquel entonces, incluso compré el periódico de camino al instituto en aquella jornada para leer con incredulidad la escueta noticia de su desaparición.
Por Queen y por Freddie en particular, entré por la puerta grande del Rock & Roll de pequeño. Creo que no hace falta que recuerde el legado de semejante banda y de tan insigne e irreptible cantante y músico. Toda su discografía con Queen es una maravilla (hay un par de resbalones, pero insignificantes a día de hoy), y aunque es verdad que sus escarceos en solitario son bastante endebles, incluso tenía su encanto, por venir del personaje único que provenía.
Freddie Mercury, el cantante definitivo, un showman en toda regla, con una voz única, con un talento descomunal y con una actitud realmente entrañable.
Para recordar su memoria eterna, me he inclinado por colgar uno de sus temas con Queen menos conocidos, pero a la vez uno de mis favoritos, un tema que engloba la forma de entender la música de este genio y su banda: "Save me", el corte que cerraba su disco del 80, "The game". La canción comienza con un piano y la voz de Freddie, casi susurrante, y poco a poco se incorpora el resto de la banda. Un tema 100 % Queen, que casualmente, fue compuesto por Brian May, y que hablaba en sus letras del final de una amistad larga, letras que se amoldan muy bien al significado final de esta entrada.
Jamás te olvidaremos, Frederick Bulsara, alias Freddie Mercury.
Siempre estarás en nuestros diferentes aparatos reproductores, y por supuesto, en nuestras almas y nuestros corazones.

Es curioso como cambia uno sus costumbres. Durante años he estado obsesionado con las votaciones de todo tipo de cosas, y con listas de los mejores discos, las más grandes películas... Ultimamente las listas me la soplan bastante, en especial las que publican otros, junto con las típicas que son ya un recurso manido por aquellos que no tienen mucho que aportar, además de repeticiones previsibles.
Entonces diréis, ¿y ese título? Bueno, una licencia que se permite uno de vez en cuando. No sé cuales son los mejores trabajos de este año que llega a su fin, ni me importa demasiado, lo que sé con seguridad es que el último trabajo de John Hiatt es una jodida maravilla.
Desde hace años, edita trabajos interesantes, con un sonido clásico y sin dar un paso en falso, pero es que este último es maravilloso, variado, fresco, emocionante... Creo que no me equivoco al afirmar que es uno de sus mejores trabajos, y que está a la altura de "Slow turning" o "Bring the family".
El trabajo da comienzo con la oscura y poderosa "Damn this town", un medio tiempo lúgubre que nos trae a un Hiatt casi desconocido, que se reconduce con el segundo corte por caminos más reconocibles, como la preciosa "Til I get my loving back".
El positivismo y la alegría de vivir para nuestro corazón enamorado llega con la magnífica "I love that girl". Un tema sencillo, para nada pretencioso, pero que transmite más que discografías enteras de ciertos artistas de esos que encabezan los charts.
"All the way under" es un blues acústico que hace las veces de puente con el siguiente corte, otro de esos temas 100 % Hiatt, la bella y emocionante "Don´t wanna leave you now", en la que el viejo John desgarra su voz y su alma como él sólo sabe hacer.
"Detroit made" es el tema más rockero del álbum, un agitado tema en el que John homenajea a la industria automovilística de la citada ciudad norteamericana, que da paso a otro largo y relajado corte acústico, "Hold on for your love", otra canción en donde John entrega su voz al límite.
La hipnótica "Train to Birmingham" nos lleva a otro corte más hipnótico aún, la enorme "Down around my place", en donde las guitarras eléctricas estallan en el medio de la misma.
El trabajo se cierra con el colofón relajado de "When New York had her heart broke", en el fondo una bonita y atmosférica declaración de amor a la ciudad eterna, precedida de otro de los mejores cortes del álbum, el tema que podéis oir aquí, la bellísima "Adios to California", un country acústico realmente maravilloso que es de lo más precioso que han oido mis oidos en los últimos años.
Coño, que maravilla de disco, y que grande que es John Hiatt. Los que conocemos (y por lo tanto, amamos) su legado, debemos sentirnos privilegiados de poder escuchar año tras año, trabajos de este nivel, personales y geniales, y de tener la enorme suerte de que dicho legado no sea explotado y manoseado por los medios de comunicación masivos. Amigos y amigas, este es nuestro secreto, una piedra preciosa para deleitarnos en privado al margen de todo aquello que no significa nada en nuestra vida, una joya solamente apta para paladares selectos como los nuestros.

El otro día, paseando por mi barrio, vi como un perro de tres patas se movía con dificultad por la zona. Inmediatamente, me vino a la mente la portada del disco que Alice in Chains editaron allá por 1995. A la postre, sería el último trabajo en estudio de la banda con Layne Staley. Sería el último, pero amigos... ¡¡qué gran disco!!
Los sempiternos problemas de Layney con las drogas (problemas que finalmente acabaron con su vida a principios de 2002), eran ya habituales por aquellos años para él, y dichos problemas afectaban regularmente a la producción musical de la banda. Pero a pesar de ello, Cantrell y los suyos le recuperaron para grabar este álbum (incluso compuso con sus compañeros muchos cortes del disco), e hicieron uno de sus mejores trabajos (para mí el mejor con "Dirt" y la golosina "Jar of flies"). El combo suena compacto y poderoso, y las letras de Layne siguen por el camino lúgubre habitual de su forma de escribir.
"Grind" de comienzo con la banda actuando como un verdadero conjunto, como una máquina pesada donde destaca la guitarra de Cantrell, y las voces y coros de Layne, mientras que Mike Inez y Sean Kinney completan el sonido con una poderosa base rítmica. "Brush away" continúa en esa línea, mientras que "Sludge factory" afianza ese sentimiento de máquina pesada, en un sólido tema de más de 7 minutos.
Prácticamente la única concesión comercial viene en el cuarto tema, "Heaven beside you", que tuvo relativo éxito, un tema más accesible que no pierde la esencia del álbum, que da paso a "Grind", uno de los hits definitivos del trabajo, y que incluso la banda sigue interpretando hoy en día con su nuevo cantante. Tras él, la bella y dolorosa balada "Shame in you", un tema profundo y desgarrador en el que los arreglos vocales toman total protagonismo.
A partir de ahí, el disco pierde en cuanto a fuerza comercial (aunque no en solidez y calidad), con cortes como "God am" (con ese enorme riff entrecortado y ese gran final), "So close" o "Nothin´ song".
El trabajo se cierra con dos cortes alargados hasta la extenuación que no bajan un ápice la calidad del disco: la inquietante "Frogs" y la final "Over now", que ocupan los últimos 15 minutos del álbum.
En definitiva, el canto de cisne en estudio (recordemos que con posterioridad editarían su disco acústico en vivo), de una de las bandas definitivas de los 90, al menos con su formación con Layne a la cabeza, y que fue su disco mejor producido y en el cual se podía observar que a pesar de los enormes problemas de la misma, cuando el talento está ahí, a veces ni todos esos problemas son capaces de evitar que la genialidad salga a flote, y seamos testigos de uno de los mejores trabajos de los 90, marca de la casa y álbum representativo de lo que se cocía en lugares con Seattle hace más de 3 lustros.
Imprescindible trabajo que os invito a que redescubráis o escuchéis por primera vez (según los casos).

No nos engañemos. La muerte hace 8 meses del gran Gary Moore, transcendió en España a los medios de comunicación "masivos" por su etapa blues. Si nunca hubiera grabado ese puñado de álbumes, y si no se hubiera codeado con gente como Albert Collins, Albert King o BB King, los periódicos más comprados y las radios y televisiones apenas hubieran reparado en su desaparición, y la hubieran tratado como la de un guitarrista heavy más.
Pobres hombres. Desde luego su etapa blues (sobre todo al principio), es notable, pero sus discos en solitario heavys de los 80 (amén de sus colaboraciones con Thin Lizzy), están a un nivel incluso mayor.
Trabajos como "Corridors of power" o "Wild frontier", o directos como "Rockin´ every night", así lo atestiguan.
Su etapa hard-rock la cerró con este "After the war". No creo que sea el mejor de ellos, pero desde luego está al nivel del resto, y cierra elegantemente su etapa rock. Como hit single destaca el comercial "Ready for love", pero tiene temas también muy pegadizos con el característico riff del irlandés, como "After the war", "Running from the storm" o "Speak for yourself", todos ellos magníficos cortes.
Hay espacio para la melancolía y para el homenaje a su amigo Phil Lynott, en la épica "Blood of emeralds", y homenajes a Led Zeppelin (con la inestimable colaboración de Ozzy Osbourne) como "Led clones", y espacio para cortes tan movidos como "This thing called love".
El disco lo grabaron músicos tan reputados como Cozy Powell, Bob Daisley, Don Airey o Neil Carter entre otros, y el resultado final resultó bastante notable, un disco que es mejor que muchos de los discos que salen hoy en día al mercado.
Para recordar este gran trabajo, os regalamos el único tema que no es compuesto por Moore, este tremendo "The messiah will come again", en donde, en un corte instrumental emocionante en donde "cara cortada", nos demuestra por que era uno de los mejores guitarristas del mundo.

Pdta: Desde pequeño recuerdo con cariño el corte que da el título al disco, en plena época del playback en TV y de los primeros videos caseros, recuerdo, allá por 1989-1990, haber grabado un video en playback de este video con mis primos y mi hermano en el pueblo de mi padre, con unos palos como baquetas y una escoba como guitarra, menudo documento si saliera ahora a la luz... (sic) Aaaah... ¡¡Divina juventud aquella!!

Quizá dentro de un tiempo les dediquemos un más que merecido especial, pero sirva esta entrada, para hablar de una de esas bandas que siempre, desde que tengo uso de razón, me gustaron sobremanera.
En el año 75, la banda Fleetwood Mac dejó de un lado definitivamente su etapa blues (en la que fue estandarte su guitarrista Peter Green), y se volcó en una época de mayor espectro de sonidos, en la que tenían posibilidad tanto el rock como el pop californiano. La entrada en la banda del guitarrista Lyndsey Buckingham y de la bella Stevie Nicks, dieron el espaldarazo definitivo a esta nueva etapa de la banda.
Los 5 años referenciados en el título, abarcan desde el primer álbum de esta andadura ("Fleetwood Mac" (1975)), el multiventas "Rumours" (1977) (uno de los discos de mayores ventas de la historia del Rock hasta aquel entonces), el no menos exitoso "Tusk" del 79, y el obligado directo a una macrogira exitosa mundial, que se vió reflejado en "Fleetwood Mac-Live" (1980).
Sin duda alguna, es mi época favorita del grupo, el éxito de esos años acabó con la banda como tal, ya que, y si bien seguían como banda editando trabajos, la lucha de egos fue tan descomunal y desorbitada que el bajón de calidad en su siguiente trabajo ("Mirage" de 1982), fue notable, y a nivel comercial sólo se recuperaron en 1987 con su exitoso "Tango in the night", su álbum más pop.
En esos 5 años Buckingham aportó su vena rockera con cortes como "Monday morning", "Second hand news", "Not that funny" o la imprescindible "Go your own way". Stevie Nicks aportó temas lentos y bellos a niveles imposibles: "Dreams", "Sara" o la eterna "Landslide" y la no menos maravillosa "Rhiannon" (que podéis disfrutar aquí).
Ya eran bastantes los hit singles interesantes que aportaban los dos nuevos miembros, pero el resto, no se queda atrás: "Say you love me", "Don´t stop", "Songbird", "Over & over"... De hecho la banda se rehizo a todos los niveles, y en sus shows, no interpretaba temas de su época anterior.
En definitiva, en 1975, Fleetwood Mac se convirtieron en una superbanda, en la que el estado de gracia de la mayor parte de sus miembros, y el eclecticismo de los mismos, hizo triunfar al grupo sobremanera, tanto a nivel artístico como comercial. La banda formada por Mick Fleetwood, Christine McVie, John McVie, Lyndsey Bucklingham y Stevie Nicks, era por aquel entonces una de las mejores bandas del mundo, como lo atestiguan trabajos como "Rumours", "Tusk" o "Fleetwood Mac", trabajos obligados en la discografía de todos aquellos que amen el Rock y la buena música en general. ¿Quién dijo que la música comercial era mala? Fleetwood Mac demostraron en aquellos años, que esa afirmación es una absoluta falacia.

Ya no se hacen discos de este nivel. Tal vez sólo un álbum como "Before the frost... until the freeze" de los Black Crowes, ha seguido en los últimos años la estela de los grandes vinilos dobles de los 70.
El mejor trabajo de Stephen Stills en solitario (miembro de Buffalo Springfield y Crosby, Stills, Nash & Young, como bien sabréis), es este enorme álbum doble, que editó junto a su banda Manassas en 1972. Rodeado de músicos de la talla de Chris Hillman (Byrds, Flying Burrito Brothers), Dallas Taylor a la batería, Joe Lala a las percusiones, Al Perkins o Paul Harris, y con colaboraciones de lujo como Bill Wyman o el violinista Byron Berline, Stills grabó uno de los discos definitivos de los 70: 21 temas, y más de 70 minutos de folk, country, rock latino, blues, bluegrass... Un compendio de lo mejor que se podía escuchar en aquellos años, que Stills decidió dividir en 4 partes, que coincidían con la cara de cada vinilo.
Así, la primera parte (llamada "The raven") contiene sus temas más latinos (con una clara influencia del Santana de aquellos años), con joyas del calibre de "Song of love" o "Both of Us (Bound to Lose)", mientras que la segunda ("The Wilderness") centra sus sonidos en el country, donde destacana maravillas como "Colorado" o "So begin the task".
"Consider" (la tercera parte del trabajo), está dominado por el folk, con temas como la preciosa "Johnny's Garden" o "The love gangster".
El trabajo se cierra con "Rock & roll is here to stay" (curiosamente esta frase la utilizaría su ex-compañero Neil Young en la letra de su himno, "Hey hey, my my (into the black)" años más tarde), y es un compendio de los clásicos temas rockeros de los 70, con toda la maquinaria en funcionamiento, y cortes como "What to do", o la epopeya de 8 minutos "The treasure (take one)", una jodida maravilla que podéis escuchar aquí. El trabajo se cierra muy acertadamente con la acústica en solitario "Blues man", donde Stills hace gala de su genio.
"Manassas" se convirtió desde su edición en un disco fundamental para entender la música americana de los 70, todo lo que suena aquí, es representativo de la cultura americana, y Stephen Stills y los suyos lo presentan de una manera realmente magnífica.
No lo dudéis, si queréis tener los mejores discos de la historia del Rock, este álbum debe estar en vuestro catálogo sin falta, y sin ningún género de dudas.

Para comprender de mejor forma la grandeza de este álbum, hay que situarse con perspectiva histórica. Tras el impresionante éxito en los primeros años de su carrera, los 60 fueron una década dura para Elvis. Si bien su carrera comercial seguía in crescendo, si nos referimos a la calidad de la misma, se había resentido sobremanera. Demasiadas películas con guiones absurdos (llegó a rodar una media de 2-3 films anuales), y demasiados álbumes basados en dichos films, que si bien solían tener algún tema salvable y Elvis cantaba con gran oficio, tenían una calidad muy mediocre.
Todo cambió en 1968 con la grabación y emisión del especial para la NBC, en la que Elvis retomó el mando de su carrera, y en donde dejó de rodar películas absurdas y se centró en la música 100 %, centrándose en grabar y cantar temas que realmente mereciesen la pena, y comenzar una gran cantidad de shows anuales, ritmo frenético de actuaciones en vivo que prácticamente no aminoró hasta su fallecimiento en 1977.
Junto con grandes trabajos como los impresionantes "From Elvis in Memphis" (tal vez su mejor trabajo con temas exclusivamente grabados en estudio) o "Back in Memphis", el Rey centró su carrera en sus conciertos en las Vegas, entre los años 1968 y 1971. Editando varios trabajos en vivo en aquellos años, en Diciembre de 1970 editó este "That´s the way it is", que suponía en parte una especie de banda sonora del film del mismo título, y que contenía temas grabados en estudio y otros recogidos en directo.
Con esta rara mezcla, Elvis editó el que es mi disco favorito de su larga carrera (junto con algún otro).
Elvis canta como nunca en este trabajo, si bien con los siguientes trabajos, y debido a su aumento paulito de peso, su voz fue ganando en profundidad (llegando a un nivel prácticamente operístico), es el momento en el que su voz canta de una forma inigualable todo tipo de temas.
El disco sólo tiene un par de temas netamente rockeros, la adrenalínica "Patch it up" (recogida en vivo) y la magnífica "Stranger in the crowd". El resto son temas más o menos reposados, en los que Elvis demuestra ser el mejor cantante del mundo.
El disco comienza con "I just can´t help believin´" en vivo, un maravilloso corte que nos coloca perfectamente en lo que va a ser el álbum, dando paso a "Twenty days and twenty nights", una de las canciones más bellas que se han podido escuchar, con su letra de claro arrepentimiento sentimental. Tras ella, otra jodida maravilla, "How the web was woven", en la que Elvis está aún mejor que en su predecesora (y mira que es difícil).
"Mary in the morning" es una preciosa canción de amor, con la cual las emociones (también para el que la escucha) están a flor de piel, y "You don´t have to say you love me" es uno de los primeros acercamientos operísticos del Rey, un tema corto pero extraordinariamente efectivo, en el que brilla con fuerza la acertada batería del gran Ronnie Tutt.
"You´ve lost that loving feeling" es otro de los puntos álgidos del disco, una maravilla que co-compuso Phil Spector para gloria de los Righteous Brothers, y que Elvis lleva al infinito con esos impresionantes arreglos instrumentales, que es seguida por "I´ve lost you", otro grandioso tema en la que Elvis parece relatar su futuro con Priscilla.
El disco se cierra con dos joyas realmente inenarrables: "The next step is love", una maravilla de canción en la que Elvis se mueve como nadie relatando como una amistad puede llegar a ser un gran amor, y el "Bridge over troubled water" de Paul Simon. Si bien el tema original interpretado por Simon & Garfunkel es imperecedero, a mi modo de ver, la versión de Elvis incluso la supera: la orquestación es perfecta (con ese increscendo realmente maravilloso que estalla con la última estrofa), The Sweet Inspirations están increíbles en los coros y Elvis canta como los ángeles, con especial hincapié en las últimas frases, y bueno, creo que junto a sus músicos, el Rey hizo la madre de todas las versiones.
"Just pretend", el tema que podéis escuchar en esta entrada, es por varias razones mi favorito, no es superior al resto de temas en un trabajo perfecto, pero el hecho de que no sea uno de los temas más conocidos del mismo, y que Elvis lo haga tan suyo y lo cante con tanto sentimiento, hacen que sean una de esas pequeñas joyas que uno posee, y que forma parte de su intimidad y de la de pocos más.
Si estáis interesados en adrentaros en la carrera de Elvis, hay mucho por donde empezar, pero si empezáis por aquí, creo que habréis acertado de llenos, al menos para conocer su faceta de los años 70.
Existe una edición de triple CD editada en el año 2000, que es un absoluta delicia, con libreto y con el disco corregido y aumentado en el primer CD, un segundo CD con temas recogidos en vivo, y un tercero con temas recogidos en los ensayos de esos shows en Las Vegas, y que si localizáis en el mercado os recomiendo fervientemente su adquisición.
Si queréis tener los mejores discos de la historia del Rock y no poseeis aún "That´s the way it is", os falta un imprescindible capítulo para completar ese elenco, sin ningún género de dudas.

Desde siempre, Whitesnake ha sido una de mis bandas favoritas. Me encanta su mega-exitoso "1987", pero me gusta más aún su primera época, hasta "Slide it in" en donde músicos de la talla de Mel Galley, Cozy Powell, Jon Lord, Micky Moody, Neil Murray o Bernie Marsden se codeaban con el gran David Coverdale.
Siempre he creído que lo que vino tras su éxito comercial, tuvo más altibajos: el irregular "Slip of the tongue" con Adrian Vandenberg y Steve Vai, y los diferentes álbumes tanto bajo el nombre de la banda como de Coverdale en solitario sólo indicaban el devaneo en la carrera de su líder.
Esos años confusos (que abarcan desde finales de los 80 y que incluyen toda la década de los 90), me hacían ver tal vez una ansiada reunión de los Whitesnake más hard-rockeros.
Pero el amigo Coverdale, encontró un inesperado socio para revitalizar su carrera, un hombre con un historial limitado (apenas es destacable su corto trabajo con Dio), pero que poco a poco se fué ganando la confianza del inglés, y que tras varios años de andadura juntos, podemos decir que ha conseguido recuperar a Coverdale y a Whitesnake a todos los niveles.
Los años no pasan por Coverdale, su voz está cambiada y muy tocada con claras limitaciones (se nota sobre todo en sus shows en directo), pero hay que decir que gracias sobre todo a Doug Aldrich, Whitesnake han vuelto en muy buena forma.
En el 2003 fue cuando ambos músicos empezaron a colaborar, y todo ello se fue plasmando con sucesivas giras, que desenvocaron en el directo "Live... in the shadow of the blues", editado en 2006, y que era una carta de presentación para la nueva formación, además de la grabación de 4 temas nuevos simplemente correctos a mi modo de ver que simplemente nos ponían al día con esta banda.
Muy diferente fue su nuevo trabajo en estudio, "Good to be bad", de 2008, en donde ya se empezaba a ver una formación estable con un disco muy sólido (sorprendentemente para muchos de nosotros), con temas tan destacables como "Best years", "Call on me" o "Lay down your love", que acompañaban a baladas más que correctas marca de la casa, como "All I want all I need" o "Summer rain". Esta formación la completaban de forma sólida el guitarrista Reb Beach, Chris Frazier a la batería, Uriah Duffy al bajo y Timothy Drudy a los teclados.
Pero lejos de ser una bonita sorpresa, Whitesnake han editado este mismo año un nuevo trabajo en estudio, el notable "Forevermore", que lejos de sonar a despedida suena a una nueva etapa vital en la época de Coverdale y los suyos. Personalmente, pienso que es incluso mejor que su predecesor, y desde luego, brilla a un nivel más alto que álbumes como "Slip of the tongue". La banda se afianza con Brian Tichy a la batería y Michael Devin al bajo, y graba cortes de la fuerza de la impresionante "Love will set you free" (uno de los mejores temas de la carrera del combo), "Whipping boy blues", "Steal your heart away" o "Tell me how". También tenemos las típicas baladas Coverdale, "Easier said than done" o "One of these days", e incluso se atreven con temas acústicos realmente épicos, como "Fare thee well" o la canción que da título al disco.
Whitesnake están de vuelta, y parece que para quedarse mucho tiempo. Si no habéis escuchado estos nuevos trabajos, os lo recomiendo fervientemente, y os reconciliaréis con los mejores Whitesnake.

