El retorno de los Barón Rojo originales nos da pie para comenzar esta edición de "Bajo el Zeppelin" con media hora de rock nacional: Asfalto, Banzai o Leño, son algunos de los clásicos hispanos que se pasean por el programa, para dar paso a un prógrama más "clásico", con tomas en vivo de temas de diferentes bandas fundamentales como UFO, Whitesnake o Thin Lizzy.
Tras ellos, nos centramos en la década de los 90 con el legado en esa década de bandas como Lynyrd Skynyrd o The Bottle Rockets que nos encaminan a clásicos del siglo XXI como Lucinda Williams o Stacey Earle con Mark Stuart.
Finalizamos el programa con el festivo Mike Farris, no sin antes recordar a una figura legendaria de la cual se cumplen este año 15 años de su desaparición, el eterno Jeff Buckley. Muestra de su genialidad es "Lover, you should´ve come over", que suena al final del programa de manera realmente angelical.
La reunión de los Barón Rojo originales ha sido una de las mejores noticias de lo poco que llevamos de 2010. El pasado sábado 30, los hermanos De Castro, Hermes Calabria y Sherpa comenzaron una gira de reunión de pocas fechas con un lleno total en la sala La Riviera de Madrid.
Lamentablemente no pude acudir a dicha cita ineludible, pero desde luego, las críticas que he podido leer de tan magno acontecimientos son abrumadoras: 3 horas de show, casi 30 canciones, los músicos entregados, un público emocionado y las canciones... ¡qué canciones!
Un concierto que comienza con "Concierto para ellos" (un tema épico, mítico, ETERNO) y acaba con "Casi me mato" no puede tener ningún pero, y más cuando se ve las decenas de clásicos que cayeron a lo largo del bolo: "Campo de concentración", "Se escapa el tiempo", "Son como hormigas", "Tierra de nadie", "Hijos de Caín", "Con botas sucias", "Siempre estás allí"...
Esperemos que esta reunión tenga solidez y veamos a los Barones originales mucho tiempo sobre los escenarios, que realmente nos hace falta.
Por ahora tienen programadas las siguientes fechas:
6 DE MARZO EN A CORUÑA
10 DE ABRIL EN BARAKALDO (BILBAO)
8 DE MAYO EN MADRID
29 DE MAYO EN BARCELONA
14 DE AGOSTO EN SAN JAVIER - MAR MENOR (MURCIA)
Os dejo en compañía de este "Cuerdas de acero", una auténtica declaración de principios de uno de los 3-4 mejores grupos de Rock Nacional en toda su historia.
Tras una etapa Blues de finales de los 60 (liderada por el gran Peter Green) y principios de los 70, Fleetwood Mac se transformaron en 1975 en una banda que representa a la típica banda de aquella lejana década: grupo excesivo como pocos, multiventas, con increíbles músicos y magníficos compositores, con choques impresionantes de egos, mastodónticas giras...
En ese año, la banda norteamericana editó su álbum homónimo, que contenía joyas como "Monday Morning", "Say you love me" o la eterna "Landslide". Un disco con tanta calidad, que apenas casi nadie en el mundo se pudo resistir a adquirir su copia. Con su siguiente "Rumours" la cosa fue increscendo, más aún, editando el combo su disco más vendido, con clásicos de la talla de "Dreams", "Go your own way", "The chain" o "Don´t stop". En este trabajo, los temás más pop aportados por McVie, se codeaban con las joyas relajadas compuestas por Stevie Nicks, y con los temas más roqueros del gran Lindsey Buckingham, y todo realmente, cuadraba.
El grandilocuenre "Tusk" en el 79 mantenía el tipo (gracias a cortes como "Over & over" o "Sara"), en un trabajo excesivo típicamente 70s.
En 1980 editaron el típico directo obligado y a partir de ahí todo fue en caida libre (si exceptuamos el gran éxito comercial de su "Tango in the night" de 1987, y las cosas ya nunca fueron las mismas, con separaciones, deserciones, problemas megalómanos y de drogas, y sobre todo, un enorme bajón en la calidad de las canciones.
Todo ello, no debería hacernos olvidar lo grande que fue esta banda en el periodo 1975-1980, a la altura de cualquier gran combo que se os pase por la cabeza, a los que miraban de igual a igual por aquellos años.
Para que podáis ser testigos de su enorme legado, aquí os dejo este ETERNO "Rhiannon", recogido en directo en su más que recomendable "Live", uno de sus temas más eternos, de la banda que formaban por aquel entonces, Lindsey Buckingham, Mick Fleetwood, Christine & John McVie y la por aquel entones bellísima, Stevie Nicks.
Nunca he entendido por que un amplio sector de la crítica y uno mucho menor del público, ha denostado "The last DJ", el álbum que editó en 2002 Tom Petty junto a sus Heartbreakers. Me parece una (otra más) de las obras cumbres del genio norteamericano, con ese "hit-single" verdadero exponente de la libertad de expresión, "The last DJ", esas bellezas líricas que atienden al nombre de "Dreamville", "Like a diamond" o la hermosa "Blue Sunday", esas ostias al sistema actual "Money becomes king" o "Joe", esa maravilla romántica llamada "You and me", o esa desenfadada (entre tanto tema trascendente) "The man who loves women".
El disco tiene mucho más, y todo bueno, pero hemos decidido que escuchéis el canto de cisne del disco, este emocionante "Can´t stop the sun", que acaba el mismo con una auténtica declaración de principios, con frases como "and you may think it's all over/but there'll be more just like me/who won't give in/who'll rise again/can't stop a man from dreaming", frases que incitan a uno de los espíritus más fundamentales e inseparables del ser humano, el espíritu de la rebelión.
Accidentado primer programa en directo de 2010, en el que comenzamos con una apasionante versión en vivo del mejor Santana, de su clásico "Black magic woman/gypsy queen" allá por 1976, que nos lanza a comenzar el año con buen Rock con mayúsculas de la mano con Whitesnake, Queen, Thunder o Rainbow.
Pasamos con posterioridad por los 80 y los 90 de puntillas con gente Bruce Springsteen, Chris Isaak, Mick Jagger y Mike Ness, para finalizar con los últimos trabajos de The Black Crowes, Neil Young o Blind Melon.
Recordamos también a unos Guns n´Roses muy lejanos, aquellos de "Use your illusion", en el que eran una BANDA (en el que tenemos especial cariño por Izzy Stradlin´), nada que ver con lo que hacen a día de hoy las huestes de Axl Rose.
En apenas unos días de 2010, ya hemos recibido unas de las noticias más importantes del año, la esperada reunión de una de las bandas por excelencia de Seattle, los magníficos Soundgarden.
No sabemos si será para apenas unos bolos o tendrá mayor continuidad, y menos aún que hará ahora su batería Matt Cameron, que como bien sabreis, es ahora batería de Pearl Jam, pero desde luego es una gran noticia.
Con Kim Thayil desaparecido desde la separación del combo allá por 1996, un Ben Sheperd con una carrera discreta y un Chris Cornell con una carrera errática (un buen primer álbum en solitario, un simplemente correcto su proyecto con Audioslave, y un horrible último trabajo), la reunión de la banda es una inyección de moral para sus fans de los 90.
A expensas de comprobar la magnitud de esta reunión, os dejo con un especial que realizamos hace años dedicado al combo, en el cual nos centrábamos en sus enormes últimos 3 discos en estudio ("Down on the upside", "Superunknown" y "Badmotorfinger"), álbumes que por derecho propio están entre lo mejor de la historia del Rock.
Disfrutad de la hipnótica y variada música de la magnífica banda liderada por Chris Cornell, que esperemos recupere la inspiración tras este anuncio.
El pasado 2009 tuve que sacrificar 3 shows en nuestro país por diferentes motivos. El primero fue John Fogerty (maldito momento que decidí no acudir finalmente a ese concierto), el segundo fue Social Distortion (al parecer este acerté ya que estuvo más flojo de lo deseable) y el tercero fue el de esta magnífica cantante irlandesa de 35 años.
Para que os hagáis una idea, esta mujer es en nuestros días al rythm & blues y al rockabilly lo que es Amy Winehouse para el soul. Lo curioso de ella, es tal vez su origen, Dublín, y no sólo eso, no sólo canta de maravilla, si no que compone 10 de los 12 temas del su hasta ahora único álbum, ("Love Tattoo", editado en 2008 y que os recomiento fervientemente), y además produce en su totalidad.