Dedicamos esta entrada a una grata sorpresa que nos han llegado en los últimos meses desde las islas británicas, apadrinados por nada menos que el Stone Ronnie Wood, que ya de por sí, debería ser suficiente tarjeta de presentación para ellos. Pero es que la banda, en lo que es hasta el día de hoy su único trabajo en estudio, "Diary of a soul fiend" (2010), suena pero que muy bien.
Grupo con un corte de Rock clásico de los 70, en los que entre grandes riffs, baladas enternecedoras, grandes arreglos de teclas y vientos y en especial, la inmejorable voz de su cantante Lynne Jackaman, nos han regalado un sólido primer trabajo, que esperemos tenga en breve continuación.
Su tema más conocido es el inicial "Soul on fire", una auténtica inyección de adrenalina y savoir-faire, pero el resto del álbum tiene un gran nivel, con baladas como "Down this road" (magníficos coros gospel), o "Angel", o temas cercanos a los clásicos Whitesnake blues-rockeros como "Paralell life"(ese riff inicial nos retrotae al clásico "Hit n´run" de la banda de Coverdale), o temas hard rockeros típicamente setenteros como "Southern belles" o la adictiva "Garden of Eden".
En definitiva, un disco altamente recomendable para cualquiera que ame el buen Rock 70´s, y con un directo que ha sido señalado como muy notable, y que podremos comprobar en el remozado Festival de Serie Z, que se reactiva este año en el mes de Octubre, y que contará con esta magnifica banda británica en su cartel. A algunos viejos rockeros, esta banda os recordará a Mother Station, una banda que tuvo sus 5 minutos de gloria allá por comienzo de los 90 y que tenían también un sonido sureño y con una cantante con reminiscencias a Janis, como ocurre con Lynne. Es evidente que hay paralelismos, pero bueno, eso sólo puede ser una buena noticia, ya que aquella era una gran banda que lamentablemente se separó hace ya muchos años.
Aquí podéis escuchar mi tema preferido del trabajo, la enorme "Little Queen", que se convirtió en mi corte favorito desde la primera escucha.

Ha desaparecido un gran talento incipiente. Una artista que ha demostrado de sobras con sus dos trabajos en estudio, que era capaz de reinventar un estilo tan estancado como el soul.
Una lástima. Una verdadera lástima. Descanse en Paz.

“Say Goodnight To The Bad Guys” es el título de la gira de despedida de The Black Crowes, que está finalizando su tramo europeo con un impresionante éxito a todos los niveles.
Sin duda alguna esta está siendo una gira histórica, 9 shows en el viejo continente, de los que a día de hoy se han celebrado 5 de ellos. Los conciertos en Milán, Bilbao (del que fui privilegiado testigo) y Manchester son shows eléctricos de aproximadamente hora y media, junto con los de Peer en Bélgica y Lichtenvoorde en Holanda, mientras que los cuatro de Londres y Amsterdam (dos shows en cada una de las ciudades), constarán de dos shows con dos set list diferentes en formaro acústico y eléctrico, y que en total durarán (y están durando) cerca de las 3 horas.
Ya se han celebrado las dos citas de Londres, y además de tener un repertorio que tira de espaldas con clásicos propios (de todas sus épocas) y ajenos (versiones de Dylan, The Band, Velvet Underground...), en el segundo de ellos tuvo como visita en el bis final, nada menos que al gran Jimmy Page, como atestigua este magnífico documento en video:
http://www.youtube.com/watch?v=-QQ4HSPejX4

Una de las cosas más destacables (y únicas) de la banda de los hermanos Robinson, es que entre show y show apenas repiten 4-5 temas (son fijas "Wiser time", "Remedy", "Thorn in my pride", "Jealous again" y poco más), y el resto varían entre decenas de temas, por ello, es imposible saber que temas van a sonar en sus conciertos. En sus pocas apariciones de los últimos días, interpretan temas de su última etapa ("Good morning captain", "Appaloosa" o "Oh Josephine"), se codean con cortes de sus primeros álbumes ("No speak no salve", "Sister luck", "Hotel Illness"), y de su etapa previa a su separación ("By your side", "Welcome to the good times"). Todas ellas siempre son acompañadas por grandes versiones de clásicos atemporales de Otis Redding ("Hard to handle"), The Band ("Don´t do it"), The Rolling Stones ("No expectations") o la impresionante "Oh sweet nuthin´" de la Velvet.
Sólo una banda con un nivel estratosférico, no sólo en cuanto a la indudable calidad de sus músicos, si no a aquello que se llama BANDA, es capaz de hacer este tipo de gira, alejándose de todo aquello que pueda llamarse previsible, y tocando con los dedos el status de banda irrepetible.
Se que me repito bastante con este grupo, pero creo que no somos realmente conscientes de lo que estamos viviendo, The Black Crowes se han convertido hace mucho en una de las mejores bandas de Rock de la historia, y estos momentos con esta gira de despedida, son unos de los más dulces de su carrera, momentos que dentro de 10 ó 15 años, a buen seguro, recordaremos como unos de los momentos inolvidables de la historia del Rock.
En su concierto de Bilbao, presenciamos un show de hora y media típicamente "Black Crowe", imprevisible, apasionante, único. Empezaron inesperadamente con "Jealous again", y tras ella, "Hotel Illness", "Good morning captain" y una maravillosa "Soul singing" (podéis escuchar aquí la versión de este tema que nos regalaron en el Azkena 2009). Tras semejante comienzo, la relajación y las típicas jams de la banda llegaron con "Wiser time", "Poor Elijah/Tribute to Johnson" y "Been a long time (waiting on love)" mi momento favorito de la noche con esa impresionante final.
"Thorn in my pride" nos volvió a emocionar como siempre hace, y después todos a bailar con "Hard to handle", a llorar con "She talks to angels" y a acelerarnos con una apabullante "No speak no slave", que dió paso en los bises al eterno "Remedy".
Mucha gente estará en pleno 2011 perdiendo el tiempo con la banda de moda del momento, o pensando en otro combos como los "salvadores del rock". No nos engañemos. Los Stones del 72, los Zeppelin del 75 o los Who del 71 sólo tienen un rival hoy en día, y ese rival tiene forma, huele y vuela exactamente como un par de Cuervos de Georgia y su "bandada" de acólitos.

En la irregular carrera fílmica de Brian de Palma, creo que, y casualmente o no, sus mejores trabajos son los que ha realizado con el gran Al Pacino. "Scarface" (aquí titulada "El precio del poder") y sobretodo, a mi modo de ver, "Carlito´s Way", son lo mejor de la misma.
Acabo de revisionar esta última, y creo que este trabajo mejora con los años sin ningún género de dudas. Siempre consideré "Scarface" algo exagerada y sobreactuada tanto a nivel coral como de presentación, pero "Carlito´s Way", (realizada por De Palma justo una década después), presenta a un realizador más sereno, más reflexivo y cuidando los detalles de una forma realmente exiquisita.
El film se mueve entre los típicos terrenos del cine negro de gangsters, en una década la de los 90 en que destaca, sobresaliendo con notables trabajos en el género como "Uno de los nuestros" de Scorsese y "Donnie Brasco" de Mike Newell con también Al Pacino de protagonista junto a Johnny Depp. Un reparto coral inmejorable que completan un acertado (y odioso) Sean Penn, junto a una comedida a la par que ajustada Penelope Ann Miller, y una serie de secundarios de lujo entre los que están Luis Guzmán, John Leguizamo o Viggo Mortensen.
Un ritmo absolutamente magistral, contando las cosas sin prisa pero sin pausa, relata el devenir del personaje de Pacino (Carlitos Brigante), un gangster de la vieja escuela que sale de la cárcel debido a un fallo a la hora de conseguir las pruebas en su contra, y vuelve a la calle decidido a rehabilitarse y huir de los bajos fondos de la ciudad así como de su vieja y delictiva vida. Lamentablemente para el personaje, su pasado no olvida, y al final se ve envuelto en el mismo mundo que quería dejar atrás, bien por circunstancias de la calle, bien por las traiciones de sus viejos colegas del pasado.
140 minutos en los que la película se sigue sin pestañeo alguno, unos magníficos decorados y ambientes, una banda sonora que comienza cercana a ritmos latinos y pop adecuados a la época en la que se ambienta, y que se complementa con unos buenos arreglos en la parte final (un final cuyos detalles no revelaré aquí por si alguien aún no ha visto este pedazo de film), complementan un trabajo en el que encontramos a un soberbio Pacino, en uno de los mejores trabajos de su dilatadísima carrera, que rodó en uno de sus mejores momentos como actor, ya pasados los 50 años, edad ideal para el papel que representa.
El gran colofón del film, es una bellísima escena (casi irreal), en la cual suena el tema que podéis escuchar aquí, el clásico "You are so beautiful" compuesto por el teclista Billy Preston, y que llevó al infinito esta maravillosa interpretación del gran Joe Cocker. Sin duda alguna, uno de los finales más hermosos y emocionantes de la historia del cine, perteneciente a un trabajo que os emplazo a que disfrutéis cuanto antes, de uno de los films definitivos de cine negro de la historia del celuloide.

La décima edición del Azkena Rock Festival de Vitoria se saldó con masivo éxito, tanto a nivel musical, organizativo, de asistencia y, por supuesto, económico.
A priori, todo era atractivo en esta edición, y las expectativas se vieron culminadas con creces.
En cuanto a lo estrictamente musical, quien os escribe esta crónica llegó al recinto de Mendizabala cuando acababa de comenzar el show de The Cult (perdiéndome así el recomendable show de Black Country Communion). Un concierto simplemente correcto el de los de Duffy & Astbury (esperaba algo más de ellos), que dió pasó a Rob Zombie, un hombre que basó su show en su habitual parafernalia y en la cual brillaron de forma especial (y como no podía ser de otra manera), los clásicos de White Zombie, en especial "More human than human". Después esperaba uno de los principales (si no el principal), cabeza de cartel del festival, nada más y nada menos que el viejo madman, Mister Ozzy Osbourne, que con 63 años se encuentra en un desgastado estado físico, que a pesar de todo no fue impedimento para que él y sus enormes músicos (magnífico guitarrista Gus G.), nos hicieran disfrutar como niños pequeños con gran parte de los clásicos que ha compuesto e interpretado este hombre: "I don´t know", "Suicide solution", "Mr. Crowley", "Shot in the dark", "Bark at the moon", "Crazy train" o "Mama I´m coming home", fueron acompañados con clásicos de Sabbath como "Iron man", "Fairies wear boots" o "Paranoid", sonando todos perfectos con una audiencia entregada de antemano que coreó todos y cada uno de los temas.
Tras los 75 minutos de Ozzy, todos esperábamos con ganas la reunión de casi todos los Kyuss originales (salvo el esquivo Homme) en ese proyecto que se hace llamar Kyuss Lives!!! Y bueno, que puedo decir, sonaron magníficos, realmente entregados (en especial el bueno de John Garcia, que cada día parece que canat mejor), y desde luego, los clásicos de "la banda del desierto" por excelencia sonaron perfectos, arrebatadores, potentes y realmente especiales, cerrando de forma ideal la jornada del jueves.
El viernes 24 comenzó para nosotros (al menos a nivel musical), con Reverend Horton Heat que escuchamos no en su totalidad, y después con la esperadísima visita de una banda como Cheap Trick, que cumplió con creces lo esperado, y en donde no dejaron sonar parte de sus clásicos como "Hello there", "Come on" o "Surrender". Aunque me faltaron algunos temas importantes, la entrega y profesionalidad de Rick Nielsen y Robin Zander se hizo patente y realizaron un más que notable concierto.
Bad Brains nos aburrieron con su desfasada música, así que decidimos coger fuerzas para Primus, que si bien técnicamente (en especial Les Claypool) sonaron adecuados, su música demasiado experimental sonó algo fuera de tono en el contexto del festival, por lo que al poco decidimos ver "que se cocía" en el escenario Monster, donde vimos a dos recomendables bandas, Dirty Work y sobre todo, Rival Sons. Estos últimoa sonaron a rock clásico estilo Zeppelin con un cantante con tonos y maneras cercanas a Ian Astbury, una banda a no perder la pista en el futuro. Queens of Stone Age comenzaron su show a eso de la 1 de la madrugada, y bueno, aunque como banda sonaban compenetrados, la verdad es que a mi nunca me atrajeron demasiado (en especial en directo) y de nuevo (y por segunda vez en mi vida, la primera en aquel Electric Festival de Getafe en 2007), abandoné el show para descansar y afrontar la dura jornada del Sábado. A mi modo de ver, en la ficticia batalla que se ha creado entre Josh Homme por un lado y sus ex-compañeros de Kyuss, yo tengo unos claros ganadores, estos últimos, con unos temas de mejor calidad, y unas interpretaciones más apasionantes, además de una actitud más acertada, al menos a mi modo de ver. Además de una cosa clarísima: los temas que compone actualmente Homme con sus Queens of the Stone Age están muy por debajo de los que compuso en su día con Kyuss, joyas que se incluyeron en trabajos tan maravillosos y enigmáticos como "Wellcome to Sky Valley" o "...And the circus leaves town".
La jornada del Sábado la comenzamos más tarde de lo pensado inicialmente, el tardío el horario de Thin Lizzy (previsto su comienzo para las 02:40 de la madrugada) en sustitución del divo Danzig, nos hizo pensar en perdernos bandas recomendables como The Avett Brothers, con lo que uno de los platos fuertes del día, Gregg Allman, sería el primer show que presenciaríamos.
El viejo Gregg nos dió junto a su banda, unas lecciones de feeling, buena música y profesionalidad a raudales. Con una banda con un perfil más bajo de lo que ofrece con The Allman Brothers, con un saxo y otro teclista, interpretó versiones, temas propios, y sobre todo temas de su banda madre, pero interpretado de forma más bluesy y con un mayor groove. Gregg tocó el Hammond, la guitarra acústica, la eléctrica, y cantó como los ángeles, acompañados de unos músicos realmente notables. De The Allman Brothers Band sonaron temas como "Dreams", "Don´t keep me wondering", "Whipping post", "Midnight rider" o "Melissa", que sonó increiblemente bella y relajada con Gregg a la acústica. Sin duda, uno de los shows más especiales del festival, con una leyenda viva del rock a unos metros de nuestros ojos.
Brian Setzer´s Rockabilly Riot es el nuevo proyecto del viejo líder de los Stray Cats, que, de nuevo, y esta vez acompañado por Slim Jim Phantom, nos hizo disfrutar con una novedosa puesta en escena, de los viejos clásicos de los Cats, además de temas de su carrera en solitario. Siempre elegante, el gran Brian, dándolo todo.
Nos saltamos a Paul Weller para ver el show de The Whybirds, que sonaron compactos y rockeros, y donde también pudimos escuchar una enorme interpretación de "Rosalita" de Bruce Springsteen, en una banda que está dando mucho que hablar y que, a juzgar por lo visto y oído, nos puede dar muchas sorpresas positivas en breve.
El colofón del Festival lo puso Thin Lizzy pasadas las 3 de la madrugada. Los de Scott Gorham y Ricky Warwick dieron otro fabuloso show rememorando los viejos clásicos de la banda irlandesa, levantaron al público a pesar del palpable cansancio entre los asistentes, y desde luego, la incorporación de Richard Fortus a la guitarra en lugar del huidizo Vivian Campbell ha sido positiva para la misma; incluso a Scott Gorham se le ve más rejuvenecido, mientras que sus compañeros Marco Mendoza, Brian Downey y Darren Wharton lo dan absolutamente todo.
Magnífico colofón para un festival especial, que en su décima edición se consagra (si ya no lo hizo antes), como el mejor festival de este país, que vivimos intensamente y que, a buen seguro, volveremos a vivir en el futuro.
Felicidades a la organización y por supuesto a Vitoria y a los vitorianos, que nos acogieron de forma inmejorable en una de las citas ineludibles del Rock en nuestro país.
Os dejo en compañía de "One last soul" tema que sonó al comienzo del festival a cargo de Glenn Hughes & Company (es decir, Black Country Communion), y que según opiniones y documentos visuales sonaron muy bien presentando su esperado segundo trabajo, recién editado en el mercado.

En el próximo 2012, se cumplirán 30 años de la edición de uno de los discos definitivos del Rock Nacional. Los hermanos De Castro, junto con Sherpa y Hermes Calabria, editaron en 1982 su segundo trabajo (tras un enorme debut, "Larga vida al rock and roll" del año anterior), y consiguieron producir un pedazo de joya sin parangón.
"Volumen brutal" comienza con "Incomunicación", con esa letra tan apocalíptica a un ritmo realmente frenético, que da paso a uno de los diamantes en bruto que incluye el disco, "Los rockeros van al infierno" una auténtica declaración de principios (al igual que el magnífico corte "Hermano del rock & roll", que casi cierra el álbum) y que desde entonces se hizo fijo en sus conciertos.
"Dame la oportunidad" es uno de los cortes más desconocidos del disco, un medio tiempo muy notable(en el que por supuesto siguen sonando las afiladas guitarras de los Hermanos de Castro, en este caso con ese sonido llamado "twin guitars" y que tanto popularizaron bandas como Boston), que nos prepara para otra de las maravillas del trabajo, "Son como hormigas". Además del magnífico riff que incluye, es increíble pensar como una letra escrita por Sherpa hace 30 años se puede amoldar perfectamente al mundo de hoy en día. Todo cambia, pero nada cambia. En especial me encanta esa frase en la que se hace referencia a los políticos: "¿Cuándo recibiremos alguna buena nueva del poder? ¿Cuándo? Creo que nunca, siempre nos tocó perder".
"Las flores del mal" es otro de esos temas imperecederos de los que ya se ha dicho todo, al igual que "Resistiré", un himno atemporal que podrían hacer suyo cualquier colectivo en sus reivindicaciones.
"Satánico plan (volumen brutal)" con esas slides guitars tan adecuadas, nos preparan para uno de los momentos más emocionantes del álbum, ese eterno "Concierto para ellos" en los que Sherpa y los suyos homenajean a los héroes caídos del Rock. Miles son las veces que hemos cantado ese estribillo en los que se recuerda a Bon Scott, Janis Joplin, John Lennon, Duane Allman, Jimi Hendrix, Marc Bolan, John Bonham y Keith Moon.
El disco se cierra con "El Barón vuela sobre Inglaterra", un magnífico instrumental en los que los hermanos de Castro brillan con especial fuerza.
El éxito del trabajo fue grande, de hecho tuvo repercusión no sólo a nivel nacional, si no internacional: la banda grabó una versión del trabajo traducida al inglés, e incluso tuvo la oportunidad de tocar en el mítico Marquee londinense, uno de esos locales míticos de conciertos de la historia del Rock, al nivel de recintos como el Fillmore o el Royal Albert Hall. En dicho local, sólo pudieron tocar unos pocos artistas españoles privilegiados, en aquellos años Asfalto y los propios Barones, y con posterioridad grupos como El Último de la Fila, años antes de ser cerrado definitivamente.
En un mundo como el de hoy en día, con tanta música prefabricada y tanto disco de usar y tirar, es muy saludable recuperar discos tan honestos, tan cercanos y con tanta calidad y energía como este "Volumen brutal", uno de los hitos indiscutibles del Rock hispano.

"Este paisaje se despide de mi enseñándome sus marcas, que son mis propias huellas, por donde he pasado... ¡yo he estado aquí!" Con estas palabras tan enigmáticas (y que me he repetido en alguna ocasión que otra a mi mismo en similares situaciones), enfila los últimos minutos del film Ángel (Carmelo Gómez), en esta particular película de Medem dentro de su propio universo particular.
La carrera del cineasta vasco, siempre se ha movido dentro de unos parámetros muy particulares (y altamente reconocibles), y sus films siempre han tenido algo interesante y muy diferente del resto de la producción hispana, aunque nunca he sido muy fan de su carrera fílmica. El resto de sus films, a mi modo de ver, aún teniendo detalles destacables, son bastante irregulares y a veces exagerados, pero creo que con "Tierra", Julio dió en la diana, realizando su film más redondo.
Siempre me apasionó esta película. Además de un guión realmente notable, Julio Medem se rodeó de un elenco realmente irrepetible, empezando por el músico Alberto Iglesias que confecciona una música ya inseparable del film, y acabando por el maravilloso elenco de actores con Carmelo Gómez, Emma Suárez (en el personaje de Ángela) y Silke (Mari) a la cabeza. Los secundarios, también están perfectos, un polivalente Karra Elejalde, un acertado Nancho Novo y un entrañable Txema Blasco colorean el ya de por sí variado cuadro que Medem nos dibuja. La fotografía (a cargo de Javier Aguirresarobe), para redondear el conjunto, es inmejorable, y los exteriores localizados por Medem, perfectos para la trama que nos cuenta el guión.
Si no habéis visto el film, no os contaré gran cosa por que os estropearía las sorpresas que contiene el guión, pero lo que si os puedo adelantar es que los enigmáticos soliloquios del personaje de Carmelo Gómez son sobresalientes, los diálogos, en especial con las protagonistas del film, inolvidables, y toda la película se rodea de un halo místico que rara vez se ha podido observar en el cine español. Eso sí, para los que no os guste el cine de Medem, raramente os gustará "Tierra", aunque desde luego la encuentro con mucha menos "complejidad" que el resto de su filmografía (y más acierto), en especial a partir de la segunda visión.
Solamente destacaré lo que ocurre en los últimos minutos, cuando el tío de Ángel, le comunica mientras el está postrado en cama: "Hay una mujer muy guapa que te ha estado cuidando estos días", a lo que Ángel replica "¿Cómo se llama?", y el tío "¿no lo sabes?". Ángel pregunta, "¿de qué color tiene el pelo?", a lo que el tío entre risas le dice "Uyuyuy, que lío tienes, ¿cuál prefieres?, a ver si es la que te gusta". Solamente deciros que yo hubiera preferido la que no es el film finalmente, aunque la verdad, la dos actrices principales salen tan maravillosas que me hubiera conformado con cualquiera.
La película se rodó entre 1994 y 1995, fue una larga producción y no se estrenó hasta 1996. En los Goya de 1997 obtuvo los de las categorías de música original (merecido para el gran Alberto Iglesias) y Efectos especiales, aunque revisando el film hoy en día, cuesta que nadie de su elenco de actores fuera nominado, al igual que la bellísima fotografía. En el caso de las actrices, Emma Suárez ganó ese mismo año el Goya por "El perro del hortelano" de Pilar Miró (que también protagonizó con Carmelo Gómez) y quizá por ello no se la volvió a nominar por "Tierra", pero personalmente la encuentro mucho mejor en el film del cineasta vasco.
Carmelo Gómez está perfecto, la dirección de Medem tiene el pulso idóneo, los detalles de guión son incontables, adecuados y siempre sorprendentes, Silke hace su debut de forma magnífica, la música redondea el conjunto, y sobre todo, una maravillosa Emma Suárez (la actriz más infravalorada del cine español, sin duda alguna) se convierte en, a mi modesto modo de ver, en la pieza más sobresaliente de la película. Su inigualable belleza a esa edad (unos 31 años) rivaliza con su enorme actuación, para mi, la mejor de su dilatada carrera sin lugar a dudas.
Para acompañar a esta entrada, tenéis un corte de la banda sonora de Alberto Iglesias, enigmática como el propio film, que espero os sirva para entrar en el Universo de "Tierra", el Universo del mejor Medem.

Corría 1991 y el director Alan Parker decidió embarcarse en un proyecto de presupuesto menor en Irlanda, tras sus éxitos con "Arde Mississippi" y "El corazón del ángel", y su fiasco con "Bienvenido al paraíso". Y bueno, creo que justo este proyecto es uno de los mejores trabajos de su carrera. Con actores semi-profesionales, y con escaso dinero, Parker realizó este proyecto cuya vigencia fué muy duradera (incluso hay una banda girando con el nombre del título aún hoy en día). La historia se sitúa en Dublín a finales de los 80, en donde un joven emprendedor quiere lanzarse como manager con una banda revitalizando el sonido soul de los 60. La película es una delicia de principio a fin: la magnífica banda sonora, la realista interpretación de unos actores no profesionales en su mayoría, la verosimilitud de la historia, el magnífico retrato de la sociedad irlandesa de aquella época, el guión con detalles realmente brillantes... Creo que esta noche me volveré a ver esta delicia de film, por que creo que es un trabajo que hay que ver al menos una vez al año. Esta película contiene la que es tal vez la mejor versión de todos los temas de la banda sonora (que incluso tuvo que ampliarse con un segundo volumen debido a la fuerte demanda) nada menos que "Try a little tenderness" de Otis Redding, en donde destaca la particular y portentosa voz de Andrew Strong. Otros temas que se grabaron en versiones magníficas para este film fueron "Mustang Sally", "Chain of fools", "Dark end of the street" o "Show me", que sólo hacen nada más que redondear uno de los proyectos cinematográficos más especiales de principio de los 90.