El éxito de su álbum ha sido gradual, creciendo poco a poco con intervenciones en shows televisivos (evidentemente NO en los paupérrimos shows hispanos), reconocimiento de crítica y finalmente de público incluso en nuestro país. Por ello, es probable que Imelda no sufra la avalancha mediática que sufrió Mrs. Winehouse, por lo que su carrera pueda seguir adelante sin sobresaltos.
En su disco hay de todo, temas más cercanos al rockabilly como "Johnny got a boom boom", al jazz como la hipnótica "Knock 123", al sonido New Orleans ("Big band handsome man"), deliciosas baladas como "Meet you at the moon"...
Os dejo con un tema de ese álbum, en concreto el que da título al mismo, "Love tattoo", una maravilla que reviviría a un muerto por su vitalidad y energía, sin perder en ningún momento la elegancia.
Esperemos que no cometa el error de nuevo en el futuro de dejar escapar un concierto como este a apenas 30 minutos de mi casa.
Finaliza otro año más, y a nivel de conciertos, este año ha sido un año grande en nuestro país. Segundo año seguido en ver a Neil Young por nuestros lares, la segunda vez que también visitan nuestro país los Eagles, giras mastodónticas de gente como AC/DC, Bruce o Metallica, otras de pequeños locales de grupos tan recomendables como Tesla, The Quireboys, Lady Dottie & The Diamonds, Gov´t Mule... Primeras visitas a España de leyendas como John Fogerty, conciertos puntuales de The Jayhawks, Alice Cooper...
Exhuberante año, sin duda. Pero si hay que quedarse con algo, me quedo con los shows sobre las tablas de 3 artistas:
1. The Black Crowes: Una década después, y gracias a la gente del Festival Azkena, pudimos volver a ver al fin a los hermanos Robinson por nuestro país, y la experiencia fué realmente inolvidable. El día de San Isidro, pudimos ver en Vitoria a unos crecidos Cuervos Negros, con una banda en estado de gracia, en la cual se han acoplado perfectamente el nuevo teclista Adam McDougal y el grandísimo Luther Dickinson, centrándose en sus dos primeros álbumes, pero sin olvidar su por entonces último álbum "Warpaint", cuyas canciones brillaron con luz propia en el show. Es curioso saber ahora que su magnífico "Before the frost... until the freeze" ya estaba grabado, (por cierto, altamente recomendable su DVD "Cabin fever", recién editado y que narra las grabaciones de dicho disco, con gratísimas sorpresas musicales), y por ello tal vez se explica mejor aún la "conexión" que había aquella noche entre los miembros de la banda. En esta entrada podréis escuchar como sonó aquella noche "Wiser time", realmente maravillosa. Uno de los mejores conciertos a los que he asistido en mi vida.
2. Mike Farris: En apenas 4 días tuvimos el privilegio de ver las dos facetas del ex-cantante de The Screaming Cheetah Wheelies, primero en el Azkena con su Rhythm Rose Review, en la cual nos apabulló con su banda y sus sonidos Gospel-New Orleans, y días después en una inolvidable noche intimista en la sala Moby Dick de Madrid, en la que él sólo con su guitarra, nos hizo estremecernos de placer con su impresionante voz, capaz de cubrir todos los registros y hacernos emocionarnos como pocos artistas pueden hacer. "Southern accents", "Oh Mary don´t you weep" o "Sit down servant" sonaron como nunca cantadas por LA VOZ, sin duda alguna el mejor cantante que hay ahora mismo en el mundo del Rock.
3. Neil Young: Lo del canadiense verdaderamente es increíble. Con casi 65 años de vida está más activo que nunca, y no sólo en su casa-estudio y a nivel local, no señor, ahora gira por el viejo continente más que nunca. Está embarcado en un never-ending tour al estilo Dylan, con la diferencia que él ROCKEA COMO NADIE, se deja la piel en el escenario y se mueve, grita, salta y distorsiona su guitarra como si tuviera 20 años. Este año tuvimos la suerte de contar con su presencia en Barcelona y San Sebastián, y que queréis que os diga, su show de Barna (al de San Sebastián no pude acudir), fué realmente antológico, incluso mejor que el del año pasado en Arganda. "Mansion on the hill", "Rocking in the free world", "Pocahontas", "Unknown legend" (en donde cayeron algunas lagrimitas, en ese momento supe realmente lo que significa la expresión "estar en estado de gozo") o "Hey hey, my my" sonaron atronadoras, únicas, irrepetibles.
Os dejo el enlace a uno de los momentos del año, la interpretación del ansiado (¡sí, al fin la pude sentir en vivo!) "Cortez the killer" con el público cantándola a coro, y ese inigualable solo del viejo Neil.
3 momentos imperecederos en mi mente, que se quedarán en ella hasta mi desaparición, y que fueron no sólo lo mejor del año, si no de las mejores vivencias de mi existencia. Sólo por vivir esos momentos irrepetibles, mereció la pena vivir este año que nos deja.
La semana pasada tuve el privilegio de estar 4 días en Amsterdam, una ciudad en estado pre-navideño con sus canales, sus magníficas luces navideñas, sus pubs, sus flores, sus coffee-shops, y con un magnífico ambiente de libertad en sus entrañables calles. Tuve la suerte de que apenas nos llovió, incluso nos hizo sol e hizo frío pero para nada un frío exagerado.
Cuatro días con magnífica compañía y visitando una ciudad que representa lo mejor de la vieja Europa, y a la que dedicaremos esta entrada, recordando el homenaje que le hicieron a dicha ciudad los Van Halen de Sammy Haggar allá por 1995.
La canción se llamaba "Amsterdam", y pertenecía a uno de sus álbumes más controvertidos, aquel ya lejano "Balance", que tuvo malas críticas en su época, pero que, a mi modesto modo de entender, no suena tan mal hoy en día. Lo primero que hay que tener en cuenta es que tras este disco, Van Halen prescindieron del viejo red rocker, y cometieron tal vez el peor error en su carrera, fichar al ex-cantante de Extreme, Gary Cherone, editando con posterioridad sin duda su peor álbum, aquel mediocre a más no poder, "III".
De trabajo del 95, siempre me encantó el adrenalínico "Big fat money", el tema que nos ocupa no está nada mal, y tienen singles que en su día sonaban muy previsibles pero hoy no lo suenan tanto, como "Can´t stop loving you" o "Don´t tell me". También creo que el cierre del álbum es muy destacable, con los temas "Take me back" o "Feelin´".
Es curioso que la crítica denostara tanto ese disco por aquel entonces, yo ahora mismo estaría encantado de que Van Halen editaran un disco de este nivel a día de hoy, (hace ya muchos años que no editan un disco en estudio), esperemos que la reunión que tuvieron con David Lee Roth hace un par de años les empuje a grabar nuevos temas, que ya va siendo horita.
Disfrutad de este corte, de los Van Halen de Sammy Haggar, y recordar las bonitos canales y las bonitas calles de la ciudad holandesa por excelencia.
Hoy ha nevado en Madrid debido a una ola de frío siberiano, y no se me ocurre mejor forma de celebrarlo que escuchando el primer trabajo "estacional" de la divina Tori Amos. Como ya hemos comentado en otras ocasiones, Tori continua su personal y particular camino musical al margen de las modas, y hace siempre lo que quiere amparándose en su propia genialidad.
Tras editar a mediados de año "Abnormally attracted to sin" (un disco largo de difícil digestión, pero para nada mediocre), en apenas unos pocos meses ha editado su primer álbum dedicado en exclusiva a una estación del año, en este caso el invierno.
"Midwinter graces" tiene todo lo que caracteriza los últimos trabajos de la pelirroja: su particular voz, su piano, sus arreglos habituales, las colaboraciones de sus músicos más fieles, y tal vez algunos arreglos más trabajados y más "navideños", como se observa en temas como "Star of wonder" o más ampulosos tipo big band como en "Pink & glitter". El repertorio de canciones se basa en temas tradicionales navideños americanos, y Tori sólo aporta 5 temas propios, que para mi gusto son lo mejor del disco: "A silent night with you" (que podéis escuchar aquí), "Winter´s Carol" o la mencionada "Pink & glitter".
Sí, se puede decir que estamos ante el álbum navideño de Tori Amos (muy habitual entre los músicos americanos), pero, y como suele ocurrir con ella, para nada es el típico trabajo navideño previsible, si no todo lo contrario (además, si lo hicieron previamente gente como Elvis Presley, Frank Sinatra y Brian Setzer... ¿quién somos nosotros para poner algún pero a un trabajo navideño? ¡nadie!).
Os dejo también un enlace de la interpretación sin arreglos del tema "Pink & glitter", sólo Tori y su piano, en donde se observa que no hace falta mucho para enternecernos el corazón... ¿verdad? Disfrutadlo.