A mediados de la década de los 90 el panorama musical estaba en plena ebullición. Sonidos diferentes de estilo muy distintos y a veces contrapuestos tenían su oportunidad y hueco en el mercado. Dentro del Rock Americano, gente tan brillante como The Black Crowes o Blind Melon continuaban una recién estrenada carrera discográfica. Al mismo nivel que ellos, podemos situar a la banda liderada por John Popper, los maravillosos Blues Traveler.
Creo que sin duda su mejor trabajo es este "Four" de 1994, aunque toda su discografía hasta 1996 es altamente recomendable, y agolpa en sus cortes lo mejor de su forma de entender la música. Clásicos de la talla de "Run-around", "Stand", "The mountains win again", "Just wait" o "Brother John", se encuentran entre la mejor música americana de siempre.
Tras la desaparición de su bajista original Bobby Sheehan en 1999, ya nunca fue lo mismo en el seno de la banda, aunque siguieron editando buenos trabajos, pero desde luego, su legado de aquellos primeros años (en especial desde 1990 hasta 1996) es irrepetible.
"Hook" es el maravilloso corte que podéis escuchar aquí, y que fue un gran éxito en su día, conviertiéndose desde el momento de su edición en una mágica composición con una letra magnífica y un desarrollo instrumental extremadamente estimulante y claramente reivindicable, al igual que este maravilloso disco de obligada escucha para todos los que tnegáis un mínimo de buen gusto. No saldréis decepcionados tras escuchar semejante torrente de genialidad.

Siempre me encantó esta banda. El alter-ego femenino de los Ramones, siempre me parecio un combo fresco y con una calidad innegable. Sus cortos y arrebatadores trallazos punk, fueron ganando en calidad desde sus primeros álbumes publicados en los 90 (vease su trabajo homónimo, publicado en 1998), y principios de este siglo, como "Turn 21" (2001) no hacían más que mejorar su estilo, y creo que este "Spend the night" del 2002 se convirtió en su mejor álbum, no superado por ningún otro trabajo de la banda a día de hoy.
En él se incluye su mayor hit, "Take it off" (tema que me acompaña en el móvil a modo de sintonía desde hace años), y que es un corte adrenalínico, directo e increiblemente adictivo, pero este trabajo también contiene joyas como "Take me to the back seat" (una auténtica declaración de principios), "Please don´t tease", "Who invited you" o la canción que da comienzo al trabajo, y que podéis escuchar aquí, la potente "It´s on the rocks". En un trabajo de una banda como The Donnas no encontraréis sorpresas, simplemente buen punk-rock corto y directo, y creo que sin duda este "Spend the night" engloba como ningún otro lo mejor de esta banda.
Tras este discazo, la banda sólo ha editado dos trabajos más, "Gold medal" del 2004 y "Bitchin´" de 2007, buenos álbumes que ya piden a gritos una continuación.
La compenetración de la banda es total, así como su amor por gente como la eterna Joan Jett, de hecho, las cuatro componentes siempre han sido las mismas desde aquel ya lejano 1993 en el que se formaron: Torry Castellano a la batería, Maya Ford al bajo, Allison Robertson a la guitarra y la bellísima cantante Brett Anderson que es la auténtica referencia a nivel visual de la banda. Una mujer que realmente tiene actitud además de un atractivo físico indudable. Todas ellas se conocieron en el instituto y nacieron el mismo año (1979) y han sido amigas y compañeras hasta el día de hoy.
Un magnífico álbum este "Spend the night" ideal para animaros la primavera con un buen punk-rock honesto, directo, sincero y por supuesto, pegadizo, altamente recomendable.

Entrañable y emocionante show el que pudimos vivir el pasado viernes en La Sala Live. Muchos años después, Julio Castejón y Jorge García Bánegas, se reunen sobre un escenario para, en este caso, rememorar uno de los discos clásicos que grabaron en aquella mágica (a la par que complicada) época de la transición española.
Según relató el propio Julio (exhultante de emoción durante todo el concierto), la salida en el mercado del disco de 1981 no obtuvo mucho respaldo por la compañía, ya que su música de rock urbana estaba ya "pasada de moda" en aquel año debido en especial al gran empuje de la llamada "nueva ola" y de los sonidos de rock más duro que representaban bandas como Obús o Barón Rojo, por poner dos ejemplos. Esta junto a otras muchas anécdotas, sirvieron para agilizar la velada, en la que se interpretó el álbum completo en el orden original en el que fue publicado.
La banda sonó compacta y rockera, con un sonido muy fiel al original, a pesar de que sólo estaban Jorge y Julio de los que grabaron el disco. También estaba entre el público el batería que grabó el trabajo, Enrique Cajide, que ante la petición del propio Julio, subió a mitad del show al escenario para abrazarse de forma efusiva con su compañero de aquellos años.
La emotividad estuvo presente en toda la noche, los temas sonaron muy bien y para nada desfasados, incluso me atrevo a decir que en su mayoría sonaron mejor que en el disco. Los invitados especiales (con especial hincapié en los hijos de Julio), cumplieron de sobras y añadieron más emoción aún a la noche.
Todos los temas sonaron fabulosos, pero me encantaron de forma especial "Baila madre", "Lucy escóndete", "Adiós al sol", "Miedo", "Demasiado aprisa" o "Sólo por amor", una bella canción de amor que sonó realmente preciosa.
La participación del público fue sobresaliente en temas como "Rainbow Warrior 8-11-80" o "Díselo", coreando los temas de forma magnífica.
Pero el tema con el que me pasó más de un escalofrío por la espalda fue con "Generación perdida". Uno de los mejores temas del Rock Nacional, sonó grande, enorme, yo diría que se hizo eterno, el mejor momento de la noche para el que suscribe.
Tras ese temazo, el instrumental "Benvingut" puso el punto final a la noche, que dió paso a los bises, en donde todos los músicos de la velada interpretaron un emocionante "Déjalo así".
Una bonita y acertada iniciativa esta de recordar los grandes trabajos del rock hispano a base de shows conmemorativos, en América es bastante habitual, y desde luego, si todos salen como este, habría que coger esta costumbre para reivindicar y recuperar trabajos que por aquello de las injusticias del tiempo, quedan en el más injusto de los olvidos.
Irrepetible noche que quedará en la memoria de todos los que estuvimos allí. Felicidades a todos los músicos y público, y en especial al gran Julio Castejón, por el que parece que no pasan los años (sus hijos ya tienen una edad importante), ya que estuvo perfecto en cuanto a técnica instrumental, voz y por supuesto emoción.
Gracias Julio por esta noche inolvidable.

En 2007, el canadiense más universal editó "Chrome dreams II", un nuevo trabajo que le hacía culminar una magnífica racha de nuevos trabajos en estudio de una calidad fuera de toda duda como "Greendale" (2003), "Prairie wind" (2005) o "Living with war" (2006).
Este variopinto y recomendable disco, contenía cortes muy diferentes entre sí, nuevas composiciones con temas rescatados de diferentes épocas. Pero lo que mucha gente no comprendía del álbum era ese "II", que indicaba que supuestamente debería de haber existido una primera parte que nunca fue editada oficialmente.
En efecto, ese disco existió en la mente del viejo Young, pero al final no se editó en el mercado, en beneficio de otro trabajo que contenía parte de ese material, el magnífico "American stars n´ bars" que se editó en 1977 y que entre otras muchas joyas contenía el eterno "Like a hurricane".
El trabajo al que aludimos, y que finalmente no se editó como tal en el mercado, se grabó entre finales del 74 y el año 1976, y contenía 12 cortes a cual mejor, 12 de los mejores cortes que compuso Neil en los 70, y eso es mucho decir.
Además de las 5 canciones que se editaron en "American stars n´ bars" (nada menos que "Like a hurricane", "Will to love", "Star of Bethlehem" (con la inestimable colaboración de Emmylou Harris), "Hold back the tears" y "Homegrown"), para este disco se compusieron temas del calibre de "Captain Kennedy" (que acabaría editándose en "Hawks & doves" del 80), la bellísima "Look out for my love" (que acabó en el precioso "Comes a time" del 78), o uno de mis temas favoritos del canadiense, "Too far gone", que acabó en el grandísimo "Freedom" de 1989.
Una de las obras maestras de Young, "Rust never sleeps" (editado en 1979), contiene varias de las canciones gestadas para este disco perdido: "Pocahontas", "Sedan delivery" o la onírica "Powderfinger" (otro de los temas más eternos del canadiense) proceden de estas sesiones.
Todos estos temas aparecen en unas versiones primerizas, pero aún así, ya se intuyen lo perfectas que son.
Un disco perdido realmente maravilloso, que agolpa parte de los mejores momentos compositivos de Young, que son los culpables de que amemos tanto a este hombre.
Para completar el "track listing" de este perfecto disco no editado en su día de forma oficial (ya se puede conseguir desde hace años de forma oficiosa), está "Stringman", tema relajado con Young al piano y que no se editó de forma oficial hasta el "Unplugged" de 1993, que engloba en sí mismo la mejor faceta lírica del canadiense, tema que dedica a su excompañero y amigo Stephen Stills.

Ahora que tenemos un nuevo y sorprendente vital nuevo trabajo de los Whitesnake más metálicos de David Coverdale, es buen momento para retroceder 18 años en el tiempo, en aquellos extraños principios de los 90, en los que los sonidos de Seattle, o de bandas como Faith No More, Smashing Pumpkins o Red Hot Chili Peppers gobernaban en las listas. En aquellos años, se produjo una de las uniones más curiosas de la historia del Rock.
David Coverdale, alma matter de Whitesnake y bastión junto a Glenn Hughes del Mark III de Deep Purple, se unía en el estudio con el líder absoluto de la mejor banda del Rock de la Historia, Jimmy Page. La noticia se cogió con expectación y nadie tenía claro lo que podía salir de ahí.
Tras editarse en el mercado, el trabajo con un título tan sencillo como el nombre del proyecto, "Coverdale Page", encantó a muchos de los fans de ambos grupos, aunque la reacción de la crítica internacional fue bastante más dispar.
Casi 2 décadas después, acercarse a un proyecto de este tipo, tal vez nos sitúe más justamente sobre la calidad e importancia del mismo. Yo reconozco que por aquel entonces disfruté mucho del álbum, a día de hoy, puedo decir que hay un puñado de enormes temas, y los pocos temas que tal vez no estén a la altura, son en los que se involucra más Coverdale.
Los temas más acelerados y adrenalínicos, a mi modo de ver, son los mejores. La inicial "Shake my tree", "Pride & joy", "Feeling hot" o la impresionante "Absolution blues" podrían perfectamente haber pertenecido a una versión dura y metalizada de la banda "Zepppelinesca".
David Coverdale está espectacular de voz en esos temas(a pesar de sus ya conocidos problemas vocales), y los riffs de Page son intratables, acompañados con impresionantes bajistas y con la enorme batería de Denny Carmassi.
Los temas en los que Jimmy Page empuña la acústica, se quedan un poco a medio camino: "Take me for a little while" es bastante previsible, mientras que "Easy does it" es un tema 100 % Zeppelin, que le emparenta con los viejos temas acústicos de la banda madre.
Por otro lado, "Waiting on you" está bastante lograda, mientras que "Over now" (medio acústica-medio eléctrica) es bastante más lánguida y quizá un poco larga.
"Take a look at yourself" es el único tema claramente Whitesnake, y en ella Jimmy Page apenas se luce con su instrumento.
Finalmente, "Don´t leave me this way" es un largo blues clásico, con buenas interpretaciones de ambos protagonistas, y la final "Whisper a prayer for the dying" con esa apocalíptica letra, es el magnífico final, claramente emparentada con el "Sailing ships" que cerraba el que era hasta ese momento el último trabajo de Whitesnake, "Slip of the tongue".
Con el paso de los años y el poso del tiempo, hay que decir que este disco ha ganado en fuerza en especial en los temas más "cañeros", y en el resto de temas, me siguen pareciendo extraordinarios "Waiting on you" y el tema que cierra el disco.
Por ello, es un disco de adquisición muy recomendable para los fans tanto de la serpiente blanca como del combo zeppelinesco.

La carrera musical de una banda como The Killer Barbies, aportó frescura, imaginación y buen punk-rock al panorama nacional allá por mediados de la década de los 90. En especial álbumes como "Dressed to kiss" (1995) eran aportaciones notables al punk-rock hispano bastante notables (otra cosa es la horrible faceta fílmica en la que el grupo participó).
La verdad es que en este siglo XXI les perdí la pista, tal vez la propuesta más novedosa en un país como el nuestro en los primeros discos, pecó un poco de repetitiva, y mi interés en la banda se fue diluyendo.
De una forma abosultamente casual, hace unos meses, descubrí el primer y hasta ahora único trabajo de su cantante en solitario, Silvia Superstar, editado hace un par de años al margen de la banda madre (aunque con destacadas colaboraciones de su compañero Billy King en el mismo).
Sin saber muy bien que me iba a encontrar en este disco, lejos de parecerme una repetición, Silvia avanzó un paso más allá de lo que había hecho con us banda madre, y con su inconfundible voz, sus letras también reconocibles (aunque más personales aquí), unos identificables riffs de guitarras muy pegadizos y unas bases y ritmos programados electrónicos, ha confeccionado un muy buen trabajo, actual, muy bien producido, básico, pero no falto de calidad.
Es un trabajo corto de duración (poco más de media hora, en la línea de los discos de The Killer Barbies), en la que se adivinan dos singles rápidos, la inicial "Less love" y "Queen bitch", a la que la sigue un tercer single en potencia, "My number one".
Temas como "I´ve got a machine gun", "I am", "Hell or heaven", o la más electrónica "Oh yeah!", hacen de perfecto complemento a esos singles antes mencionados, al igual que el reprise y acertado final más "lounge" ("Less love lounge"), que hacen del trabajo un álbum muy imaginativo y entretenido.
Al parecer, a Silvia le costó mucho trabajo poder grabar y editar este trabajo, ya que las casas de discos, en plena crisis como bien sabéis, no veían clara su propuesta, pero, y una vez conseguido su propósito, creo que nos ha regalado un trabajo altamente recomendable y de una calidad innegable.
Podéis escuchar aquí el single "Queen bitch". Si os gusta, haceros con el disco entero, y no saldréis defraudados ni mucho menos. Un trabajo que pasó demasiado inadvertido en el panorama nacional, a pesar de su notable calidad.

Ahora que al fin hemos podido disfrutar en vivo, con toda su parafernalia, un espectáculo como "The wall", es el momento ideal para recuperar su apéndice, este "The final cut", que se editó pocos años después y que a la postre supondría el disco final de la formación clásica de la banda con aún Roger Waters en la banda(si exceptuamos la primera con Syd Barrett).
Totalmente compuesto por Waters, este disco seguía los mismos parámetros que "The wall", y sigue centrado en la biografía del bajista. Todos los temas están relacionados con la sensación de abandono y soledad en relación a la desaparición del padre de nuestro protagonista en la guerra.
Las canciones y el tono de las mismas siguen el tono sombrío de los cortes más intimistas de "El muro", son algunos estallidos rockeros muy puntuales y con grandes arreglos intrumentales que redondean el conjunto.
"The post war dream" da comienzo a esta magnífica colección de canciones, un tema que perfectamente podría haber pertenecido a su predecesor, seguido de "Your possible pasts" tal vez a un nivel ligeramente inferior, y de "One of the few", que sirve de introducción para "The hero´s return" que es muy deudor del sonido tanto de "El muro" como del sonido clásico de los Floyd.
"The gunner dream", con una gran parafernalia sonora en sus comienzos, continua con ese relajado piano y la susurrante voz de Waters, tomando otra entidad en mitad del corte con ese magnífico solo de saxo, acompañado por los arreglos orquestales de fondo, comedidos, pero muy acertados. El disco continua con la inquietante "Paranoid eyes" y el puente "Get your filthy hands off my desert" (con arreglos de violín) y uno de los temas más reconocibles de este álbum (un disco sin hit-singles), "The Fletcher Memorial Home" con su magnífico arranque guitarrístico final, que nos recuerda de nuevo a los momentos más brillantes de "The Wall".
La última parte del disco arranca con la acústica "Southampton dock", que da paso al tema que da título al mismo, un corte que sigue el tono sombrío del trabajo con esos trabajados arreglos orquestales y otro magnífico sólo de guitarra final a cargo de Gilmour, al que le sigue mi tema favorito del trabajo (que podéis escuchar aquí), "Not now John" con esos impresionantes coros femeninos y esa maquinaria rockera de los Floyd 100 % operativa.
"Two suns in the sunset" es el colofón final no sólo al trabajo, si no a las paranoias de Roger Waters en la banda británica, de hecho, y como hemos comentado previamente, Roger ya no volvería a grabar con la banda.
Si os gusta "The Wall", este disco complementará esas composiciones en vuestra discografía. Desde luego los mejores esta época de finales de los 70 y principios de los 80 es donde Waters se explaya mejor a nivel compositivo y donde los arreglos están más trabajados.
Un disco este "The final cut" muy olvidado en la discografía de Pink Floyd, pero que merece muy mucho la pena, en especial por que no sólo es una colección de canciones, si no que más bien parece un diario musical de las obsesiones del gran Roger Waters.

Muchos de los asistentes a estos shows organizados por Roger Waters, en las que se ha interpretado la Opera-Rock por excelencia, han visto cumplido uno de los que eran sus sueños desde hace muchos años. El viejo Roger, autor casi por completo del trabajo, ha decidido darse (y darnos) el gustazo de representar en vivo con los medios actuales (muchos menos precarios y costosos que los de finales de los 70) lo que ha sido su obra magna.
"The wall", ha sido desde siempre uno de mis discos favoritos de la historia de la música, y por ello, yo era una de esas personas que llevaba lustros esperando poder presenciar su representación en directo, y aunque nunca las tuve conmigo, Roger Waters se ha encargado de hacerlo realidad.
Al entrar al recinto del Palacio de Deportes, era claro que ahí se iba a celebrar algo muy importante. La gente, excitada y expectante, presagiaba algo grande. A las 21:30 horas, comienzan a apagarse las luces y comienza el show, y lo que ocurrió a partir de ahí es de difícil descripción. Toda la parafernalia de "El muro", comienza en su explendor con un muro a medio hacer en el cual se proyectaban imágenes (como ocurrió durante todo el concierto), unos extras con uniformes y con las banderas con el símbolo que imaginó Roger hace más de 30 años, unos músicos de riguroso traje, y un Roger emocionado mientras sonaban las primeras notas de "In the flesh", con explosiones de pirotecnia y un impresionante despliege de luces y sonido.
"The thin ice", con una luz más sombría y con imágenes de fondo de víctimas caidas en los diferentes conflictos, da paso a "Another brick in the wall part I", uno de los primeros momentos de emoción inicial, seguido por el magnífico puente "The happiest days of our lives", que nos prepara para el primer momento en que se puso la carne de gallina, "Another brick in the wall part II", con ese enorme profesor hinchable en la parte derecha del escenario (vista desde la audiencia). Ni se las millones de ocasiones que he escuchado ese tema, y me volvió a emocionar escuchar a todo el público cantando la estrofa, en especial cuando apareció un coro de unos 10 niños cantando los coros del estribillo (espectaculares los chavales), y sobre todo cuando alguno se atrevió a hacer su particular "air-guitar" en el solo del tema.
Otro de los momentos álgidos le siguió, "Mother", acompañado de sonidos y poyecciones de la versión en vivo de hace 31 años, que sonó a gloria bendita, en especial ese interestelar solo de guitarra. La frase "mother should I trust the government" fue respondida por varios "no" de entre el público. Emocionante.
A continuación, "Goodbye blue sky" toma las riendas, y con ella, las proyecciones sobre el muro en construcción de unas actualizaciones de las imágenes de hace 30 años (que podéis ver el film dirigido por Alan Parker), con símbolos de todo tipo (el del dólar, el de Mercedes-Benz, la Hoz y el Martillo, la estrella de Israel...) cayendo de aeroplanos B-52s y dejando la muerte hayá por donde pasan, mientras los magníficos coros llenan el espacio sonoro con sonidos de aviones sobrevolando la zona.
"Empty spaces" y sus acertadas proyecciones, dan paso a "Young lust", uno de los temas más rockeros del trabajo co-compuesto con Gilmour (y siempre uno de mis cortes favoritos), y que sonó realmente rockera y adrenalínica, nos prepara para la agobiante "One of my turns", en donde el sonido sobre las proyecciones sobre el muro ya ha punto de ser finalizado, es realmente apabullante.
La angustia tanto musical como lumínica se apodera de nosotros con "Don´t leave me now", donde la banda suena, de nuevo, perfecta. "Another brick in the wall part III" y "Goodbye cruel world", finalizan la primera parte del show, tapando el último hueco del muro pendiente de colocar, dándonos media hora de descanso. El efecto de las proyecciones sobre el muro está realmente muy conseguido (en la imagen que ilustra esta crónica lo podéis comprobar), y la espera no se hace larga debido a las siguientes proyecciones de personas caidas en todo tipo de conflictos: asesinados por ETA, caídos de todos los bandos en la segunda guerra mundial, caídos en los conflictos de Korea o Vietnam; personajes conocidos como Garcia Lorca, Olof Palme o Ghandi, se codean con gente totalmente anónima, ya sea civil o militar.
Tras este "Intermission" (me encanta esta expresión en mitad de un show, me recuerda aquellos parones en los grandes films épicos de mitad del siglo XX), se retoma la música, con la enorme "Hey you", que sólo se escucha en un principio viendo la imponente presencia del muro, sin ver músico alguno. Le sigue "Is there anybody out there" (que la gente a mi alrededor también tararea), y de repente aparece apenas a unos 7-8 metros de mi, Roger Waters en una habitación a media altura que ha salido del muro, con su lámpara, su butaca y una pantalla plana en el que se proyecta la misma película que en el film y en el disco, para interpretar una angustiosa "Nobody home".
"Vera" da paso a "Bring the boys back home", uno de los momentos más emocionantes del concierto. Se que apenas dura un minuto, pero al menos yo (y creo que mucha parte del público), me acordé de las personas que están jugándose la vida en cualquier conflicto armado a lo largo y ancho del mundo. Un minuto que veo que emocionó también al personal a mi alrededor, con esas acertadas proyecciones en alusión al tema, y esa música tan grandilocuente.
Después llegó, uno de los mejores temas de los Floyd... ¿qué se puede decir a estas alturas de "Comfortably numb"? Pues nada, absolutamente nada. Sonó maravillosa, eterna, imponente... Sorpresa en las apariciones del guitarrista y del cantante que hace las veces de Gilmour, sobre el muro, mientras que Roger sigue en la parte frontal del muro cantando sus partes del tema de riguroso negro.
Con "The show must go on", la banda, vestida del uniforme del "nuevo régimen", se pone por delante del muro e interpreta este tema al que sigue de nuevo la parafernalia nazi de "In the flesh", y la aplaudida "Run like hell", con la presencia omnipresente del símbolo de los martillos tanto con banderas como con proyecciones.
"Waiting for the worms" con esos gusanos apareciendo en las proyecciones, y el número del megáfono, nos hace escuchar "Stop", y la orquestal "The trial", con proyecciones del film original de Alan Parker, y con el público gritando y volcado con el puño en alto "Tear down the wall!!!", hasta que el muro se tambalea y comienza su derrumbamiento paulatino hasta quedar derruido por completo.
A continuación, salen todos los músicos de "paisano" e interpretan "Outside the wall" con los "cascotes" de fondo, de forma acústica, con guitarras, banjos y con una cara de satisfacción de esas de cuando alguien se ve como triunfador. A mi alrededor, todo son caras de felicidad, todos son sonrisas. Hemos presenciado la exposición de una de las obras más geniales creadas por el ser humano, cuando ya parecía que iba a ser imposible.
"The wall", esa obra que abarca la angustia de un niño, la pérdida del amor en las relaciones de pareja, la soledad, la pérdida de un progenitor por las absurdas guerras, la lujuria humana, la locura, el pacifismo, la codicia, el miedo de los pueblos, el nazismo, la incomprensión, la esperanza...
"The wall", esa obra más grande que la vida, y de la que puedo decir, que yo presencié en directo en una de sus escasas representaciones en nuestro país.
Dios salve a Roger Waters por crearla, y por la habernosla traido, aunque fuera más de 30 años después de su creación.