Cualquier dia es bueno para recordar la genialidad y el legado del gran Rory Gallagher. Una bestia parda de la guitarra, pero también un gran compositor y cantante, que nos ha estado haciendo felices durante infinidad de años. Todavía tengo fresco en mi mente de como me enteré de su fallecimiento, en verano del 95, escuchando el programa "De 4 a 3" de Radio 3, y como, aunque no había aún profundizado en su carrera musical aún, se me encogió el corazón, como al gran Paco Pérez Brian.
Si no hubiera sido por el delicado estado de su hígado, el año próximo, Rory hubiera cumplido 62 años. Seguro que en los últimos 14 años nos hubiera regalado magníficos discos, y hubiera seguido girando por el mundo con su Stratocaster como siempre hizo.
Toda su discografía es altamente recomendable, pero si no conocéis nada de ella, os recomiendo que comencéis con sus álbumes en vivo, en especial "Irish tour" y "Live in Europe", para después seguir con sus discos en estudio de los 70 como "Deuce", "Calling card" o "Tattoo". Aunque tiene algún álbum menor, la adquisición de su legado es obligada para todo aquel que ame el mejor blues y el rock.
Nuestro sentido recuerdo para él, un roquero único, genial y humilde como pocos. Aquí podéis escuchar el tema que dió comienzo a su carrera en su primer álbum, "I´m not awake yet", un alarde de imaginación y poderío allá por 1971.
Para todos los que amamos el Rock & Roll más honesto y cercano, este es un momento de absoluto gozo. Que en el año 2009, podamos disfrutar de directos como el del pasado Martes 17 de Noviembre en la Sala el Sol, es motivo de alegría y de privilegio.
El listón lo habían dejado alto Lady Dottie y sus Diamonds y las huestes de Warren Haynes, pero que queréis que os diga, lo que vimos en la Sala El Sol, fue, otra vez, inenarrable. Pocas bandas de hoy en día pueden conseguir que en apenas con unos riffs, pongan una sala patas arriba, y desde luego, hay menos frontmen que con un simple gesto nos vuelvan absolutamente locos.
Por supuesto, estamos hablando de los londinenses Quireboys y de su líder, el eterno Spike.
Hacía 4 años que no lo veía en vivo, y la verdad es que me hicieron feliz igual que la anterior vez. Este año se encuentran celebrando sus 20 años de carrera, y creo que se encuentran rejuvenecidos y en un estado de forma realmente envidiable. Tras su largo parón de casi 10 años tras el fiasco comercial de "Bitter sweet & twisted" de 1993 (un gran trabajo, por otra parte), volvieron a principios del siglo XXI con el irresistible "This is rock & roll", y desde entonces, les tenemos más activos que nunca con varios trabajos e interminables giras.
El pasado día 17 repasaron gran parte de su carrera, celebrando los 20 años de su primer álbum, el multi-ventas "Little bit of what you fancy", interpretándolo en su totalidad, con clásicos de la talla de "7 o´clock", "Sweet Mary Ann" o "Man on the loose", pero también sonaron temas no menos básicos como "This is rock & roll", "I love this dirty town" o "Don´t bite the hand". Durante casi hora y tes cuartos, Spike y los suyos tocaron rock & roll de verdad, nos hicieron cantar, bailar, sudar y enternecernos con baladas como la imprescindible "I don´t love you anymore", uno de los momentos de la noche.
Muchas felicidades a Quireboys por sus 20 años de carrera, y a nosotros mismos por poder disfrutar en pleno 2009 de un show tan honesto y entregado.
Para celebrarlo, aquí tenéis "Mona Lisa smiled" de su disco de 2008, uno de los mejores temas que han compuesto últimamente y que sonó de forma totalmente arrebatadora en la Sala El Sol el pasado día 17.
En breves fechas, comenzará la gira española de este curioso combo, que une a unos jovenzuelos con muchas ganas y con un más que destacable background musical basado en el blues, rock, soul y demás estilos, con una de las cantantes más sorprendentes que han aparecido en los últimos tiempos, Lady Dottie. 66 años la contemplan, lleva cantando toda su vida, y ahora, por fin, se le ha visto reconocido su labor al frente de esta banda.
Todos juntos, editaron el pasado año el fresco disco homónimo, "Lady Dottie & The Diamonds", en el que se mezclan impresionantes temas adrenalínicos como la inicial "I ain´t mad at ya", con versiones de clásicos como el de Rufus Thomas ("Walking the dog"), o como "Have love, will travel" o "Fuel to burn", o con temas más blues-rock como "Livin´ it up".
Un magnífico trabajo que presentarán en locales de pequeño aforo en las próximas fechas (que pódéis ver abajo a continuación), y que prometen ser una de las citas más entrañables de este año.
11 Nov – Gran Canarias, Teatro CICCA
12 Nov – Barcelona, Rocksound
13 Nov – Madrid, Gruta 77
14 Nov – Vitoria, Helldorado
16 Nov – Valencia, Black Note
17 Nov – Burgos, Estudio 27
18 Nov – Santiago Compostela – Aniversario Discos Reixa – La Nasa
19 Nov – Liérganes (Cantabria), Los Picos
20 Nov – Gijón, Festival Cine
21 Nov – San Sebastián, Centro Cultural Altza w/Lord Bishop Rocks
Aquí podéis escuchar el brillante hit-single, "I ain´t mad at ya", que se convierte en una clara declaración de principios.
Acabo de ver un thriller que desconocía, "Chantaje contra una mujer (Experiment in terror)", dirigida por Blake Edwards, una notable película que cuenta con, además de la banda sonora del gran Henry Mancini, las actuaciones de gente tan recomendable como Glenn Ford o la protagonista de esta entrada, Lee Remick.
No viví los 60, pero creo que, y probablemente por el legado cinematográfico en gran parte, la imagen de la sensualidad en aquella convulsa década que poseo en mi mente, se refleja en actrices como la bella Lee Remick. Una rubia con cara de porcelana, y larga y maravillosa melena rubia, además de un cuerpo estilizado, que me imagino que tuvo loca a media juventud de aquellos años.
Sirva esta entrada para recordar a esta magnífica mujer, que no sólo era bellísima, si no que además era una gran y competente actriz, que participó en obras maestras como "Anatomia de un asesinato" junto al gran James Stewart (del maestro Preminger), o "Dias de vino y rosas" del propio Edwards, con el no menos imprescindible Jack Lemmon, y en grandes películas como "La profecía" (ya en los 70) junto a Gregory Peck, "Río Salvaje" con Monty Clift o "El largo y cálido verano" junto a Paul Newman. No realizó excesivas películas, pero como veis, siempre se rodeó de magníficos compañeros de reparto.
Una mujer que representaba en sí misma, un icono de los 60, perfecto puente entre los clásicos años 50 y los excesivos 70.
Corría el año 1979 y la mejor banda de la historia del Rock editaba su último álbum en vida, "Inthrough the out door", un disco excesivo, ampuloso, y por supuesto, apasionante. Era la época de plena vigencia del punk, y en Gran Bretaña se forjaba lo que se llamaría con posterioridad la New Wave of British Heavy Metal.
Led Zeppelin editaron un disco en el cual tomaba protagonismo sobremanera John Paul Jones, y sus teclados, como se observan en temas como "Carouselambra" o "All my love". En aquellos años se decía que el motivo verdadero era el agotamiento compositivo de Jimmy Page (y algo de razón había en ello), y por ello la presencia más acusada del bajista y teclista.
Tras la muerte de el gran John Bonham, y la consiguiente separación del combo, en 1982, los restantes miembros de la banda decidieron editar un disco póstumo, con temas sobrantes de diferentes sesiones de grabación. El álbum se tituló "Coda", y fué una golosina más que destacable en la carrera de los británicos. En ese disco se llevó la palma las canciones sobrantes de su disco de 1979, y la verdad, es que son todas una maravilla. "Ozone baby" un magnífico tema 100 % zeppelinesco, "Wearing and tearing", un rock & roll potente y rabioso que aún hoy en día suena fresco, y "Darlene", el tema al que dedicamos esta entrada, un enorme tema boogie-rock, de más de 5 minutos, pero apasionante y apasionado en su concepción e interpretación.
Fabuloso tema en el que todo suena perfecto, la voz de Robert, la guitarra de Page, las teclas de Jones y la batería de Bonzo, todos unidos confeccionan uno de los mejores temas de Led Zeppelin de su última época.