Llevo mucho tiempo pensando en escribir esta entrada y creo que ha llegado la hora de hacerlo. Ahora que la banda de los hermanos Robinson ha decidido realizar un nuevo parón en su carrera, y que estamos en ciernes de una nueva y esperada visita a nuestro país de los Cuervos en Julio en el Festival BBK de Bilbao, creo que es un momento ideal para hacerlo.
Más allá de la forma de publicación de este trabajo (en vinilo con el orden de los temas cambiados, y en CD, con la descarga posterior a la compra del disco de la mitad de los temas), creo que en las sesiones de este álbum hubo realmente MAGIA, y hacía mucho en el mundo del Rock & Roll que esto no ocurría. Ese espíritu que se congregó en los estudios de Levon Helm (que se puede palpar perfectamente en el excepcional apéndice a este disco, el imprescindible DVD "Cabin Fever"), se da en escasas ocasiones en el mundo del Rock, como en la grabación de los Stones de su aclamado "Exile on Main Street" del 72 o en los estudios en los que se grabó el álbum homónimo de "Temple of the Dog" en 1991.
Son 20 temas los que recoge el disco, pero, y como se ve en el DVD previamente mencionado, las sesiones también incluyeron más temas y más versiones de otros artistas. De esos 20 cortes, una sóla versión, acertadísima, cercana y preciosa versión del tema "So many times", compuesto por Stephen Stills, y el resto, 19 canciones que son una auténtica biblia de los Crowes, en los que se les nota libres de ataduras y compromisos comerciales, y donde todo fluye de manera absolutamente mágica.
Tenemos dos novedades en el sonido Crowe, y que antes no se habían ni vislumbrado. La música disco con la novedosa y destacable "I ain´t hiding", (que volviendo a los Stones, creo que es una actualización del sonido disco-rock, que ya adelantaron aquellos con "Miss you"), y que acaba muy adrenalínica y rockera, y la canción con clara influencia hindú con el omnipresente sitar de Rich Robinson, "Aimless peacock". Ambas demuestran en forma musical, que los hermanos Robinson son auténticas enciclopedias con patas, y que por supuesto, pueden con cualquier estilo que se les ponga por medio.
El resto de composiciones, ya siguen los parámetros más habituales de los Crowes. Temas 100 % Crowes como la inicial "Good morning captain" o "Houston don´t dream bout me", cortes más psicodélicos como "What is home?", canciones acústicas como "Greenhorn", la pegadiza y añeja "Roll old Jeremiah", las country-folk "Shine along" (con ese magnífico violín) o "Garden gate"... Los temas más rockeros se agolpan en la parte denominada "Before the frost" (los más ácústicos en "Until the freeze"), temas muy reseñables como la enorme "Been a long time (Waiting on love)", "A strain still makes a lonely sound" (con ese marchamo que hace clásica a esta banda), "Make glad", "And the band played on" o "Kept my soul".
Por otro lado, quiero reseñar los temas más lentos. Son tan espectaculares y tan hermosos, que dependiendo del día prefiero uno u otro. "Appaloosa" es una maravilla sin parangón (muy acertada su inclusión como tercer corte del disco), al igual que ocurre con la nostálgica "The last place that loves lives", y las que cierran "Until the freeze", "Lady of Avenue A" (una exquisitez de difícil catalogación) o la clásica "Fork in the river", un bellísimo corte que se transforma en el incomparable colofón del disco.
Podría estar hablando años de este disco, pero creo que lo más justo es que adquiráis ambas partes del mismo y por supuesto, "Cabin fever", que pone imagen a estas mágicas sesiones en los estudios del batería de The Band.
Precisamente de ese DVD, y dentro de las versiones que al final no formaron parte del disco, destaca la impresionante versión del clásico de la Velvet Underground, "Oh sweet nuthin´", compuesto por Lou Reed, y que recoge perfectamente el espíritu de estas sesiones, en donde no sólo brillan con especial fuerza los hermanos Robinson, si no también el extraordinario trabajo del gran Luther Dickinson, el guitarrista ideal para estos Crowes actuales.
En menos de 4 meses seremos de nuevo testigos en directo de una de las mejores bandas de Rock de la historia en un momento especialmente dulce. Que suerte tenemos de ser contemporáneos de la mejor banda de Rock de los últimos 20 años, que suerte tenemos de ser contemporáneos de The Black Crowes.

Parece mentira como pasa el tiempo. Este año se cumple el 30 Aniversario de uno de los discos que marcó un hito en el rock español, uno de los primeros discos dobles del rock hispano, en una época en la que en nuestro país estábamos empezando a saborear la libertad por el cambio de régimen.
La formación que grabó este trabajo, ya llevaba unos años estable, tras la disolución de los Asfalto originales, y la partida de José Luis Jiménez y Lele Laina para formar Topo.
La formación liderada por Julio Castejón, y que se completaba con el batería Enrique Cajide, el bajista Guny y el teclista uruguayo Jorge García Bánegas, ya había grabado "Ahora" y "Al otro lado", y ya había consolidado la misma. Juntos editaron en 1981 este trabajo de 19 cortes.
En el álbum había temas de todo tipo, la particular voz de Julio como cantante daba tonalidades diferentes a los temas, junto con el inestimable colorido musical que aportaba con sus teclados el propio Jorge García Bánegas.
A simple vista, creo que hay varios cortes que se encuentran entre lo mejor no sólo de la banda, si no del rock español. La inicial "Déjalo así" es un pedazo de dinamita sin parangón, la siguiente "Baila madre" con esos teclados omnipresentes que comandan el tema, la oda a una generación que se perdió por culpa de la dictadura, "La generación perdida", y "Adiós al sol", un tema entre épico y onírico que con esa atmosféra creada por los teclados y ese innolvidable bajo se convierte, junto a su letra en uno de los cortes más reconocibles del combo madrileño.
El resto del doble vinilo, por su longitud y complejidad, tiene de todo: temas relajados y enigmáticos como "No puedo retener tus ojos en mi mente", declaraciones ecologistas de la época como la reseñable canción dedicada a los problemas en España del primer Rainbow Warrior, la acústica "Sólo por amor", el instrumental acelerado "Benvingut", la rockera "Miedo", "Nada que decir" con su bella melodía al piano...
Un disco muy variado y que conviene rescatar de vez en cuando para no sólo disfrutar de un gran trabajo del rock hispano, si no para recuperar una época excitante cada vez más lejana.
Para celebrar el 30 aniversario de este trabajo, Julio Castejón y Jorge García Bánegas han organizado un show en el que, y con anunciadas sorpresas, celebrarán dicho aniversario en vivo, con la presencia de muchos de sus fans. El mismo, y tras un inesperado cambio de fecha, es para el Viernes 6 de Mayo en la La Sala Live, un concierto del que se espera mucho que nos recuerda a una de las mejores bandas del Rock nacional.

Hace unas semanas les dedicamos un pequeño hueco en nuestro especial dedicado a sonidos de los 90, y por ello hemos recuperado y recordado parte de su carrera. The Posies, la banda de Jon Auer y Ken Stringfellow, tuvo sus 5 minutos de gloria, allá entre los años 93 y 96, en donde editaron sus dos mejores álbumes, "Amazing disgrace" (1996) y este que nos ocupa.
Explotando en plena era "alternativa", y siendo procedentes de Seattle, la banda no lo tenía tan fácil, siendo demasiados poppies para los rockeros, y demasiados rockeros para los poppies, el estandarte del Power-pop a mediados de los 90 era esta magnífica banda.
Este disco, para muchos de sus fans, en su mejor trabajo, y estoy de acuerdo, aunque yo lo sitúo al mismo nivel que el trabajo que editaron 3 años después. Inmediatos singles absolutamente adictivos como el enorme "Dream all day" (que da comienzo al álbum), que fue con el que conocí a esta banda, la gran "Solar sister" o "When mute tongues can speak", son los cortes que más se reconocen en un principio, pero el disco tiene otros cortes de diferente tipo, aunque siempre con esas guitarras saturadas y esas bellas armonías vocales.
Hay temas lánguidos y largos, más guitarreros ("Burn and shine") o más tranquilos (el largo final "Coming right along"), y también medios tiempos recomendables, como "Love letter boxes", "How she lied by living" o "Earlier than expeted", acústicos como "Lights out" o temas más acelerados como "Definite door". Temas variados, pero cuyo patrón es la enorme belleza de las composiciones.
Aquí tenéis otro de esos singles inmediatos adictivos que contiene este gran trabajo, "Flavor of the month", un trabajo altamente recomendable para cualquiera que tenga un mínimo de buen gusto musical.

Con el tiempo, Robert Plant ha forjado una apasionante carrera en solitario. Tras la separación del combo zeppelinesco, allá por 1980, y en apenas 30 años, son 9 los trabajos en estudio en solitario que ha editado el brillante cantante inglés. Trabajos variados, muy diferentes entre sí, en su mayoría alejados de la influencia de Led Zeppelin, y trabajos que han flirteado con el pop, con la música árabe, con el country, con el hard rock, con el folk, con la música tribal...
La verdas es que da gusto acercarse a la obra en solitario de este hombre. Nadie nunca le podrá acusar de vendido, realmente siempre ha hecho el disco que le apetecía en ese momento, y nunca se ha dejado llevar por aquello que le decían los fans de Zeppelin. Ni reuniones con la banda madre, ni hacer un disco claramente deudor de la banda... para nada, Robert Plant siempre ha hecho lo que le ha dictado su corazón.
El gran éxito comercial y en parte por su triunfo en los Grammy, vino hace 3 años con su trabajo country conjunto con Alison Krauss, "Raising sand", senda country que ha seguido en parte con su reciente "Band of joy". Pero como hemos dicho antes, ha hecho disco más cercanos al pop (sus 3 primeros discos de los 80), alguno con influencias árabes y de teclados como "Now and then" del 88, él único que se acercó más al rock y a sonidos zeppelinescos ("Manic Nirvana"), o a ritmos tribales, blues o versiones de clásicos, como sus primeros discos de este siglo.
Mi favorito siempre, que probablemente esté al nivel de muchos los citados, será "Fate of nations" del 93. Ese disco es una especie de compendio de su carrera en solitario: temas relajados y bellísimos ("29 palms", "I believe"), temas netamemte rockeros ("Network news"), otros con claro componente árabe ("Calling to you"), versiones folk como la preciosa "If I were a carpenter" de Tim Hardin, canciones más pop como "Great spirit" o exóticos como "Down to the sea".
En definitiva, una joya a redescubrir por cualquiera que tenga un mínimo de buen gusto. No esperéis un disco en la onda Zeppelin, simplemente un disco hecho con pasión y elegancia.

Ha pasado una década ya de este gran trabajo del genio de Duluth. En los últimos años, los trabajos de Dylan se han ido distanciando cada vez más entre sí (cosa normal con la edad), pero lo curioso del asunto, es que, todos brillan de una manera especial.
En 12 años (entre 1997 hasta 2009), el viejo Bob ha editado 4 trabajos en estudio: "Time out of mind" (1997), el disco que nos ocupa del 2001, "Modern times" (2006) y "Together through life" (2009).
Todos los trabajos aludidos son maravillosos, mi favorito tal vez sea el lánguido "Time out of mind", pero desde luego, este "Love and theft" es otra jodida maravilla.
Cortes eternos como "Mississippi" (versioneado en multitud de ocasiones ya a estas alturas), "Moonlight" o la movida "Summer days". Los cortes nos traen a un Dylan clásico, pero no con los sonidos que le hicieron famoso en los 60 o en los 70, si no de un tipo más "clasicista" si se puede usar este término, canciones que suenan atemporales como pocas, y que no entienden de modas ni de generaciones musicales.
"Po´ boy", "High water", "Floater", "Bye and bye"... que maravillosas canciones todas.
No sé, no puedo decir mucho más de este disco, hay que escucharlo, sentirlo, y disfrutarlo, y ahí es cuando te darás cuenta que estás delante de un pedazo de obra maestra (otra más) parida por la genialidad inagotable del de Duluth.
A todos aquellos que dijeron hace años que Dylan estaba acabado cuando tuvo aquellos pequeños bajones en los 80 y a mediados de los 90, se les contesta sin posibilidad de respuesta alguna con discos como este. Otro gran álbum del único e irrepetible trobador de Minnesota, otra lección de maestría del eterno Robert Zimmerman, alias Bob Dylan.

Ahora que parece que se retira uno de los cantantes más emblemáticos del Rock Nacional, es buen momento para recordar sus mejores momentos.
La cumbre musical del viejo Miguel, sin ningún género de dudas, es ese majestuoso "Rock & Rios", que marcó un antes y un después en la escena del Rock hispano.
Si nos referimos a sus álbumes en estudio, su obra cumbre fue este disco editado en 1980, en el que al final Miguel confeccionó un trabajo de talla internacional.
Su carrera empezó a despuntar en el ámbito rockero con "Los viejos rockeron nunca mueren" (1979), y después llegó este tremendo disco.
Son 9 cortes los que se agolpan en este trabajo, y todos, absolutamente todos, son maravillosos. En 7 de esos temas, colabora en la composición el propio Miguel, lo que dice bastante del buen estado de forma musical en el que se encontraba. Para esta maravilla de trabajo, se rodeó de músicos de primera fila: Tato Gómez, Carlos Narea, Javier Vargas o el propio John Parsons entre otros acompañaban a Miguel en este proyecto único en el Rock nacional.
Y si hablamos de las canciones... ¡¡qué canciones!!
El disco comienza con el tema que da título al disco, y que nos engancha desde la primera escucha. Un corte acelerado, rockero, apasionante... una auténtica declaración de principios. Tras ella, la joya aportada por Roque Narvaja, ese "Santa Lucía" que todos conocen y que por supuesto es uno de los temas definitivos cantados en castellano.
El rock adrenalínico se retoma con "Nueva ola", y con el clásico "Lua, Lua, Lua", que hacen tomar al disco cuerpo de gran obra del Rock.
Tras él, un tema irrepetible, la bellísima "Compañera", uno de sus temas más desconocidos, y desde luego, de los mejores. Un tema que poco a poco acelera el ritmo, con una letra realmente inigualable, y unos arreglos instrumentales muy trabajados y adecuados, y un corte en el que brilla con especial luz la voz de Miguel, emocionante por momentos.
"La canción de los 80" es un medio tiempo realmente maravilloso, uno de esos temas en lo que todo encaja, seguida por la no menos magnífica "La ciudad de neón", con otra letras de esas que definen perfectamente una época en este país.
"El laberinto" incide en esa línea en relación a las letras, sobre otro soporte acelerado y adrenalínico como pocos.
El final del álbum se reserva para el más atmosférico (en parte por ese teclado tan presente a lo largo del corte), pero no por ello peor, "El sueño espacial", que nos intenta, de algún modo, transportarnos a un futuro mejor que aquel presente que se vivía en España a finales de los 70 y principios de los 80. Un perfecto epílogo para un álbum maravillosamente perfecto. A mi modo de ver, el mejor álbum de rock nacional en estudio, junto a alguno de Topo, Barón Rojo y Asfalto, rallando a una altura estratosférica.
Si os gusta "Rock & Rios", y queréis seguir indagando en la época dorada del rockero granadino, este es vuestro disco.

Otra pésima noticia para el mundo del Rock y por deferencia de la música. Ayer 6 de Febrero, fallecía en Estepona uno de los mejores guitarristas de rock, blues y heavy de las últimas décadas, Gary Moore.
Su carrera no pasaba por el mejor de sus momentos precisamente desde hace años, pero lo que nadie puede discutir es su única manera de tocar su guitarra Les Paul con pasión, ni por supuesto, su magnífico legado bien en solitario, bien con Thin Lizzy.
No voy a comentar aquí todo su legado por que, los que le queríais y los que disfrutábais con su forma de tocar la guitarra lo conoceis de sobra, además, no tengo muchas ganas, la verdad, sólo quiero compartir este triste momento con todos vosotros.
Descansa en Paz, amigo Gary, nosotros escucharemos de nuevo tus viejos clásicos como si fuera la primera vez, pero con un claro sentimiento de congojo y pena.
Mientras nos quede un aliento de vida, seguiremos disfrutando con tus punteos inigualables, llenos de fuerza sobrenatural, llenos de magia.
Rest in Peace.

Dentro de la discografía de los Stones, hay varias obras maestras incontestables, unas más conocidas por el gran público, otras que prácticamente son un secreto entre los fans. A grandes rasgos, siempre se nombran álbumes como "Beggars Banquet" (1968), el irreptible "Sticky fingers" (1971) o el exhuberante "Exile on Main Street" (1972).
Dentro de esa época mágica en la cual tuvieron entre sus filas al olvidado Mick Taylor, hay una obra más desconocida, pero no por desconocida, tiene una calidad menor.
"Let it bleed" se editó en 1969 en un momento clave para la banda. Tras el impresionante éxito de "Beggars banquet", los Stones decidieron prescindir de Brian Jones debido a su deplorable estado físico para su próximo trabajo, y fue sustituido por un Mick Taylor que, y a la larga, ha demostrado ser el mejor compañero a la guitarra que jamás pudo tener Keith Richards. Jones participó en algunas sesiones del disco, pero Taylor lo hizo en muchas otras convirténdose finalmente en miembro del grupo.
Juntos parieron este magnífico trabajo, en el cual, a excepción del clásico de Robert Johnson "Love in vain" (una de mis versiones favoritas de este corte), y de la enorme e imaginativa versión country del "Honky tonk women" (titulada acertadamente "Country honk"), es un compendio de varias de las mejores composiciones de Richards y Jagger.
"Gimme shelter", tema con el que empieza el trabajo, es una auténtica maravilla de principio a fin, una declaración de principios, y un perfecto comienzo para el álbum, con esos coros tan hipnóticos.
Temas rockeros como la adrenalínica "Live with me" o "Monkey man", conviven con cortes más relajados como el bello blues acústico "You got the silver", con temas tan ingeniosos como el gran "Let it bleed" o el imaginativo "Midnight rambler".
Y para mi, el tema definitivo del disco es la grandilocuente e irrepetible "You can´t always get what you want". Esos coros pomposos (y inolvidables) dan comienzo a una canción que fue una de los referencias de su generación, no sólo por el tema en sí si no por esa letra tan enigmática. Tras los coros, Jagger y las guitarras acústicas nos introducen poco a poco en el cuerpo central de la canción, que explota con el teclado Hammond, y el soporte del bajo de Bill Wyman y la batería de Charlie Watts, acompañados de esos coros más "terrenales" que los del comienzo del tema.
Indefectiblemente, este tema queda unido en mi memoria (y en la de muchos), al film de Lawrence Kasdan "Reencuentro" ("The Big chill" (1983)), en aquella magnífica escena en la que por entonces bellísima Jobeth Williams, toca en el órgano Hammond el tema favorito del fallecido Alex (encarnado por un Kevin Costner que nunca apareció en el montaje final del film) que es este tema, siendo este un nexo de unión para su amigos de juventud, los cuales se encuentran en situaciones muy diferentes a las que se encontraban en los años que compartieron amistad en sus vidas. Una película altamente recomendable, al igual que este maravilloso álbum de los mejores Rolling Stones.

Hace unos días hablábamos del impresionante papel de Sam Brown interpretando el tema "Horse to the water" en el festival homenaje a George Harrison celebrado a finales de 2002. Ese tema, además de ser un magnífico corte, encierra su pequeña historia curiosa.
En el año 1997, George Harrison tuvo la mala suerte de ser diagnosticado con cáncer, un agresivo cáncer que finalmente se lo llevó por delante en 2001. Los sucesivos tratamientos no fueron fructíferos finalmente, pero, y en las últimas semanas de vida, George siguió trabajando en lo suyo, en la música.
La canción que nos ocupa, fue compuesta por George junto a su hijo Dhani en las últimas jornadas de su existencia, y se grabó el 2 de Octubre de 2001 (apenas dos meses antes de su desaparición), apareciendo en el álbum del teclista británico Jools Holland, "Jools Holland's Big Band Rhythm & Blues".
Las interpretaciones del tema son varias, pero, y sea como fuere, lo que es seguro es que el tema es realmente un inigualable canto de cisne.
Por último, os paso el enlace donde se puede escuchar, ver y sentir la interpretación por parte de Sam Brown, que, y a mi modo de ver, incluso supera al original, que ya es mucho decir:

http://www.strimoo.com/video/14342296/Sam-Brown-Horse-to-the-water-MySpaceVideos.html

You can take a horse to the water
but you can't make him drink
Oh no, oh no, oh no

A friend of mine in so much misery
Some people sail through life,but he has struck a reef
I said 'hey man let's go out and get some wisdom'
But first he turned on me, then he turned off his nervous system

You take a horse to water but
you can't make him drink
Oh no, oh no, oh no
You can have it all layed/staked out in front
of you but it still don't make you think
Oh no, oh no, oh no

Someone I love is gotta problem
Some people thirst for truth, but he would like a drink
I said 'Hey man this could turn out to be risky'
He said 'everything's ok' as he downed another bottle of whiskey

Hace unos días recibíamos el año en esta vuestra página de podomatic con el "Perfect" de Fairground Attraction, uno de esos hits rompe-listas de éxitos que triunfaron allá por finales de los 80. Indefectiblemente, este tema está en mi cabeza unido a hits como el que podéis escuchar en esta entrada, de la magnífica cantante británica Sam Brown.
Hija de músicos, cantante y pianista desde muy joven, la carrera de esta chica siempre estuvo predestinada a seguir derroteros musicales. Ya de joven realizó coros para los Small Faces, y su debut musical llegó en 1988 con su álbum de debut "Stop!" que contenía como joya más representativa de su carrera la canción homónima que seguro todos conocéis, y que catapultó el disco a un gran éxito comercial, en especial en las islas británicas y Australia.
Tras el impresionante debut, su carrera musical (en especial en lo comercial), se fue debilitando poro a poco, con álbumes como "April moon" (1990), "43 minutes" (1992), distanciándose cada vez más sus lanzamientos y editándolos en diferentes compañías con una distribución cada vez menor.
De hecho, en los últimos 15 años, son más famosas sus colaboraciones en otros proyectos al margen de su carrera como solista, con colaboraciones con Fish, el ex-cantante de Marillion, (en el tema "Just good friends"), en el festival homenaje a George Harrison en el que triunfó de forma destacada con su apasionada revisión del clásico "Horse to water" o en la gira con Pink Floyd que posteriormente se plasmaría en el álbum en vivo "Pulse" (en el que estaba como corista y donde sobresalía en especial en el tema "The great gig in the sky".
Una bella mujer que maneja con su voz infinidad de registros vocales, que creo que están presentes en este su mejor tema en solitario, "Stop", que grabó con 23 añitos haciendo gala de su elegancia y saber hacer.
Esperemos que su vida musical se alargue muchos años y que nos sorprenda con nuevos e interesantes proyectos bien sea en solitario o con otros.

Gracias a la página de la web de la revista Popular 1, y a su apartado DiaWHEE!, me acabo de enterar que ayer se cumplieron 25 años de la desaparición del eterno Phil Lynott, el genial bajista, cantante y compositor de una de las mejores (si no la mejor) bandas de Irlanda, los enorme Thin Lizzy.
Es una perfecta excusa para dedicarle una entrada como esta, en especial ahora que, en breves semanas seremos testigos de un tour por nuestro país de varios de sus ex-compañeros (Scott Gorham, Brian Downey, Darren Wharton... con la inestimable colaboración de gente como Marco Mendoza o Vivian Campbell) que rememorarán gran parte de su legado.
Thin Lizzy fue una banda realmente MARAVILLOSA, que nos hizo absolutamente felices desde mediados de los 70 hasta 1986. Sus directos siempre fueron altamente recomendables y contagiosos, y sus álbumes en estudio, fueron siempre altamente destacables, en mayor o menor medida.
Desde el metálico "Thunder & lightning" (1983) con John Sykes, pasando por el eterno "Black Rose" (1979) con Gary Moore, o los maravillosos "Jailbreak" (1976) o "Fighting" (1975), todos sus discos son recomendables sobremanera.
Para describir a una banda como Thin Lizzy no se puede decir mucho, hay que SENTIR su música, escuchar sus álbumes o ver algún show suyo del pasado para entender de lo que estamos hablando, así que no seré yo quien intente describir con palabras su maravilloso legado. Sólo os diré que si no conocéis a esta banda, comencéis con su directo "Live & dangerous" (uno de los directos definitivos de los 70), y a partir de ahí, consigáis poco a poco el resto de su discografía (en especial sus discos desde el 75 al 80).
Dios salve a Thin Lizzy y a Phil Lynott. Esperemos que podamos revivir parte de su legado y su magia durante un grato rato a finales de mes con la gira hispana de sus ex-compañeros, aunque Phil ya no se encuentre entre nosotros. Su inigualable legado lo merece, desde luego.

El último gran disco de Tori Amos lo editó la pelirroja en 2007. A mi modo de ver, sus posteriores proyectos (ambos de 2009, "Abnormally attracted to sin" y su disco navideño "Midwinter graces") siendo buenos trabajos no llegaban a la magnitud de este enorme "American Doll Posse".
Tras su "The beekeeper" de 2005, Tori afrontaba su nuevo trabajo con riesgo de repetirse en demasía. Pero si algo ha hecho siempre a lo largo de su carrera la excepcional pianista, ha sido regalarnos trabajos diferentes a los esperado.
Con ello, editó un trabajo de esos que llaman "conceptual", en la que Tori se metía para ello en diferentes mujeres "tipo" que ideó para ese trabajo (en concreto 5, bajo los nombres de Pip, Isabel, Santa, Clyde y la propia Tori), unas mujeres modelo de la América actual: la inconformista, la chica elegante de la clase alta, la perdedora, la oscura... El proyecto es digno de un estudio muy exhaustivo (no es apto para todos los públicos) y nos regala nada más y nada menos que 23 temas nuevos, de corte muy diferente entre sí, en los que los diferentes personajes creados por Tori, exponen su punto de vista sobre distintos aspectos de su vida y el mundo en general.
El álbum comienza con "Yo George", una introducción en la cual se describe la tiranía de George W. Bush (el presidente de una nación que más ha inspirado musicalmente a diferentes artistas, en este caso, por su penosa gestión), que nos transporta a uno de los hits del disco, la marchosa "Big wheel", en la que la pelirroja se define a sí misma como una MILF (Mother I Liked to Fuck), y tras ella llega otro clásico instantáneo, ese bello tema pop "Bouncing off clouds", que nos trae a una divina Tori que ya hemos escuchado previamente en otros discos previos.
El hard rock asoma de forma impresionante en "Teenage hustling", una melodía rockera que se acerca acertadamente a la letra del mismo, en referencia a la adolescencia más apasionada y lujuriosa. El primer tema relajado en donde comienza a brillar el piano de Tori, es "Digital ghost", un parón entre tanta adrenalina que se retoma en parte con "You can bring your dog".
"Mr. Bad man" sirve junto a "Fat slut" de puente para llegar a la siguiente balada, la preciosa e inquieta "Girl disappearing", que nos lleva a uno de los momentos pop más brillantes del disco, la magnífica "Secret spell". Un tema pop sin muchas pretensiones que, en parte por la letra y en parte por la excelente labor de Tori a las voces, se convierte en uno de mis momentos favoritos del álbum.
"Devils and gods" es el nuevo puente que en este caso nos conduce a la extraña "Body and soul", y a otro de los puntos más bellos del disco, con sólo Tori y su piano, en esa maravilla que atiende al nombre de "Father´s son". "Programmable soda" es la nueva intro en esta caso para uno de los temas más complejos del disco, con esa atmósfera tan trabajada, y que atiende al nombre de "Code red".
La trilogía "Roosterpur bridge", "Beauty of speed" y "Almost Rosie", mantienen excepcionalmente el nivel del trabajo (en especial la primera y la tercera con su bellísimas melodías), pasando a continuación a la experimental "Velvet revolution" con esa mandolina sonando a lo largo del tema, que desenvoca en la crítica "Dark side of the sun".
La ligera "Posse bonus" da comienzo a la recta final del disco, con la atmosférica "Smokey Joe" y la final "Dragon" con ese melotrón que inunda la canción en un tema pesimista que finaliza el trabajo con una calidad magnífica (se podría hacer un gran disco con los últimos cortes de los discos de Tori).
Un disco muy, muy trabajado, y de ardua escucha, que es (junto a tal vez el maravilloso "Scarlet´s walk", el disco más variado de su carrera). Pero ya sabéis que los trabajos que más cuestan, suelen ser lo que después nos reportan mayores satisfacciones.
Además de todo lo dicho, yo guardo un cariño especial a este álbum. Gracias a su gira mundial (de más de un año de duración), tuve el privilegio de ver a esta maravillosa mujer en Palacio de Congresos de París en una bonita noche de Junio (desconozco por que no hay ningún promotor decente que se atreva a traerla a nuestro país). Una noche en la que nos maravilló a todos, interpretando clásicos de todos sus álbumes con la inmejorable compañía de sus habituales Matt Chamberlin y Jon Evans, y en las que sonaron temas de este disco como "Big wheel", "Code red", "Roosterspur bridge" (bellísima) o "Bouncing off clouds" y que tuvo como irrepetible colofón una apasionada y emocionante versión de su entrañable "Hey Jupiter".
Me ha costado mucho elegir un tema para que pudiérais observar la grandeza de este disco, en especial debido a su variedad y calidad, pero me he decantado por "Bouncing off clouds", que fue el corte con el que abrió el show y el tema que sonaba en mi cabeza mientras sobrevolaba un bello mar de nubes llegando a la capital parisina.
Disco altamente recomendable para todos los que tengáis buen gusto musical, un disco del cual no escucháreis nada de nada nunca en ninguno de los penosos medios de comunicación nacionales, y que aquí os damos la oportunidad de escubrir en su justa medida.

En el último programa de "Bajo el Zeppelin" podíais escuchar un tema en solitario del gran Mike Ness. Si bien sus dos discos en solitario son una maravilla, este gran músico será siempre recordado por su legado con la banda de su vida, los enormes Social Distortion.
Tras unos inicios muy punk-rockeros con álbumes como "Prison Bound" de 1988, y tras hacerse una reputación por las mil y una salas de pequeña capacidad, la banda se hizo un hueco en la escena rockera poco a poco, a base de shows, sacrificios y grandes composiciones, y poco a poco su sonido se fue haciendo menos punk y más rock clásico.
Trabajos como "Somewhere between heaven & hell" (1992) y "White light, white heat, white trash" (1996) les pusieron en los primeros puestos de las mejores bandas del momento, y tras un parón bastante largo, en 2004 decidieron volver con nuevo trabajo.
"Sex, Love and Rock´n´Roll", es una maravilla de disco que con su aparición disipó todas las dudas sobre si su líder Mike Ness se había acercado demasiado al folk y country americano y había renegado un poco del hard rock. No sólo cumplió las espectativas puestas en la banda, si no que las superó con creces. "Reach for the sky" da comienzo al disco de forma adrenalínica y potente, y "Highway 101" se convierte en un tema adictivo con ese impresionante sonido de guitarra, que da paso a otro de los clásicos del disco, "Don´t take me for granted".
"Footprints on my ceiling", "Nickels and dimes" y "I wasn´t born to follow" mantienen el nivel del álbum (la segunda más acelerada, las otras dos más lentas), pasando a la semi-balada "Winners & losers" (con una magnífica letra).
"Faithless" con ese ritmo tan pausado da paso a la enérgica "Live before you die", que nos prepara para el final del disco, con el himno "Angel´s wings", que con sus dos facetas (eléctrica y acústica) se convierte en tal vez el mejor tema de este espectacular trabajo.
Para 2011 se anuncia nuevo trabajo de la banda, si mantiene el nivel de esta (hasta ahora) última entrega, nos sentiremos altamente satisfechos. Ni que decir tiene, que el resto de la discografía de los "Distortion" es altamente recomendable, como no podía ser de otra forma.

A lo largo de los años, la percepción de las obras de arte que vemos y disfrutamos (ya sea cine, pintura, música o lo que sea) puede ir cambiando en función de según vamos madurando o no. Hay cosas que en su momento no comprendías y ahora ves claras, obras que te parecían una maravilla y con el paso de los años te parecen ridículas, y en cambio hay otras obras, cuya percepción es la misma por muchos años que pasen. Si esa percepción es buena, suelen ser llamadas atemporales.
En el caso del film de Ridley Scott, "Thelma & Louise" (1991), puedo decir que me sigue emocionando como la primera vez que la vi, casi 20 años después de mi primer visionado.
En su día hubo interpretaciones de todo tipo en relación a esta película. Mucha gente achacó al film un aire feminista recalcitrante en relación a los personajes masculinos. Los que defendían esa postura, no sólo reflejaban el hecho de que fueran dos mujeres que buscaban la "libertad" un fin de semana, si no que aludían a un posible estereotipo de los hombres que aparecían en pantalla: el machista y retrógado marido de Thelma, el personaje que intenta abusar de ella o el camionero vulgar que hacía gala de su mala educación con las protagonistas del film. Pero no es menos cierto que, y siendo machistas y un poco estereotipados esos personajes, también hay personajes más neutros e incluso hombres con clara buena fe, como el personaje que interpreta Harvey Keitel (y que intenta por todos los medios salvar a las fugitivas) o el de Michael Madsen (que hace de novio del personaje de Susan Sarandon), por lo que considero que ese aire feminista que algunos achacaron al film no estaba justificado.
A parte de estos detalles, siempre encontré "Thelma & Louise" como un trabajo con emoción en claro "in-crescendo", no sólo por la marcha errática de las protagonistas, si no por que sus propios personajes van cambiando y madurando a lo largo del film delante de nuestros ojos, hasta el final del mismo(que no revelaré aquí, por si alguien no ha visto aún este fenomenal trabajo), en el que llegan frenéticamente al punto álgido de sus personalidades, en el que su madurez y amor mutuo se impone a todo lo demás. De ahí el título de esta entrada. Considero "Thelma & Louise" una preciosa historia de amor entre dos mujeres, que crece a lo largo del metraje y del que somos privilegiados testigos, hasta el clímax final de una emoción realmente perturbadora.
Los personajes de Thelma y de Louise, interpretados por Geena Davis y Susan Sarandon respectivamente de manera espectacular, están perfectamente marcados a lo largo del film, y los personajes secundarios son tan variados y ricos que entiendes perfectamente el comportamiento de sus protagonistas. Tras un guión y unas interpretaciones soberbias, el conjunto acaba redondeándose con el pulso firme de Ridley Scott en la dirección (en verdadero estado de gracia en aquellos años) y una más que interesante banda sonora, con temas típicos de "Road Movie" con canciones de Glenn Frey, Charlie Sexton o Chris Whitley. También aparecen temas de BB King como ese gran "Better not look down" (que aparece en el final alternativo de la película que podéis ver en la edicíón especial en DVD), Martha Reeves o de Marianne Faithfull ("The ballad of Lucy Jordan" que se amolda muy bien a los últimos momentos del largometraje). Pero los temas que más se ajustan al film, son los pasajes instrumentales compuestos por Hans Zimmer, gracias a la gran dirección de Scott, uniendo la música, al paisaje natural (las rojas tierras cercanas al Gran Cañón) y al paisaje emocional de nuestras protagonistas. Una pena que no hayan incluido más pasajes de esos temas instrumentales en la banda sonora oficial de la película, en especial el final del film con esos coros que redondean la composición y que recalcan en la escena final, el amor eterno que se prometen sin apenas palabras los personajes interpretados por Geena Davis y Susan Sarandon.
Os invito a que cerréis los ojos, y recordéis los bellos momentos de este magistral film mientras escucháis este "Thunderbird" que podéis oir aquí... o mejor aún, revisionar la película una vez más, la que es, en mi humilde opinión, una de las películas donde el amor entre dos personas (y el amor a su libertad personal) es más palpable sobre el celuloide de la historia del cine, en especial en ese mágico final.

Recuerdo 1992 como un buen año para el Rock & Roll. En una juventud-adolescencia incipiente, mi despertar en el mundo del Rock fue acompañado de discos como los del estallido de las bandas de Seattle de 1991 (Soundgarden, Pearl Jam, Nirvana...) y de bandas de sonidos más clásicos como The Black Crowes (con nada más y nada menos que ¡¡"The Southern & Musical Companion"!!) o este ex-Guns n´ Roses, el gran Izzy Stradlin, que tras abandonar la banda de su vida, se volcó en este trabajo en solitario mientras sus ex-compañeros se embarcaban en una enorme gira mundial presentado los afamados "Use your illusion" en la cúspide de su éxito comercial, con el soso de Gilby Clarke en su lugar.
Izzy Stradlin era uno de los compositores principales de los clásicos Guns n´ Roses. Junto con Axl y Slash, componian temas con una variedad estilística notable, desde el punk-rock, pasando por rock más Stoniano, hasta el Rock duro más clásico.
Su salida de la banda fue algo que la misma nunca superó. Aunque Izzy tenía composiciones más cercanas a los Faces o a los Stones, la verdad es que, y como se puede comprobar en este trabajo, también era capaz de componer canciones de otros géneros. Uniéndose a Rick Richards de los Georgia Satellites, al bajista Jimmy Ashhurst y al batería Charlie Quintana (ex-Dylan), realizó un trabajo muy sólido que se ha convertido con los años en su mejor disco en solitario con gran diferencia sobre el resto. Si a eso le añadimos las colaboraciones de Ian McLaglan (teclista de los Faces) y de Ronnie Wood de los Stones en el tema "Take a look at the guy", encontramos un disco redondo y único en su especie.
Todos los temas los compone o co-compone Izzy, excepto el que aporta Ronnie y "Pressure Drop", un corto y adrenalínico tema punk, en la linea de "Bucket O´Trouble", este compuesto por Izzy.
En la linea más clásica "Stone-Faces", están temas como la inicial "Somebody´s knockin´", "Train tracks" (con esa magnífica slide) o "Cuttin´ the rug". Pero el abanico de sonidos de este disco no acaba ahí. Hay sitio para los medios tiempo tribales ("Time gone by"), temas con olor a clásico atemporal (esa imprescindible "Shuffle it all"), la acústica y bella "How will it go" o ese enorme final con esos coros gospel que atiende al nombre de "Come on now inside".
Trabajo variado de una confección impecable, que desde luego no tiene nada que envidiar al "Use your illusion" de los Guns, de hecho, su honestidad, cercanía e inmediatez me atrae mucho más que el mastodóntico álbum de las huestes de Axl.

Son múltiples las interpretaciones de este film desde que se estrenó hace ya 9 años. La verdad es que la película dirigida por el desconocido Richard Kelly, da pie de sobras para ello. Es un trabajo que es interpretable no sólo según quien la vea, si no que incluso depende del momento que la ves. Son tantos los detalles, situaciones, enigmas y personajes que todo es susceptible de reinterpretarse.
Hace poco volví a ver este film otra vez, y realmente es uno de los films más fascinantes de los últimos lustros. Siempre se descubren cosas nuevas en ella. El guión es notable, y el film, de una confección impecable.
La película la produjo (sorprendentemente) Drew Barrymore que se reservó para sí misma uno de los papeles secundarios destacables de profesora del instituto, y la dirigió Richard Kelly, cuya carrera es bastante desconocida tanto antes como después de este trabajo de culto.
Las aportaciones de los actores es también muy recomendable: Jake Gyllenhaal hace creible el extraño personaje de Donnie, su hermana en la vida real (Maggie, famosa este año por su destacable papel en "Crazy heart" con Jeff Bridges) ejerce de hermana también en el film, los secundarios están en su justo papel (Patrick Swayze, Jena Malone, Mary McDonnell, Katharine Ross), y la música que suena en el film se amolda a cada escena, tanto los clásicos de los 80 de Duran Duran, Tears for Fears o Joy Division como la música clásica y los temas compuestos para el film.
Mi interpretación del film no os la comentaré aquí, pero vamos, no me extrañaria que volviendo a revisionar este clásico del cine, cambiara nuevamente.
Para mi, temas como "The killing moon" de Echo & The Bunnymen, es el tema que abandera este apasionante film.
Perturbadora. Diferente. Fascinante. Eso y mucho más es "Donnie Darko".

En breve tendremos de nuevo por nuestros escenarios a una de las bandas con mayor elegancia del panorama internacional. Ni recuerdo ya las veces que he visto a las huestes de Eddie Nichols en los últimos años, y todos los shows han sido realmente de una calidad indescriptible, un auténtico viaje en el túnel del tiempo a los años 20, en donde el swing y las big bands gobernaban el mundo, eso sí, con unas gotitas de rockabilly. Al parecer en esta nueva gira, traen novedades en su propuesta, acercándose más a un espectáculo tipo Las Vegas (con la inclusión de una cantante femenina), pero bueno, mejor esperaremos a que nos sorprendan sobre el escenario.
Hoy prefiero hablar de uno de sus álbumes más entrañables, este "The contender" publicado en 1998. Tras el éxito en América de sus discos "Kings of gangster bop" (1991) y "Mugzy´s move" (1994), junto a su reseñable participación en el film, "La máscara" protagonizado por Jim Carrey y Cameron Diaz, Eddie Nichols y los suyos editaron otro de los discos de mayor calidad de su carrera, este imprescindible trabajo en el que recuperaban remozados clásicos propios ("Zip gun bop (reloaded)") y clásicos ajenos tan destacables como "Stormy weather" o la cachonda "Salt peanuts".
El sonido del disco era una puesta al día del sonido del combo, a la que también aportaron nuevos temas compuestos por la banda como "Everybody knows I´m crazy", "Big boss Lee" o la inicial y enérgica "The contender".
El trabajo raya a gran altura y nunca baja el nivel, y dentro de la alta calidad del mismo, aparece un nuevo tema irrepetible, el inigualable "Walkin´ like Brando" que podéis oir aquí, y que se ha hecho irreemplazable en sus conciertos hasta el día de hoy, un tema que te transporta más que ninguna a una lejana y nostálgica época, en donde reinaba uno de los mejores actores de todos los tiempos.
Cuando se editó este trabajo, en América triunfaba lo que llamaron "neo-swing", que no era más que un nuevo impulso del viejo sonido swing en una nueva era, con bandas como The Brian Setzer Orchestra, Big Bad Voodoo Daddy, Squirrel Nut Zippers o los que encabezan esta entrada. Una bonita época que podréis también recuperar en parte en unos shows que prometen ser muy, muy especiales.

Miércoles 24 de noviembre, 20.30 h Sala- Restaurante El Chigre de Seijas de Burgos
Jueves 25 de noviembre, 21.30 h Teatro Lara de Madrid
Viernes 26 de noviembre, 23.15 h Playa Club de A Coruña
Sábado 27 de noviembre, 21.30 h Kafé Antzokia de Bilbao
Domingo 28 de noviembre, 20.30 h Sala Oasis de Gijón

Espectacular puede describirse lo vivido esta noche en la Joy Eslava de Madrid. Esta chica de origen dublinés y afincada en Londres, llegó a Madrid con una seguridad aplastante, tanto en su banda, en el éxito de su show, en su voz, en su feeling y en su talento. En apenas hora y media presentó "Mayhem" su último y destacable trabajo, salpicándolo con versiones y temas de su primer exitoso trabajo "Love tattoo", sonando la banda realmente atronadora e implacable durante toda la velada, e Imelda... bueno, lo de Imelda no tiene nombre. Siempre perfecta en su voz, bromeó, sonrió, bailó, saltó, cantó como los ángeles, y enamoró al resto de la audiencia que ya no venía enamorada de casa. Esta mujer tiene tantas tablas y tanto talento, que maneja todas las situaciones con una soltura envidiable desde el escenario, y se mete en el bolsillo a la audiencia desde los primeros instantes del concierto.
Como os he comentado, presentó "Mayhem", y de ese álbum sonaron hasta 10 temas, lo que ratifica que es un notable sucesor de "Love tattoo" y que tanto Imelda como su banda tienen una fe ciega en dicho trabajo.
Hubo también recuerdos a su primer trabajo, con temas como "Love tattoo", "Big band handsome man" o la bella "Fallin in love with you again", y versiones de gente como Elvis (un medley de "My babe left me" y "That´s all right mama" o de Soft Cell con ese "Tainted love" que Imelda ya ha hecho suyo (y por deferencia nuestro), y hasta sonó una particular del clásico "Train kept a rollin´".
Y fueron muchos los momentos álgidos de la noche, parte de los temas citados, junto con "Mayhem", "Psycho" o "Proud and humble".
A mi modo de ver fue una noche perfecta. Imelda lo ha conseguido. Tras muchos años de trabajo y esfuerzos por los escenarios, está en un momento dulce de verdad y no me arriesgo en decir que creo que en el momento más álgido de su carrera, que esperemos dure muchos años. Ya es una estrella, el talento está presente en cada poro de su piel, y desde luego, parece que es una mujer con los pies en el suelo por lo que no parece probable que la popularidad se le vuelva en su contra y acabe con esa genialidad que brilla de forma tan esplendorosa cuando sube a un escencario.
Me quedo con un momento esta noche, la bonita interpretación de "All for you" de su último trabajo, en donde Imelda estuvo sensual a más no poder, su voz, sus bailes, sus miradas, su sonrisa... Viendola en vivo interpretar ese tema en esos escasos 3 minutos, es fácil, muy fácil, caer locamente enamorado de esta maravillosa mujer.

La carrera de la banda que lidera Patterson Hood, y que en breves fechas visitará nuestro país en una gira que promete ser apasionante, siempre ha rayado a gran altura, desde su primeros trabajos, hasta este 2010.
Yo personalmente creo que lo bueno de verdad comienza en 2001 con "Southern rock opera", y sólo baja muy levemente con "A blessing and a curse" de 2006, aunque todos sus trabajos son destacables de forma similar.
Hoy me centro en mi favorito junto a "The dirty south" (2004) y "Brighter than creation´s dark" (2008), quizá por que fue el primer disco que descubrí de ellos.
"Decoration day", es un compendio del gran abanico de sonidos que maneja esta banda, un trabajo con 15 temas de todos los colores: Rock Americano clásico (ese apasionante "Marry me", el adrenalínico "Careless" o "Do it yourself"), medios tiempos como "The deeper in" o "When the pin hits the shell", temas relajados como "My sweet Annette" o el final del álbum "Loaded gun in the closet", y las bellísimas aportaciones en la composición de Jason Isbell, las eternas "Decoration day" y la bellísima "Outfit".
También hay sitio para que reine el folk-country acústico ("Sounds better in the song"), para el rock cabreado de "Hell no I ain´t happy" o el más convencional "(Something´s got to) Give pretty soon" o el sarcasmo de "Your daddy hates me".
En definitiva, una maravilla de principio a fin, que tal vez con otros trabajos de la banda, se convierte en la quintaesencia de esta enorme banda.
David Barbe se encarga de la producción, mientras que Mike Cooley (guitarra, voces), Earl Hicks (bajo), Brad Morgan (batería) y Jason Isbell y Patterson Hood (guitarras y voces) forman un combo engrasado a la perfección, que con la colaboración inestimable de gente como el teclista Spooner Oldham, el violinista Scott Danborn o John Neff a la steel guitar, aportan un gran colorido a todo el trabajo.

Siempre recordaré con especial cariño el tema "I´ll take you there" de The Staple Singers, así como la versión que realizó esta maravillosa banda vocal junto a The Band del clásico "The weight" en el canto de cisne de la banda en "El último vals" dirigido por Scorsese.
Aún no siendo un experto en la discografía de la misma, esta banda siempre ha tenido reservado un pequeño lugar en mi corazón.
Ahora, una de sus voces más reconocibles, Mavis, edita un nuevo álbum en solitario en pleno 2010, y la verdad es que suena realmente mágico. La colección de canciones que se agolpan en este álbum van desde versiones de clásicos como "Wrote a song for everyone" de John Fogerty (uno de los momentos álgidos del disco), así como de viejos estandards gospel, junto con aportaciones de la propia Mavis en la composición, y de Jeff Tweedy, líder de Wilco, que ha apadrinado el proyecto de forma realmente elegante y profesional.
Pero si un tema representa este trabajo y creo que justifica su compra, es el tema que da título al disco, compuesto por el propio Tweedy, y que en voz de Mavis Staples suena auténticamente deliciosa. Tema irrepetible que engloba una emoción única y que está clavado en mi mente desde hace unos días de forma compulsiva.
Trabajo altamente recomendable para cualquiera que tenga un poco de buen gusto musical.

Fabuloso realmente el show de John Hiatt en la sala Joy Eslava de Madrid el pasado Miércoles 27. Mucho tiempo esperar en ver a este hombre en vivo, que se ha labrado poco a poco cual hormiguita una gran carrera en solitario, y al fin llegó el momento.
Llegué a la sala sin haber leido nada en internet, no se que tipo de show llevaba en los últimos tiempos, y llegaba virgen a expensas de lo que nos podía ofrecer el viejo John, y sólo puedo decir que cumplió con creces.
Emocionado, feliz y enérgico llegó John Hiatt a Madrid y nos hizo felices durante dos horas, comenzó con la inevitable y acústica "Drive South", que fue seguida por otra de las joyas de la noche, "Perfectly good guitar", con las que ya entramos en harina. La banda se fue calentando y el propio John también, con un público de alta edad media entregado desde el principio.
"Crossing muddy waters" dió paso a una arrolladora "The open road" que con "Master of disaster" nos llevó a los minutos más relajados y bluesies de la noche con temas como "My baby" hasta que los corazones y las gargantas se cargaron de emoción con un tema tan maravilloso como "Cry love", una de las joyas más imperecederas de su discografía. "Your dad di" nos condujo a la bellísima "Feels like rain" en la que la vz de John sonó realmente espeluznante, de una buena forma impresionante.
De ahí al final, sin parar de escuchar clásico tras clásico: "Slow turning", una emocionante "Lipstick sunset" (con especial buen trabajo del guitarrista Doug Lancio), "Thing called love", "Real fine love" (atronadora), para acabar con las inexcusables "Tenessee plates" y "Memphis in the meantime".
Tras el final, los esperados bises con la sobrenatural "Have a little faith in me" (una de las canciones con la letra más increíbles que he podido escuchar en mi vida) y "Riding with the king".
La banda, perfecta, el público, entregado, la acústica, ideal y John cantando y tocando como si tuviera 20 años menos, lograron que pasara una de las noches más especiales de los últimos tiempos.
Gracias Sr. Hiatt, por hacernos felices al menos durante un par de horas. Esperamos que vuelvas muy pronto.

Llevo unos meses escuchando de forma compulsiva este álbum, creo que es de lo mejor que se ha editado hablando de Rock o Hard Rock puro y duro en los últimos tiempos.
La unión de diferentes músicos de renombre siempre es un arma de doble filo, y nunca sabes como va a terminar, si en un proyecto que mire demasiado al pasado de los distintos miembros, un pastiche dificilmente digerible o un proyecto sólido realmente recomendable. En este caso, podemos decir sin rubor que es la última premisa la que se cumple.
La gira de 2007 de Van Halen con los Van Halen originales (sin Michael Anthony), logró picar sobremanera a Sammy Haggar y al afamado bajista, y tras buscar un guitarrista de renombre como Joe Satriani, se embarcaron en un proyecto en estudio con el batería de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith.
Lo único que puedo decir es que hicieron un gran trabajo, y este disco es una maravilla potente de una alat calidad.
Aunque tiene cosas que recuerdan un poco a los Van Halen (esos coros y la inconfundible voz de Sammy Haggar), apenas hay similitudes. Este trabajo es un trabajo de Rock puro y duro, los temas más inmediatos son "Sexy little thing" y "Oh yeah" (que podéis oir aquí), dos pedazo de dinamita (en especial el segundo) realmente notables. "Get it up" es otro de mis temas favoritos, con ese ritmo potente mantenido de principio a fin, "My kind of girl" sigue una linea similar pero más relajada, al igual que "Down the drain", cuyo final acelerado es realmente demoledor.
"Soap on a rope" es prácticamente un tema funk-rock, en el que caen las habituales piruetas instrumentales de Satriani. "Turnin´ left" se convierte en otro tema rockero muy destacable. La verdad es que todos los temas destacan de una forma u otra, en el apartado más relajado sólo tenemos la balada "Learning to fall" y en menor medida la final "Future in the past".
La batería de Chad suena atronadora y entonada, Michael Anthony es el clásico y potente bajista que siempre demostró, la voz de Sammy Haggar sigue tremenda y por ella no parecen pasar los años, y la la labor de Joe Satriani es muy, muy buena, creo que es el mejor álbum que graba en muchos años, un trabajo directo y rockero como pocos, sin la habitual experimentación que suene poblar sus discos en solitario.
En definitiva, un disco altamente recomendable que esperemos tenga continuidad, al menos si dicha continuidad es de una calidad similar a este primer y homónimo trabajo.

El panorama radiofónico nacional no es especialmente estimulante actualmente pero, y al contrario que ocurre con la Televisión, siempre hay programas interesantes en emisoras escondidas y horarios intempestivos.
Esta semana que termina, he recuperado unos minutos que siempre me han encantado en una emisora comercial como Onda Cero, y que creo que son de los minutos más aprovechados a nivel Radio en nuestro país.
Hasta las 6 de la mañana en dicha emisora, hay un programa bastante interesante dirigido y presentado por José Luis Salas llamado "No son horas", y justo a las 6 comienza el programa matinal de Carlos Herrera, pero unos minutos antes, ambos presentadores hablan un poco de música y el primero pincha si no canciones "bastardas" (mezclas de temas conocidos unidos por anónimos con especial habilidad), temas de indudable calidad bien de artistas conocidos, desconocidos, oficiales, piratas... de cualquier tipo.
El criterio musical de ambos es bastante recomendable y he oido cosas siempre muy interesantes de todos los estilos, pero haciendo hincapié en el Rock y en el Soul: Ray Charles, Eagles, The Black Crowes, Jimmy Page, Van Morrison...
Es curioso cuando a los profesionales les dejan unos minutos sin guión y sin preparación, siempre nos descubren documentos amenos y momentos naturales e interesantes. En el caso de Carlos Herrera igual confunde más, al ser un periodista mediático bastante conocido y al haber presentado hace años varios programas de copla, flamenco y música española, pero lo que desconoce gran parte del público es que es un gran amante también del Rock y ha sido visto en festivales y en conciertos de gente como The Hellacopters, y aunque no alardea de ello, le gusta siempre descubrir nuevos artistas relacionados con otros estilos con especial buen gusto.
En fin, si a esas horas intempestivas estáis en pie, os recomiendo escuchar esos apenas 10 minutos de buena radio, buena música y de algo que se sale de lo habitual y merece muy mucho la pena a pesar de su corta duración.

En las últimas noches he vuelto a recuperar (en un ejercicio que hago bastante a menudo), el impresionante "Grace" que el malogrado Jeff Buckley editó allá por 1994. Todo en ese disco encajaba de forma perfecta, y desde el momento de su edición en el mercado, se convirtió en una de las obras más bellas de la historia de la música.
Aunque el trabajo en su totalidad es una maravilla absoluta, hoy me quiero centrar en la versión del clásico compuesto por Leonard Cohen, que Jeff cantó de forma realmente sobrenatural. El significado que Leonard imprimió a dicho tema siempre estuvo bastante ambiguo, y en el caso de la versión de Buckley, tal vez se potencia esa ambigüedad.
La versión es de un belleza realmente sobrecogedora, pero, y aunque el tema parece indicar otra cosa, no es una canción de amor, si no de todo lo contrario, de desamor. Con claras referencias bíblicas, Jeff abre su alma y su corazón a todo el que le quiera escuchar, y relata a través de dichas alusiones la historia de un corazón roto.
La parte que siempre me gustó más de la canción es la que sigue: "love is not a victory march, It's a cold and it's a broken Hallelujah", así como su desangelado final "Maybe there's a God above But all I've ever learned from love Was how to shoot somebody who outdrew ya It's not a cry that you hear at night It's not somebody who's seen the light It's a cold and it's a broken Hallelujah".
Aquí os dejo una traducción de la letra de este maravilloso tema, en el cual Jeff tocó el cielo con las manos, llegándonos al corazón con su forma única de cantar y transmitir sentimientos (en este caso de desconsuelo y desolación). Lo curioso del tema es que, y a pesar de su desangelado significado, la extraordinaria belleza del tema es tal, que mucha gente la ha elegido como banda sonora para su ceremonia de boda a lo largo y ancho del mundo. Es comprensible que eso ocurra cuando ese tema transmite como pocos sentimientos tan extremos y maravillosos como el amor y el desamor.

"Escuché que había un secreto acorde
Que David tocaba y agradaba al Señor
Pero a ti no te interesa la música ¿o sí?
Bien, va así la cuarta, la quinta, el menor baja y el mayor se eleva
El rey desconcertado compone aleluya

Aleluya, aleluya, aleluya, aleluya...

Bien, tu fe era cierta pero necesitabas demostrarlo
La viste bañarse en el techo, su belleza y la luz de la luna te derrocaron
Ella te ató a su silla de la cocina
Ella rompió tu trono y cortó tu pelo
Y de tus labios ella dibujó el aleluya

Aleluya, aleluya, aleluya, aleluya...

Cariño, estuve aquí antes, he visto esta habitación, he caminado en este piso
Solía vivir en soledad antes de conocerte
He visto tu bandera en el arco de mármol
Pero el amor no es una marcha de victoria
Es un frío y roto aleluya

Aleluya, aleluya, aleluya, aleluya...

Bien, había un tiempo en el que me permitías saber lo que realmente te pasaba por el corazón
Pero ahora nunca me lo muestras
Pero recuerda cuando me mudé en ti
Y la paloma santa también
Y cada respiro que hicimos fue un aleluya

Bien, tal vez haya un Dios arriba, pero todo lo que he aprendido del amor
Fue como dispararle a alguien que te aparta
No es un llanto lo que escuchas en la noche
No es alguien que ha visto la luz

Es un frío y roto aleluya

Aleluya, aleluya, aleluya"

La verdad es que para ser honestos hay que dar mil gracias mil al Señor por devolvernos sano y salvo, limpio de drogas y alcohol, y en un estado absoluto de gracia a Mike Farris, el ex-líder de The Screaming Cheetah Wheelies.
Desde que abrazó al Señor, Mike no sólo ha reconducido su carrera musical, tocando palos como el Soul, el Blues, el Gospel o el sonido Nueva Orleans como un auténtico genio, si no que además canta mejor que nunca, está de un humor siempre excelente y encima, está (a sus 49 años) en un estado de forma física envidiable.
Todo lo anteriormente relatado lo hemos podido vivir hace unas pocas horas en la Sala Heineken de Madrid (y por lo que he leido es la tónica de toda su gira hispana), durante las más 2 horas de concierto con su banda actual, The Roseland Rhythm Revue, con las entrañables McCray Sisters al frente.
Teníamos un gratísimo recuerdo de su gira de 2009 por nuestro país, pero esta vez, no sólo ha confirmado que está en un momento inmejorable, si no que bailó, cantó, aplaudió, saltó como nunca, viviendo la música como nadie y transmitiendo su energía positiva y buen rollo a todos los asistentes al concierto.
La base de sus shows sigue siendo ese sobrenatural "Salvation in lights" que editó en 2007, pero ya ha aportado a sus shows muchas variaciones: versiones variadas y en casos puntuales más rockeras de esos temas, homenajes a los recién caídos (con un notable "Everybody needs somebody to love" de Salomon Burke), clásicos del soul y gospel, un pequeño recordatorio de su etapa con los Wheelies (con una emocionante "Gypsy lullaby" en solitario), referencias a los Stones, e incluso un tema nuevo ("Power of love") que sonó de maravilla.
En gran parte importante del show cedió protagonismo a sus músicos, en especial al bajista y a las imponentes McCray Sisters, que, de nuevo, cantaron como los ángeles. Pero a pesar de ello, el absoluto y único protagonista de la velada es el gran Mike, que a base de chicles, coca-cola y su buen humor y su fuerza, llena no sólo el escenario si no toda la sala.
Se me quedaron fuera clásicos como "Trouble of the world" o "Change is gonna come", pero no puedo poner ningún pero a la actuación. Tras 125 minutos y con un vibrante "I´m gonna get there" (como el que podéis escuchar aquí en vivo) finalizó otro show en el que el señor Farris y los suyos salieron ampliamente victoriosos.
Los que sabiendo de esta actuación os quedásteis en casa, cometísteis uno de los errores más graves de vuestra existencia, y el escuchar sus discos o leer esta crítica no palía ese detalle, por que la música de Mike Farris con esa voz inigualable no se cuenta o se escucha en un disco, se VIVE en directo, y yo tengo la suerte de llevarme esa experience a la tumba y ya en 3 ocasiones.
Parafraseando uno de los temas más famosos de su repertorio que canta el viejo Mike, "No hay tumba que me tumbe". Por lo que ha demostrado esta noche en la Heineken, desde luego, parece que tiene toda la razón.

En la entrada de hoy, vamos a centrarnos en un trabajo de una calidad envidiable y que, lamentablemente, no es demasiado conocido.
Vaya por delante decir que este álbum, desde un principio, partió con el handicap de crecer a la sombra del majestuoso "Heaven & hell", uno de los discos definitivos del Heavy Metal. Black Sabbath se habían recuperado (¡y de que forma!), tras la huida de Ozzy Osbourne, con la incorporación del gran Ronnie James Dio (tras su marcha de Rainbow) y junto la aportación del batería Vinnie Appice, con esa obra y acallaban las vocas de aquellos que no veian futuro alguno para Sabbath tras la marcha del "madman".
Superar aquel disco era muy complicado (más aún cuando en las sesiones de grabaciones de este trabajo, el ambiente se había enrarecido hasta límites insospechados, ya que el éxito de su anterior disco había disparado una lucha de egos bastante considerable).
"Mob rules", editado en 1981, no es superior a "Heaven & hell", pero es un más que notable y digno sucesor.
Desde el primer tema, vemos que nada ha cambiado. "Turn up the night" comienza con un endiablado riff de Iommi, la voz inconfundible de Ronnie y la habitual y potente base rítmica Appice-Butler. Esta es la nueva carta de presentación de la banda (el "Neon knights" de este disco), que nos acelera para situarnos de forma inmejorable para el segundo corte, ese medio tiempo potente llamado "Voodoo".
"The sign of the southern cross", nos trae a los Sabbath más lángidos, en la que la voz y las letras de Dio sobresalen de forma especial. "E5150" es el intervalo instrumental que nos prepara para el tema que da título al álbum, otro pedazo de dinamita que se encuentra entre lo mejor de su carrera.
Tras ella, otro corte muy destacable, "Country girl", que junto a "Slipping away" nos traen unos minutos especiales de verdad, en los que la banda suena conjuntada, única e inigualable.
Los primeros momentos de "Falling of the edge of the world" nos recuerdan a los primeros Rainbow de Ritchie Blackmore, para después ir transformándose poco a poco en un tema 100 % Sabbath, no esos riffs de Tony Iommi tan característicos.
El disco finaliza con "Over and over", una canción que por su desarrollo y su bella melodía, parece presagiar el fin de la banda.
Tras este álbum, una gira que acabó como el "rosario de la Aurora", con el abandono de Dio para formar su propia banda, y con los años más oscuros en la carrera de Iommi.
Hasta 1992 con "Dehumanizer", el guitarrista y el cantante no volvieron a colaborar en un buen disco, colaboración puntual que tampoco acabó demasiado bien, y la larga travesía en el desierto finalizó en 2007 en el que, ya como Heaven & Hell por los problemas legales con Ozzy, editaron su magnífico álbum en directo "Live from Radio City Music Hall", que les preparó para sus nuevas grabaciones en el majestuoso "The devil you know", que a la postre sería la obra póstuma del entrañable Ronnie.
"Mob rules", una página de Oro en la historia del Rock que intentamos reivindicar desde aquí con este post, y con el tema que da comienzo al álbum, que nos prepara para 40 apasionantes minutos de música sólo para paladares selectos.

Topo es, a mi modo de ver, junto a Asfalto y Leño, los máximos exponentes de aquello que se hizo llamar Rock Urbano, corriente que surgió a finales de los 70 en nuestro país y que se desarrolló sobre todo en el primer lustro de la década de los 80.
Una maravillosa banda madrileña que hizo una enorme horda de fans, pero que debido a su irregularidad y poco apoyo comercial acabó desapareciendo poco a poco. Creo que álbumes como "Topo" (1978) o "Marea negra" (1982) son de lo mejor que se ha publicado en nuestro país hablando de Rock. Sólo un leve patinazo (en mi opinión) con "Pret a porter" (1980) nos alejó de esta banda clásica con corta discografía pero con un gran legado musical. Lele Laina, José Luis Jiménez, Terry Barrios y Victor Ruiz, compusieron clásicos del tamaño de "Vallecas 1996", "Mis amigos donde estarán", "Colores", "Cantante urbano", "Marea negra", "Después del concierto...", de lo mejorcito del rock nacional.
A mediados de los 80, José Luis Jiménez quiso seguir con el grupo, no así, sus compañeros, y reformó la banda con Luis Cruz (guitarra), Cacho Casal (batería) y Pablo Salinas (teclados, guitarra), y juntos editaron el notable "Ciudad de músicos" (1986).
A pesar de la reforma en el seno de la banda, el disco lleva el sello clásico de Topo, las letras de José Luis Jiménez son ácidas y sinceras, y el sonido de la banda sigue sonando clásico, haciendo los nuevos miembros un trabajo más que digno.
Sin llegar al nivel de álbumes como "Marea negra", es un digno sucesor de aquel, y contiene himnos del tamaño de "Ciudad de músicos", "Todos a bordo" o "Dias de cine", temas entrañables como "Plaza vieja", denuncia social como "Las máquinas" o "Quieren matar mi canción"...
Es una pena que la genialidad de gente como el propio José Luis Jiménez, o sus excompañeros Lele Laina o Julio Castejón, apenas haya tenido apoyo en nuestro país. A pesar de ello, estos músicos han editado un buen puñado de temas imprescindibles (entre Topo o Asfalto, se me ocurren 14 ó 15 himnos imperecederos), pero a veces fantaseo con la idea de que hubiera sido de Asfalto o Topo con más apoyo comercial por prensa y compañía discográfica.
Es curioso lo injusto que es que, cuando ahora se hable de la "movida madrileña" se asocie sólo a Almodovar, MacNamara, Alaska y sus atláteres, cuando de aquella, los que petaban pabellones, vendían cassettes como roscas y los que hacían música REAL con la que la calle se sentía identificada en una época efervescente como pocas era con la que hacían Asfalto, Topo, Ñu, Barón Rojo, Obús, Leño...
En fin, como dijo aquel, la historia la escriben los vencedores, y ya vemos donde está Almodóvar y donde está gente tan destacable como Lele Laina o Salvador.
Sirva esta entrada para recordar una bella época de libertad, emoción y música real, con discos como este.

Este mes de Septiembre se cumplen 3 décadas de la desaparición del que es, para el que suscribe, el mejor batería de todos los tiempos, John Bonham, batería de la mejor banda de la historia del Rock: Led Zeppelin.
A pesar de los eternos rumores de reunión de la banda, y visto lo visto tras el paso de los años, el peso del batería en la banda era tan grande que la banda no se ha reunido tras su ausencia nada más que para shows especiales y proyectos paralelos, pero rara vez bajo el nombre de la mítica banda.
No obstante, John Bonham, era un pilar insustituible en el sonido del grupo. Si bien no se prodigó mucho en colaborar en las composiciones, desde luego, su forma y fuerza de tocar su instrumento era absolutamente única, y esa forma de tocar se mostró desde su primer álbum, hasta el último.
Mítico y recordado por todos es también su afamado solo de batería en el tema que se reservaba la banda para su lucimiento personal durante sus directos, con ese tremendo "Moby Dick", en el que se atrevía a tocar con las manos su instrumento.
Su ritmo con las baquetas en los temas de Zeppelin era mágico y su forma de tocar era absolutamente reconocible.
También eran famosas su juergas, su destrozos en las habitaciones de los hoteles, y su especial amistad (en especial) con Robert Plant, que siempre fue el que más se resistió por ese motivo a la reunión de la mastodóntica banda.
Han pasado 30 años ya, y nadie se ha acercado a su forma de tocar. Le dedicamos de forma sentida esta entrada, entrada dedicada al bateria MAS GRANDE.

Poco a poco en los últimos tiempos, se está reivindicando en nuestro país más y más el legado de este hombre auténtico representante del mejor Rock Americano. Un hombre que con su "banda de la bala de plata" grabó en los 70 y principios de los 80 una cantidad de álbumes de un nivel estratosférico: "Mongrel", "Back in 72", "Beautiful loser", "Night moves", "Against the wind"...
Y si hablamos de sus directos, que decir de ellos, yo he pinchano en infinidad de ocasiones su mágico "Live bullet" (1976) y en menor medida el magnífico "Nine tonight" (1981).
Pocos hombres ha habido más honestos que Bob Seger en el mundo del Rock & Roll, y en sus composiciones hasta principios de los 80 hay infinidad de temas legendarios, desde baladas irrepetibles como "Turn the page" o "Beautiful loser", a temas de apasionado Rock & Roll como "Rosalie", "Rock & Roll never forgets" o "Feel like a number", por poner unos pocos ejemplos.
Hoy aportamos nuestro granito de arena en que se conozca el legado de esta bestia del Rock & Roll, y nos centramos en una de sus mejores baladas, la emocionante "Against the wind", que compuso Bob a los 35 años y cuya letra sobrecogedora podéis obtener transcrita aquí. "Soy más viejo ahora, pero sigo corriendo contra el viendo" canta Bob en este tema en el cual se hace un resumen de su vida como estrella del Rock & Roll. Una canción de una belleza realmente irreal que nos trae uno de los momentos álgidos de uno de los rockeros definitivos. Enjoy it!!

It seems like yesterday
But it was long ago
Janey was lovely she was the queen of my nights
There in the darkness with the radio playing low
And the secrets that we shared
The mountains that we moved
Caught like a wildfire out of control
'Til there was nothing left to burn and nothing left to prove
And I remember what she said to me
How she swore that it never would end
I remember how she held me oh so tight
Wish I didn't know now what I didn't know then

Against the wind
We were runnin' against the wind
We were young and strong, we were runnin'
Against the wind

The years rolled slowly past
And I found myself alone
Surrounded by strangers I thought were my friends
I found myself further and further from my home
And I guess I lost my way
There were oh so many roads
I was living to run and running to live
Never worryied about paying or even how much I owed
Moving eight miles a minute for months at a time
Breaking all of the rules that would bend
I began to find myself searching
Searching for shelter again and again

Against the wind
A little something against the wind
I found myself seeking shelter sgainst the wind

Well those drifter's days are past me now
I've got so much more to think about
Deadlines and commitments
What to leave in, what to leave out

Against the wind
I'm still runnin' against the wind
I'm older now but still runnin' against the wind
Well I'm older now and still runnin'
Against the wind
Against the wind
Against the wind

Still runnin'
I'm still runnin' against the wind
I'm still runnin'
I'm still runnin' against the wind
Still runnin'
Runnin' against the wind
Runnin' against the wind
See the young man run
Watch the young man run
Watch the young man runnin'
He'll be runnin' against the wind
Let the cowboys ride
Let the cowboys ride
They'll be ridin' against the wind
Against the wind ...

Nuevo punto y aparte en la carrera de una de las mejores bandas de Rock de la historia. Celebrando su vigésimo aniversario, los hermanos Robinson deciden parar (esperemos que de forma temporal), con una particular revisión de sus clásicos con este trabajo.
El anterior parón de la banda vino tras su "Live" de 2002, y apenas duró 3 años reales. En 2005, la banda se reunió (aún con Marc Ford) para hacer una extensa gira por los States, pero un nuevo trabajo no llegó hasta el esperado "Warpaint" de 2008, en donde demostraron estar en muy buena forma, en parte gracias a la vida que les insuflaron las incorporaciones de Adam MacDougal y Luther Dickinson. Tras ese destacable trabajo, "Warpaint live", que no aportaba mucho nuevo pero sí nos mostraba a una banda muy conjuntada, y lo que es para mi una de sus obras definitivas, ese apabullante "Before the frost... until the freeze", que con el complemento en DVD, "Cabin fever", es un punto de inflexión en la carrera de esta banda. Este disco se valorará mucho más con los años.
Ahora, para despedirse, la banda decide revisionar clásicos propios, algunos temas no tan escuchados y alguan versión que otra, en un enriquecido formato acústico, en donde los temas suenan ricos y frescos de nuevo.
Temas de sus álbumes hasta "Lions" (2001), suenan revisitados, con diferentes arreglos de cuerda, harmónica, coros, alguna base programada, teclados... La verdad es que la banda está en un momento dulce musicalmente hablando, y eso se palpa en cada corte. A título personal, he disfrutado mucho con "Non-fiction" (un tema que siempre me encantó y que aquí toma otra dimensión más profunda), "Ballad in urgency", "Cold boy smile" (tema que tocaron los hermanos en su gira "Brothers of a feather"), "My morning song" (con esa nueva parte central), la eterna "Thorn in my pride" y "Bad luck blue eyes goodbye".
Una maravilla de trabajo que os recomiendo fervientemente, por supuesto, de la mejor banda de rock del planeta en la actualidad.
Os dejo en compañía de mi tema favorito del disco, el homenaje al inigualable angel caído, Gram Parsons, y esta emocionante y fiel versión que realizan de su clásico "She". La genialidad sin parangón de los hermanos Robinson se une a la de Parsons, en estos mágicos 5 minutos y medio.

Me voy al campo a un más que merecido descanso, y que mejor que irme acompañado por esta delicia de trabajo del genio canadiense.
Corría el año 1985, y el fichaje estrella de David Geffen para su discográfica estaba en plena época experimental (con el cabreo que eso le supuso al propio David). En ese año, Neil decidió entregar por unos meses su vida al Country, y con un elenco de magníficas colaboraciones (Waylond Jennings, Willie Nelson) editó en el mercado este "Old ways".
Album olvidado por muchos, a mi personalmente siempre me encantó. Un trabajo Country puro y duro en el que encontramos todas las características del género: violines, banjos... Todos los temas son compuestos por Young a excepción de la inicial "The wayward wind", y sin poder compararse con los grandes himnos de su carrera, si brillan a un gran nivel. Los cortes más relajados son los que más destacan a mi modo de ver, vease "Once an angel", "My boy" o "Where is the highway tonight". Los temas más desenfadados tampoco están mal ("Get back to the Country", una auténtica declaración de principios; "California sunset"...).
Eso sí, mi favorito del disco es el que podéis escuchar aquí, "Misfits", un tema de 5 minutos que siempre me ha parecido realmente bello.
Esta es apenas una nota de la enorme carrera del canadiense, que cada año que pasa, se hace más eterna e inabarcable. Un genio de los que ya no quedan. Un hombre irrepetible. Un "misfit" que esperemos nos acompañe muchos años más demostrando que es un ser eterno para todos aquellos que amamos la música y el arte en general.

15 temas son los que componen el nuevo trabajo del gran Tom Petty con Heartbreakers de siempre. Hay mucha controversia sobre el disco, reconozco que es uno de sus trabajos que más me está costando asimilar, y eso es por que ha editado un disco atípico en su carrera.
El título del álbum, "Mojo" nos orienta bastante bien de por donde van los tiros de este disco, ya que el blues es la base de muchas de sus canciones, y ya sabéis que ese término está asociado a ese estilo musical. Hay que destacar también, que este es el trabajo del viejo Petty en el que sus músicos toman más protagonismo, en especial Bentmont Tench y sobre todo, Mike Campbell.
Dentro de los temas más bluesys, están la inicial "Jefferson Jericho Blues", la acústica "US 41", o "Takin´ my time". También tenemos dentro de este grupo "Let yourself go", con unos sonidos cercanos al legado de Booker T & The MG´s, cortesía del viejo Bentmont. También hay experimentos como la reggae "Don´t pull me over", medios tiempos como la fantástica "First flash of freedom", la más pop "Candy", o temas más relajados y más cercanos al Petty clásico como "Something good coming".
El buen nivel sube, a mi modo de ver, con temas tan destacables como "High in the morning", la hipnótica "The trip to Pirate´s cove", "Lover´s touch" o la entrañable balada "No reason to cry".
Dentro de toda esta variada avalancha musical, creo que hay dos temas que pasan desde ya a ser clásicos atemporales dentro de su discografía: el magnífico final del álbum con la impresionante "Good enough" en la que se luce la guitarra de Mike Campbell, y el primer single del disco, el tema más rockero y claro heredero del sonido de Led Zeppelin, "I should have known it", que desde la primera vez que la escuché, me pareció una versión actualizada del "Black dog" Zeppeliniano, y que podéis escuchar en esta entrada en su plenitud.
Casualmente, y ese detalle lo observé con posterioridad, ambos temas son los únicos junto a "First flash of freedom", que componen juntos Petty y el guitarrista, factor que refrenda que es el guitarrista es el gran protagonista del álbum.
En definitiva, otro gran trabajo del genio norteameticano, que tal vez requiera alguna escucha más que otros de sus discos, (más inmediatos que este), pero que pasan a engrosar la lista de sus discos que son imprescindibles, que a la hora de la verdad, son todos los que ha editado este caballero a lo largo y ancho de su dilatada carrera musical...
Esperemos que nos acompañe por muchos años más... Tom Petty está en vivo y en muy buena forma en pleno 2010. Gran noticia para todos los que amamos el Rock & Roll.

Con su maravilloso concierto de hace un mes aún en mente, me apetece mucho rescatar el disco más injustamente olvidado de la banda de Tom Keifer, "Still climbing" del año 94.
Lo que más perjudicó al éxito del trabajo fue en la época que se editó. En 1994 triunfaban en el mundo bandas como Smashing Pumpkins, Nirvana o Pearl Jam, y el heavy clásico estaba de capa caída. Ese fué el mayor lastre de este enorme disco. Pero si nos ceñimos a su contenido, el disco siempre me ha parecido una jodida maravilla, de hecho, a mi particularmente me gusta más aún que "Night songs" y siempre me encantaron todos sus temas.
Con una producción muy cuidada, el trabajo comienza con la magnífica "Bada attitude shuffle", que da paso a un riff potente con la enorme "All comes down", enlazada con la histriónica "Talk is cheap", en la que Keifer se deja la voz. Tras ellas, una de las baladas definitivas de la banda (a la altura de "Heartbreak Station" o "Don´t know what you got (til it´s gone)"), "Hard to find the words" (que tenéis aquí), que representa perfectamente el estilo y el alma de esta banda. "Blood from a stone" y "Still climbing" mantienen el nivel alto del álbum, mientras que "Freewheelin" es una inyección de adrenalina perfecta.
"Through the rain" se convierte en otro de los temas relajados definitivos, una maravilla de principio a fin, que da paso al perfecto final del disco, con los trallazos "Easy come easy go", "The road´s still long" y a la final "Hot & bothered", que tenía la esperanza de que pudieran tocar en su bolo de Madrid, aunque al final no fue así.
En definitiva, un maravilloso álbum que reivindicamos desde aquí, al nivel de sus 3 trabajos predecesores, y que esperemos que no sea el último trabajo de la banda en estudio. Después de su corta pero existosa visita a Europa, es un momento idóneo para editar un nuevo trabajo con nuevos temas. El Rock necesita a Tom Keifer. El Rock necesita a Cinderella.

La noche de ayer Martes creo que fui una de las personas más privilegiadas sobre la faz de la tierra. Un sinfin de factores se alinearon para poder disfrutar de una maravillosa e inolvidable noche.
Primero, el recinto, de una acústica perfecta, y de un tamaño y cercanía con el escenario ideales; Segundo, la presentación de uno de los discos más especiales de los últimos años, el enorme "Mr. Lucky" publicado el pasado 2009; Tercero, unos músicos en estado de gracia; Cuarto, un público entregado hasta la extenuación (en especial su sección femenina); y por último, un crooner y entertainer en uno de los mejores momentos de su carrera, con sus recién 54 años cumplidos.
Sí, amigos, Chris Isaak nos hizo felices anoche en Madrid. Creo que realmente nunca valoraremos lo suficiente esta apasionante gira hispana que le llevará por 8 ciudades españolas, en la que está dejando patente su clase y elegancia de forma inmejorable.
Sonaron temas de toda su carrera, Chris se mostró cercano, atractivo, sabiendo como manejar al público a su antojo, seguro de sí mismo y de su banda. Sus bromas entretenidas, su cercanía con el público, su aura de estrella absoluta de la noche, su glamour, su voz (¡¡qué voz!!), su seguridad sobre las tablas...
Desde los momentos más íntimos ("Wicked game", "You don´t cry like I do", "Spanish blue sky"...) hasta los momentos más rockeros ("Baby did a bad bad thing", "Speak of the devil"), pasando por versiones de clásicos atemporales ("Oh Pretty woman" de Orbison, "Love me tender" de Elvis interpretada entre el público) o por sus momentos acústicos, todo fue especial anoche.
Chris Isaak desmostró ser uno de los más grandes, y desde luego, y por todos los factores ayer indicados previamente, a mi me pareció estar viendo al Elvis de Las Vegas en los 70 o al Frank Sinatra en el Madison Square Garden de Nueva York. La sensación creo que fue la misma, y sentir esa sensación hoy en día y en una ciudad como Madrid, realmente me parece mágico de verdad, a la par que irrepetible.
Hay decenas de detalles que me dejo en el tintero (los bailes de los músicos, la complicidad con el público de Chris, los detalles de vestuario, la perfecta iluminación...). Probablemente en un festival como el Azkena estuvo también fantástico, pero estoy 100 % seguro que un lugar como el Palacio de Congresos de Madrid es el sitio idóneo para verle en vivo, y puedo decir con orgullo que yo estuve allí.
Hubo muchos momentos inolvidables ("Blue Hotel", "Somebody´s crying", "Cheater´s town"...) pero me quedo con uno de los momentos en los que miré alrededor y observé como toda la gente que me rodeaba era feliz. Esto ocurre muy pocas veces en la vida de una persona (al menos, menos veces de las deseables), y esa sensación la sentí mientras Chris y los suyos interpretaban con pasión "Best I ever had". Sólo por ese momento, hubiera merecido la pena estar allí.

Anoche tuve la oportunidad de ver "The Runaways", el film dirigido por Floria Sigismondi que relata la historia de la banda liderada por Joan Jett y Cherie Currie.
He seguido más la carrera en solitario de Joan que la corta discografía de su primera banda, pero estaba claro que esta película llamaba muy mucho la atención, por que parecía ser un proyecto al margen del Hollywood comercial (a pesar de la presencia de su actriz principal, Kristen Stewart), y parecía que iba a ser realizado desde el corazón.
A mi modo de ver, y sin ser un peliculón, la película retrata muy bien la historia de las Runaways, todo parece estar hecho con cariño y midiendo los pequeños detalles, y desde luego, los personajes, situaciones y ambientación son muy creíbles.
Los actores están espléndidos, tanto el actor que hace de Kim Fowley como, y sobre todo, Dakota Fanning que hace de Cherie Currie y por encima de todos ellos, Kristen Stewart, esta bella y joven actriz que borda el papel de Joan Jett. La verdad es que... ¡es Joan Jett! Es increíble la interpretación fidedigna de esta actriz, de hecho, la propia Joan (que ya tiene 51 añitos de nada, eso sí, muy bien llevados) ha acogido a la actriz bajo su brazo y ha aprobado la interpretación de Kristen.
Por lo demás, el típico film de banda de rock, con una impresionante banda sonora (temas de The Runaways y Joan Jett se entremezclan con sonidos de Iggy & The Stooges, David Bowie o Sex Pistols), y con las típicas referencias a los excesos con las drogas, las peleas de egos entre los miembros de la banda y su productor, y una clara referencia a la relación lésbica entre las dos líderes de la banda.
La película se hace amena y fluida, y desde luego, al acabar la misma, a mi me dieron unas ganas horribles de volver a escuchar el legado tanto de las Runaways como de Joan Jett con sus Blackhearts.
Aquí podéis escuchar el gran éxito de las Runaways, "Cherry bomb", tema compuesto por Jett & Fowley, que fue el que las catapultó a la fama, en especial en Japón.
Si me tengo que quedar con un momento (además de la impresionante actuación de Kristen Stewart), me quedo con el momento en el cual Cherie abandona el estudio diciendo que quiere volver a casa, y Kristen (en su alter ego de Joan Jett) dice "Esta es mi vida". Desde luego que lo es. Joan Jett sigue siendo la rockera por antonomasia, y con 51 años sigue rockeando como el primer día. A eso lo llamo yo AMAR AL ROCK & ROLL. Que nos dure muchos años.

El otro día tuve la oportunidad de revisar el clásico "El último atardecer", un western de esos que llaman "crepuscular" dirigido por Robert Aldrich en 1961, y que, además del brillante guión, las buenas maneras de Rock Hudson, la sólida dirección y la mastodóntica interpretación de un coloso como Kirk Douglas, poseía uno de los puntos que más me atraían apara revisar este clásico, nada más y nada menos que la actriz Dorothy Malone.
Siempre estuve enamorado de esta actriz. A pesar de que no es conocida por el gran público de nuestros días, Dorothy tuvo sus minutos de gloria hace ya muchos años, e incluso llegó a ganar un Oscar de la academia por su imprescendible papel en "Escrito sobre el viento", uno de los grandes melodramas de Douglas Sirk (si no el mejor), en el que nuestra amiga Dorothy derrochaba clase, sensualidad y carácter a partes iguales, acompañada de nuevo por Hudson, por Robert Stack y por la no menos imprescindible Lauren Bacall.
Su primer papel (y donde me cautivó definitivamente), fue de apenas unos minutos en el clásico "El sueño eterno" de Bogart y Bacall. No sé si recordáis cuando el viejo Philip Marlowe (es decir, Bogart), se acerca a una tienda de libros a seguir sus pesquisas. Pues la dependienta con gafas que le atiende (y con la que se insinua un affair en el film) es la bella Dorothy Malone. Esos pocos minutos la catapultaron a papeles de mayor renombre, y poco a poco se fue haciendo un hueco en el Hollywood clásico. "Noche y día", "Juntos hasta la muerte" o "La casa 322" fueron films en los que fue participando haciéndose un nombre en la escena.
Un hubo un momento en su vida en que tomó la decisión de pasar de ser una niña buena de Hollywood a ser una rubia peligrosa despampanante, y se tiñó el pelo, forjándose así una imagen más dura, fuerte y segura de sí misma.
Los papeles de Dorothy se adaptaron a esa nueva imagen, y comenzó a realizar grandes proyectos como "Las columnas del cielo", "El hombre de las pistolas de oro" o la nombrada "Escrito sobre el viento", en donde su actuación fue descomunal.
Su último papel reseñable en el cine fue precisamente "El último aterdecer". Tras ello, dio el salto a Televisión donde protagonizó la afamada serie norteamericana "Peyton Place" y también participó en "Hombre rico, hombre pobre".
Después se retiró del negocio y apenas se la vio por el mundo del arte, un pequeño rol en "Instinto básico" y poco más, pero su belleza, poderío y magnífico legado, nos acompañarán siempre.
Dorothy tiene ahora 85 años, y esperemos que siga muchos años más con nosotros, para una actriz básica del Hollywood clásico que, si bien no es conocida a gran nivel, posee una carrera muy destacable y muy superior a las actrices mediocres que hoy en día gobiernan Hollywood para desdicha de la mayoría de nosotros.
He aquí mi personal recuerdo para ella... ¡larga vida!

Comienza mi nueva maratón de conciertos con una delicatessen, la visita de mis amigos del otro lado del charco, los enorme y a la vez entrañables, Stacey Earle y Mark Stuart.
Esta será mi sexta vez con ellos (les he visto todas las veces que han pasado por la capital), y de nuevo y a buen seguro, nos regalarán una maravillosa y cercana noche de buena música, gratas sensaciones y emociones varias.
La hermana del viejo Steve y su marido, son unos habituales de nuestros escenarios, desde que vinieron por primera vez en Mayo de 2002, en donde quedaron encandilados por las audiencias y el recibimiento de nuestro país. Por ello, nos visitan cada 1-2 años, e incluso han barajado la posibilidad de quedarse a vivir en nuestro país. Dos de esas visitas las realizaron con el carismático líder de Jason & The Scorchers, Jason Ringenberg, siendo dos citas realmente emocionantes con las jams que realizaron los 3 juntos.
Esta noche en su feudo por excelencia en Madrid, la sala El Sol, nos harán disfrutar, a buen seguro, con temas de la talla de "Me and the man in the moon", "Never gonna let you go", "Makes me happy" o "I don´t wanna have to run" (que podéis escuchar aquí), y de nuevo se comportaran de forma cercana y amigable, como siempre hacen, haciéndonos disfrutar de otra emocionante noche de buen folk norteamericano.

Stephen Daldry es uno de los cineastas más notables del Reino Unido. Películas como "The reader" o "Las horas", ambas con indudable éxito de crítica y público, justifican afirmaciones como la realizada. Pero en esta entrada me voy a quedar con un film, y en concreto, con el arranque del mismo en el cual el legado de Daldry se amoldó como un guante al legado de otro británico de pro, en concreto al eterno Marc Bolan y a sus T-Rex.
Estamos hablando de la afamada "Billy Elliot", un entrañable film que se encuentra de lo mejor realizado en los últimos años, nominado a varios Oscars y reconocido a nivel popular, este drama de original guión, empieza con un tema de los inigualables T-Rex, en concreto el clásico "Cosmic dancer". La letra de la canción se amolda a la situación del personaje del film, el pequeño Billy, el cual ama la danza desde su más tierna infancia, alejándole de lo "políticamente correcto" para su conservador entorno.
La canción en sí es una maravilla, y Daldry la amoldó al comienzo del film cual Tarantino, de forma envidiable.
El resto de la banda sonora se reparte con temas de T-Rex, The Jam, The Clash o Style Council, es recomendable al igual que el film, que creo que visionaré esta noche de nuevo.
Os dejo con este maravilloso tema, que comienza con la ya reconocida frase... "I was dancing when I was 12...", y os recomiendo de nuevo este gran film.
Comentaros que "Cosmic dancer", pertenecía al álbum "Electric warrior" que T-Rex publicaron en 1971, y que es una de sus obras magnas, tal vez junto a "Tanx" y "The slider", trabajos donde encontramos lo mejor de Marc Bolan y los suyos.

Estoy desolado. Acabo de enterarme de la muerte de Ronnie James Dio. Su legado es imperecedero, tanto con Rainbow, como con Black Sabbath, como con su banda propia. Se ha ido LA VOZ DEL HEAVY METAL. Durante un momento, parecía que el viejo Ronnie era eterno, pero la puta realidad nos golpea cuando menos te lo esperas, y hoy, lo ha hecho de la forma mád cruel, haciendo de este, uno de los peores días de nuestras vidas.
Descansa en paz, Ronnie James, tu memoria permanecerá en nuestros corazones y nuestras almas hasta que a nosotros nos toque también partir. No sé si estarás peleando con dragones, en el cielo o en el infierno, pero de lo que se con seguridad es que has dejado millones de amigos en el mundo, que te recordarán con cariño cada día que pase.
Descansa en paz, viejo amigo... ¡Larga vida a Ronnie James Dio!

Parece mentira que hayan pasado nada menos que 17 años para que, de nuevo, las huestes de James Hetfield editaran al fin otro gran álbum, tras aquel celebrado "Black album" editado en los albores de los 90.
Pero sí, tras años con todo tipo de historias relacionadas con la banda (acercamiento al sonido alternativo como "Load", películas de dudosa calidad como "Some kind of monster", la lucha desaforada contra las descargas de internet por parte de (en especial) Lars Ulrich, discos mediocres como "St. Anger", pequeñas sorpresas gratas como su disco de versiones, expulsión de Jason Newsted, los problemas psicológicos de Hetfield, giras con mayor o menor éxito...), podemos decir al final, y sin mucho riesgo de equivocarnos, que Metallica han vuelto.
Y cuando me refiero a Metallica, me refiero al auténtico sonido de la banda, que tanto les había encumbrado en los 80 y a principio de los 90. Yo soy de aquellos que en su día disfrutó con "Load" (no tanto con "Reload", un refrito de difícil justificación), pero estaba claro que aquello ya no era Metallica tal y como lo habíamos conocido. La falta de ideas se vio patente en los años posteriores con discos junto a orquestas, revisión de versiones ajenas, álbumes escasamente inspirados... Todo esto junto con declaraciones que meaban fuera de tiesto, expulsiones casi injustificadas y proyectos de dudosa calidad, nos traían a una banda errática a más no poder. Sólo sus directos (y no todos), mantenían un poco su leyenda... Pero, amigos, todo llega, y en 2008 llegó "Death Magnetic".
Debo reconocer que era bastante escéptico respecto al contenido de este trabajo, de hecho, no quería escucharlo por miedo a una gran decepción. Pero tras unas cuantas críticas, y dejar pasar un tiempo prudencial, me acerqué a él.
¿Y que puedo decir? Pues que este álbum es UNA JODIDA MARAVILLA, de principio a fin, su mejor trabajo desde 1991 de calle.
Se acabaron las ganas de imitar a otros, la falta de ideas... aquí tenemos un disco 100 % Metallica, con temas largos, con ritmos cambiantes, las guitarras afiladísimas, la banda conjuntada como hacía siglos (inclusive Robert Trujillo), letras hirientes, la batería de Ulrich vuelve a sonar atronadora, la voz de Hetfield es la de siempre... 74 minutos que engloban la esencia de este combo, y todos los ingredientes que les hicieron grandes, sin concesiones de ningún tipo (tal vez sólo "The unforgiven III" y sólo en su título, no en su contenido) y con la fuerza y genialidad que siempre les caracterizó.
"The end of the line", "That was just your life", "Cyanide"... todos los temas destacan, sólo se diferencia de la línea general "The Unforgiven III" con sus arreglos y su piano iniciales, y las alargadas epopeyas "Suicide & redemption" y "The day that never comes" (que podéis escuchar aquí), y que me retrotrae a los tiempos de "Welcome Home (Sanitarium)". En este álbum, de nuevo, brilla Kirk Hammett y sus solos con especial intensidad.
En fin, Metallica han vuelto y, de nuevo, visitarán nuestro país este año (en visitas a nuestro país no nos podemos quejar en los últimos lustros) en este caso con Mötorhead, en el mejor día de Rock in Rio, y el día que mejor representa a ese nombre en ese extraño macro-festival.
"Death Magnetic", o como retomar una carrera original e imaginativa, 17 años después.

Desde muy tierna edad, Carole tuvo gran atracción por la música, comenzando pronto a tocar el piano, cantar y también componer. Tras una adolescencia en la que la música, las diferentes formaciones y conciertos estuvo siempre presente, en 1970 llegó su primer trabajo con el irregular "Writer", que fue simplemente en preludio a lo que vino después.
"Tapestry", se editó en 1971 marcando sobremanera el comienzo de la década de los 70, y se convirtió desde su publicación en uno de los discos más alabados por crítica y público. Carole nunca sonó tan maravillosa como en este disco, en donde los clásicos se sucedían uno detrás de otro: "I feel the earth move", "So far away", "It´s too late"...
Los 12 cortes de este álbum son irrepetibles, la mayoría de ellos de tempo relajado donde los teclados y la voz de la señora King brillan especialmente. Esta mujer consiguió el mejor trabajo de su vida, un perfecto abanico de temas emocionantes, algunos de nuevo cuño, otros éxitos del pasado que cedió a otros artistas y que sonaban igual de apasionantes en voz de su compositora original.
Es difícil quedarse con un tema, pero, y personalmente, me quedo con "It´s too late", la emocionante "You´ve got a friend" (que popularizó James Taylor), "(You make me feel like) a natural woman" (que elevó a su climax máximo Aretha Franklin), "So far away" o "Will you love me tomorrow", que popularizaron The Shirelles en los 60, pero que compuso Carole con su ex-pareja, y que en la versión de su compositora suena emocionante, arrebatadora y desnuda.
Una maravilla de disco que está entre los mejores discos publicados en el siglo XX sin duda alguna, y cuya adquisición os recomiendo fervientemente.

Son multitud las obras maestras que ha compuesto y editado Bob Dylan a lo largo de su vida. Su maestría ha llegado prácticamente intacta hasta nuestros días, con delicias como "Modern times" (2006) o "Time out of mind" (1997), y son infinidad de trabajos impresionantes a lo largo de su carrera, pero hoy, decidimos quedarnos con una de sus primeras (y definitivas) obras imperecederas.
"Highway 61 revisited", fue el sexto trabajo del de Duluth en apenas 4 años, en un momento especialmente dulce para el viejo Bob. Ya había editado maravillas como "The freewheelin" o "Bring it all back home" (posteriormente editaría nada menos que "Blonde on blonde", uno de los primeros dobles álbumes de la historia), y "Highway 61 revisited" contenía todo aquello que rodea el mundo del trovador de Minnessota. El trabajo comienza de forma inmejorable con uno de los temas definitivos de Dylan, una auténtica declaración de principios por la que cualquiera mataría: "Like a rolling stones". Poco queda por decir de semejante tema. Uno de los cortes perfectos de la historia de la música. Tras ella, un no menos imprescindible "Tombstone blues", con ese ritmo acompasado totalmente reconocible, que da paso al reposado tema de taberna "It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry", en donde el piano toma un protagonismo especial.
"From a buick 6", un tema típico de aquella época de Dylan, nos transporta a uno de los temas más enigmáticos de su carrera, la estremecedora "Ballad of a thin man", que podéis escuchar aquí en su total esplendor.
"Queen Jane approximately" y el irresistible tema que da título al álbum, dan paso a la recta final del disco, con "Just Like Tom Thumb's Blues" y la entrañable e inacabable "Desolation row", un tema que es representativo del mejor Dylan, 11 minutos de tema con interminables estrofas de un músico en un estado de gracia impresionante.
Todo esto que os he contado, no valdría de nada si no escucháis el disco. Es uno de esas obras de arte por la cual, y como parafraseaba Woody Allen en su irrepetible "Manhattan", merece la pena vivir.
Neil Young, Johnny Winter o The Rolling Stones son algunos de los artistas que han versionado temas de este álbum... por algo será ¿no?
45 años después, este es un inmejorable momento para revisitar la Autopista 61... ¿Verdad?

Hablábamos de ellos en el último programa de "Bajo el Zeppelin", y la verdad sea dicha, es que se merecen no una, si no mil menciones. La andadura discográfica del combo liderado por Patterson Hood comenzó en 1998, pero, y a mi modesto modo de ver, lo realmente destacable comenzó a partir de 2001, con "Southern Rock Opera". A partir de ahí, disco enorme tras disco enorme: "Decoration day" (2003), "The dirty south" (2004), "A blessing an a curse" (2006) y "Brighter than creation´s dark" (2008). Los 5 trabajos nombrados son de una calidad extrema, y lo mejor de todo es que, no acabas nunca de descubrirlos.
Los discos de Drive-by Truckers no son una colección de 10-12 canciones previsibles, moviéndose en unas pautas esperadas y sin riesgo ninguno. Para nada. Cada trabajo tiene mínimo 13-14 temas, y se manejan en registros muy diferentes, y no nos dejan de sorprender en cada nueva obra. La banda está perfectamente conjuntada, pero las diferentes composiciones de Patterson, de Mike Cooley o de Jason Isbell han aportado un abanico de sonidos muy variado en sus discos de los últimos años.
Los clásicos que se agolpan en esos trabajos son innumerables: "Gravity´s gone", "Decoration day", "Ronnie & Neil", "The day that John Henry died", "Lookout mountain", "Danko Manuel", "Outfit", "My sweet Annette", "Two daughters and a beautiful wife"...
Aquí os dejo con el tema con el que me enganché a esta banda, "Marry me", un tema de rock clásico americano que define parte de su estilo, y sólo parte por que también poseen una infinidad de temas relajados acústicos y en otros registros realmente imperecederos.
La mejor noticia es que acaban de editar otro trabajo con una nueva compañia "The big to-do", disco que aún no he podido escuchar, pero que, seguramente, estará a la altura de los predecesores.
Una grandísima banda a reivindicar, y esperemos que con esta entrada, aportemos un granito de arena más para al extensión de su magnífico legado.

Reconozco que nada más que oí la noticia de que el nuevo proyecto de Jeff Bridges en el cine iba sobre un viejo cantante country en horas bajas, un chip se activó en mi mente y pensé que ese era un papel ideal para el viejo Jeff, aunque no tenía idea de que iba exactamente la trama del film. En ese momento, mi objetividad quedó en un segundo plano, y en cuanto fui conociendo más detalles de la película me fue llamando más aún la atención.
Finalmente, pude ver la película, y coincido con muchas de las críticas que he leido por ahí: un film de perdedores predecible, con un guión marcado dentro de las pautas del género, unos ambientes lúgubres previsibles... pero, a pesar de todo, este proyecto tiene "algo" especial, que no sabría expresar con palabras.
Maggie Gyllenhaal hace un estupendo papel, la música está perfectamente ambientada, Jeff Bridges le da más credibilidad a su personaje cantando varias de las canciones, Robert Duvall hace un corto pero entrañable cameo... Todo dentro de lo esperado.
Pero creo que hay dos cosas que hacen de este proyecto algo especial e irrepetible, y por una vez, y sin que sirva de precedente, creo que la afamada Academia de Hollywood, ha acertado de lleno con dos de sus premios. Una es la inconmensurable interpretación de Jeff Bridges, un recital sin paliativos de lo que es una gran actuación de uno de los actores más carismáticos del cine actual (y que ya se prodiga muy poco), y el otro, el tema que podéis escuchar aquí, "The weary kind", compuesto para el film por Ryan Bingham y T Bone Burnett, e interpretado por el primero, que es de ese tipo de canciones que son capaces de transportarte por su singular belleza a otros lugares de difícil definición.
Por esos dos aciertos del film, especialmente, merece muy mucho la pena acercarse a la sala oscura más cercana, para disfrutar de un trabajo emocionante, que al fin y al cabo, es el motivo principal por el cual amamos ese arte que llamamos cine.

El mundo de la música siempre te trae soprpresas inesperadas, da igual que pienses que lo has visto todo y que nada te puede sorprender, ahí está siempre para sorprenderte.
Pat Boone, fue uno de los actores y cantantes más relamidos de la mitad del siglo XX, un auténtico jovenzuelo repelente que representaba todo lo contrario al espíritu del rock & roll, en especial en los años 50 y los primeros años 60. Su carrerá se diluyó poco a poco, dedicándose a realizar discos de gospel en los 70 para desaparecer en los 80.
Pero en 1997, decidió reirse de su propia imagen anterior, y realizó un sorprendente y magnífico álbum muy buen producido con toques de Big Band, gospel y rythm & blues. La sorpresa no era el hecho de producir y editar un gran disco a esas alturas de su carrera, si no que las canciones elegidas eran todas ellas... ¡revisiones de temas clásicos del hard rock y el heavy metal!
No se de quien fue la idea, pero el disco salió absolutamente redondo. Hay canciones cuya versión sorprende algo menos como "Love hurts", "The wind cries Mary" o "Stairway to heaven"), pero otras son realmente sorprendentes, como "Enter Sandman" de Metallica, "Panama" de Van Halen o "Crazy train" de Ozzy Osbourne.
Todas las versiones son novedosas e ingeniosas, y da gusto escucharlas, y a mi personalmente me encanta revisitar este disco cada x meses.
Para mi gusto, las 2 joyas del disco inmejorables son el tema que da comienzo al disco, una inmejorable versión del "You´ve got another thing coming" de Judas Priest, y la canción que escuchais aquí, una enorme revisión del "Holy diver" del gran Ronnie James Dio. En estos dos temas, es donde podemos decir sin rubor, que, a pesar de que alguien haya pecado hasta la extenuación, siempre hay margen para la redención.
Si os gusta el hard rock, debéis conseguir este álbum a cualquier precio, no saldréis decepcionados, os lo aseguro.

En la década de los 80, aún existía cierta inocencia en la vida en el mundo occidental (inocencia que se ha perdido en su mayor parte en nuestros días), y esa inocencia, a mi modesto modo de ver, se reflejaba en las diferentes formas de arte, entre ellas, el cinematográfico.
En 1989 se rodó una de las películas más especiales que he visto en mi vida, un film que me encantó la primera vez que la ví, y que cada ciertos meses recupero disfrutando de ella una vez tras otra como si fuera la primera vez. "Los fabulosos Baker Boys", fue un proyecto personal de el guionista y director Steve Kloves, un personaje que se ha prodigado poquísimo en el cine, pero que llevó a cabo uno de los films más carismáticos de finales de los 80.
La escena de Michelle Pfeiffer con ese increíble vestido rojo sobre el piano de Jeff Bridges, cantando "Makin´ whoopee", es desde el momento de estreno de la película, uno de los momentos inolvidables de la historia del cine, pero la película es mucho más.
Un fabuloso guión de Steve Kloves, unas impresionantes y contenidas interpretaciones de los hermanos Bridges (en sus alter-ego, los hermanos Baker), una cuidada música del compositor Dave Grusin, una ambientación claramente nocturna y Michelle, una impresionante Michelle Pfeiffer en uno de sus mejores papeles en el cine, con su personaje de Suzie Diamond, la cantante que da un giro de 180º a la carrera de los Baker tanto a nivel profesional como personal.
Todo aparece en este film, la dureza de la vida en la carretera (en este caso de sala en sala, de hotal en hotel), el éxito, el fracaso, los problemas familiares, la amistad, el deseo...
Un magnífico retrato de unos personajes únicos en los cuales, tal vez, nos veamos reflejados nosotros mismos con sus alegrías, sus fobias, sus inseguridades, sus sinsabores.
Un trabajo altamente recomendable para ver en versión original y de noche, al ser posible, en fin de semana.
Os dejo con esta gran interpretación del clásico "My funny Valentine", que la Pfeiffer cantó con una delicadeza extraordinaria, en una de las películas más entrañables de los últimos lustros.

El pasado 2009 tuve que sacrificar 3 shows en nuestro país por diferentes motivos. El primero fue John Fogerty (maldito momento que decidí no acudir finalmente a ese concierto), el segundo fue Social Distortion (al parecer este acerté ya que estuvo más flojo de lo deseable) y el tercero fue el de esta magnífica cantante irlandesa de 35 años.
Para que os hagáis una idea, esta mujer es en nuestros días al rythm & blues y al rockabilly lo que es Amy Winehouse para el soul. Lo curioso de ella, es tal vez su origen, Dublín, y no sólo eso, no sólo canta de maravilla, si no que compone 10 de los 12 temas del su hasta ahora único álbum, ("Love Tattoo", editado en 2008 y que os recomiento fervientemente), y además produce en su totalidad.
El éxito de su álbum ha sido gradual, creciendo poco a poco con intervenciones en shows televisivos (evidentemente NO en los paupérrimos shows hispanos), reconocimiento de crítica y finalmente de público incluso en nuestro país. Por ello, es probable que Imelda no sufra la avalancha mediática que sufrió Mrs. Winehouse, por lo que su carrera pueda seguir adelante sin sobresaltos.
En su disco hay de todo, temas más cercanos al rockabilly como "Johnny got a boom boom", al jazz como la hipnótica "Knock 123", al sonido New Orleans ("Big band handsome man"), deliciosas baladas como "Meet you at the moon"...
Esperemos que no cometa el error de nuevo en el futuro de dejar escapar un concierto como este a apenas 30 minutos de mi casa.

Acabo de ver un thriller que desconocía, "Chantaje contra una mujer (Experiment in terror)", dirigida por Blake Edwards, una notable película que cuenta con, además de la banda sonora del gran Henry Mancini, las actuaciones de gente tan recomendable como Glenn Ford o la protagonista de esta entrada, Lee Remick.
No viví los 60, pero creo que, y probablemente por el legado cinematográfico en gran parte, la imagen de la sensualidad en aquella convulsa década que poseo en mi mente, se refleja en actrices como la bella Lee Remick. Una rubia con cara de porcelana, y larga y maravillosa melena rubia, además de un cuerpo estilizado, que me imagino que tuvo loca a media juventud de aquellos años.
Sirva esta entrada para recordar a esta magnífica mujer, que no sólo era bellísima, si no que además era una gran y competente actriz, que participó en obras maestras como "Anatomia de un asesinato" junto al gran James Stewart (del maestro Preminger), o "Dias de vino y rosas" del propio Edwards, con el no menos imprescindible Jack Lemmon, y en grandes películas como "La profecía" (ya en los 70) junto a Gregory Peck, "Río Salvaje" con Monty Clift o "El largo y cálido verano" junto a Paul Newman. No realizó excesivas películas, pero como veis, siempre se rodeó de magníficos compañeros de reparto.
Una mujer que representaba en sí misma, un icono de los 60, perfecto puente entre los clásicos años 50 y los excesivos 70.

Vivimos en una época en la que todo el mundo ve series, tanto americanas como nacionales, y en las que algunas de ellas han tenido un éxito enorme. Series como "House", "Friends" o "Perdidos", han tenido un éxito muy importante en nuestro país, series que siguieron a otras de enorme éxito de otras épocas como "Sensación de vivir", u otras pretéritas como "El equipo A" o "V".
El tema es que en los últimos lustros, se han producido infinidad de series, y creo que la mayoría de ellas de una muy baja calidad, en especial las hispanas.
Actualmente estoy inmerso en la Séptima temporada de una de las mejores series del televisión americana en toda su historia, la enorme "Frasier".
Como todos sabréis, esta serie nació a partir del personaje del mismo nombre (interpretado por Kelsey Grammer) que aparecía en otra de esas series de gran éxito de los 80, "Cheers".
Es curioso ver como "Cheers" ha soportado muy mal el paso del tiempo, mientras que "Frasier" aguanta muy bien a pesar de que hace ya 16 años que se comenzó a emitir.
11 temporadas (1993-2004) y infinidad de premios avalan su trayectoria como una de las mejores series estadounidenses de los últimos años.
Sin duda alguna, el éxito de la serie se basaba en dos grandes pilares, los guiones de una calidad muy alta, y los actores.
Es muy meritorio como a lo largo de más de 250 episodios se mantienen unas historias y diálogos punzantes y novedosos, y más aún cuando la serie sólo se basa en apenas 5 personajes.
Los actores son muy, muy entrañables. Kelsey Grammer es el absoluto protagonista de la serie, personificando de manera inmejorable al típico psiquiatra snob, al igual que su hermano Niles (David Hyde Pierce). El veterano John Mahoney hace un papel maravilloso ejerciendo de padre de ambos que es la antítesis de sus hijos, mientras que Jane Leeves
ejerce de la fisio del mismo y la bella Peri Gilpin de la productora del programa de radio de Frasier.
Sólo esos 5 personajes fijos, junto al perro Eddie, y un pequeño puñado de secundarios, consiguen un enorme elenco de actores que hacen de esta serie una de los momentos más álgidos de la televisión americana.
Sus capítulos de 22 minutos de duración los hacen idóneos para ser vistos en cualquier momento, más aún cuando realmente la situación de los actores en la serie apenas cambia a lo largo de esas 11 temporadas, por lo que da igual que capítulo veas.
Y es una serie que siempre que veo, me alegra el día. Os recomiendo que os hagáis con ella, con cualquiera de sus temporadas, ya que todas rayan a un gran nivel, y disfrutaréis de ella muchísimo, y si tenéis suerte, os hará olvidar series tan mediocres como "Friends", "Entre fantasmas" o "Seinfeld".

Siempre aparece entre mis cinco películas favoritas de todos los tiempos, y, al ritmo que vamos, deduzco que siempre aparecerá.
Hoy mientras veía una capítulo de "Frasier" en el que aparecía de invitada Eva Marie Saint, recordé esta maravilla, y me dije a mi mismo que no podía pasar un día más sin volver a verla, y tras acabar de ver el capítulo, me sumergí de nuevo en el mundo mágico del gran Alfred Hithcock.
Y es que este film lo tiene todo: Ritmo, suspense, Cary Grant, acción, la fotografia de Robert Burk, James Mason, el afamado "McGuffin", una de las rubias hitchcockianas Eva Marie Saint, el habitual humor socarrón del inglés, los magníficos secundarios, la inolvidable banda sonora de Bernard Herrmann... todo, absolutamente todo que define y resume no sólo la forma de hacer cine del viejo Alfred, si no todo aquello que se hace llamar suspense y por deferencia uno de los máximos exponentes del séptimo arte, esas caractéristicas que nos hacen amarlo con locura.
Os recomiendo que si la tenéis a mano, la volváis a ver; yo ni sé las veces que la he visto pero lo impresionante es que el cine de Hitchcock es de tal calidad, que te hipnotiza de forma que la vuelves a ver como si fuera la primera vez.
Aquí podéis escuchar el "Main title" de su banda sonora, que, a buen seguro, os hará recordar escenas tan magníficas como la de la avioneta en medio de la nada, las de la sede de la ONU (cuyas tomas de su entrada Hitchcock rodó con cámara oculta al estar prohibido filmar en las puertas del edificio), las del tren o las del final en el Monte Rushmore.
La propia Eva Marie Saint permanece aún con vida a día de hoy, y es una de las pocas actrices que aún perdura de aquella época maravillosa. Para muestra un botón, sus escenas con el ENORME Cary Grant en el tren no tienen precio, ni creo que nadie a día de hoy, sea capaz de emular ni de cerca. De ahí que esa época y esa forma de hacer cine, sea única e irrepetible.

El día de Acción de Gracias de 1976, The Band se separaron oficialmente de la forma más elegante posible, con un macro-concierto que fué filmado por Martin Scorsese y que dió lugar a esa obra maestra que se hace llamar "El último vals".
Después hubo algún intento de reunión que otro, sin el gran Robbie Robertson, pero el personaje que protagoniza esta entrada no es ni el principal compositor de sus clásicos, ni el difunto y magnífico Rick Danko, si no el que era para mi el tercer pilar fundamental de una banda irrepetible, el batería y también cantante Levon Helm.
En los últimos años, y tras superar un durísimo cáncer de garganta, el viejo Levon, hoy con 69 años de edad, se ha decidido a dar rienda suelta a la música que le gusta interpretar, y ha editado dos magníficos discos en solitario, "Dirt farmer" (2007) y el recientemente publicado "Electric dirt" (2009), en los cuales hace gala de toda su clase y maestria, mezclando blues, country, folk, rock, sonido Nueva Orleans...
Es impresionante el acero del que están hechas ciertas personas, y Levon, sin duda alguna, es una de ellas.
De su último álbum, aquí tenéis la entrañable versión que realiza del clásico de Grateful Dead, "Tennesse Jed", de un hombre que, lejos de dejar que la enfermedad le derrotara, se ha hecho aún más fuerte, realizando unos álbumes realmente maravillosos cuya adquisición es obligada para gente que ame todos estos estilos.

Probablemente estamos ante el mejor álbum de Mick Jagger & Co. en los 90. Lo curioso del asunto es que no es un disco de The Rolling Stones, si no de Mick Jagger en solitario.
En el año 1993, Mick se decidió a editar su tercer disco sin los Stones, tras su reunión en el 89 con la banda de su vida y su mastodóntica gira posterior.
Con la ayuda del gran Rick Rubin, Jagger editó su álbum más equilibrado y variado con temas realmente sobresalientes, a la altura de los mejores discos de los británicos.
El álbum comienza con la roquera "Wired all night", para seguir con la funky "Sweet thing", y tema tras tema, el Stone toca todos los palos imaginables, a lo largo de 14 temas, a cada cual más destacable.
La belleza del medio tiempo "Don´t tear me up", la comercialidad bien entendida de "Out of focus" con sus increíbles coros, el country sin igual "Evening gown" (que podéis escuchar aquí), el ritmo pegadizo de "Put me in the trash", la bluesera "Wandering spirit", y así hasta la postrera y rural "Hansome Molly"; todas ellas configuran el mejor álbum que ha hecho un Stone fuera de la banda, de obligada compra no sólo para los fans más acérrimos, si no para todo aquel que no tenga prejuicios con los diferentes estilos, en un álbum en el que brillan con especial fuerza las composiciones, la producción y, por supuesto, la eterna voz del viejo Mick.