En condiciones normales, nadie explicaría como estos tres temas se quedaron fuera del álbum para que fueron grabados, pero hay que situarse en la época, con unos Zeppelin siendo una banda dinosaurio, y centrándose en temas largos, con muchos arreglos instrumentales, de complicada composición, y para ellos (y deduzco que sobre todo para Page), los temas simples de rock & roll no tenían sitio para sus discos entonces.
Menos mal que en el 82 los editaron, por que desde luego fue una bocanada de aire fresco para todos los seguidores de la banda británica en aquellos difíciles años.
Disfrutad de este "Darlene" con el volumen al máximo, y un consejo, escuchad la batería del entrañable Bonzo allá por el minuto 3:25-3:30. Ahí es cuando te das cuentas de que era el mejor batería del mundo (si es que había algún tipo de duda).
Ayer Miércoles 7 de Octubre se dió la triste noticia de un nuevo soldado español fallecido en Afganistán. Más allá de entrar en detalles de que se considera guerra en este país, o que repercusión tiene esta noticia dependiendo de quien gobierne, me quiero centrar en el drama que supone perder a una persona cercana en un conflicto que nos quede a miles de kilómetros y que apenas tiene que ver con nosotros.
La inutilidad de la guerra, su absurdo, la soledad de los que se quedan sin su hijo, marido, padre... es lo que ha centrado durante mucho tiempo, películas, obras, canciones...
Si nos centramos en las canciones, en este país estamos en pañales con respecto a otros, como los Estados Unidos, un país con muchas deficiencias pero también con una gran capacidad autocrítica.
En esta entrada podréis escuchar una de las canciones más desoladoras que sobre el tema se han escrito, por parte de las maravillosas Dixie Chicks, en referencia a la soledad de la mujer que se queda en casa y ve partir al soldado, el cual desconoce su destino final.
Una estremecedora canción cuya letra podeis leer aquí también, para que podáis sentir la grandeza de la misma.
Two days past eighteen
He was waiting for the bus in his army green
Sat down in a booth in a cafe there
Gave his order to a girl with a bow in her hair
Hes a little shy so she gives him a smile
And he said would you mind sittin down for a while
And talking to me,
Im feeling a little low
She said Im off in an hour and I know where we can go
So they went down and they sat on the pier
He said I bet you got a boyfriend but I dont care
I got no one to send a letter to
Would you mind if I sent one back here to you
Chorus: I cried
Never gonna hold the hand of another guy
Too young for him they told her
Waitin for the love of a travelin soldier
Our love will never end
Waitin for the soldier to come back again
Never more to be alone when the letter said
A soldiers coming home
So the letters came from an army camp
In california then vietnam
And he told her of his heart
It might be love and all of the things he was so scared of
He said when its getting kinda rough over here
I think of that day sittin down at the pier
And I close my eyes and see your pretty smile
Dont worry but I wont be able to write for awhile
[chorus]
One friday night at a football game
The lords prayer said and the anthem sang
A man said folks would you bow your heads
For a list of local vietnam dead
Crying all alone under the stands
Was a piccolo player in the marching band
And one name read and nobody really cared
But a pretty little girl with a bow in her hair
Tras la rara incursión de hace año y medio de Steve en su gira hispana con su bella esposa Allison Moorer y un DJ, el viejo rockero norteamericano ha recuperado en esta gira europea la pureza de su formato acústico, debido a la presentación de su último y sentido trabajo dedicado a su amigo y mentor, Townes Van Zandt.
Estaba claro que iban a caer temas del viejo Townes, pero Steve declaró su amor eterno hacia él, dedicándole alrededor de la mitad de canciones del set. Esto fue en detrimento de su carrera, pero, a pesar de ello, el concierto fue una demostración de lo mejor del folk y el country-folk norteamericano, no obstante, la carrera del difunto señor Van Zandt dan buena fe de ello.
Durante los primeros temas, Steve superó con cara de cabreo pero sin dejar de ser profesional la falta de respeto de esa puta gentuza que va a los conciertos a hablar con sus amigotes, una especie que lamentablemente no está en extinción y que considero que es lo peorcito de los conciertos de nuestro país. Llevo muchos años acudiendo a conciertos, y siempre me encuentro a personajes de dicha calaña a los cuales les dedico todo mi desprecio, como hizo ayer sin tapujos el viejo Steve.
Entrando en el concierto en sí, Steve tocó grandes temas compuestos por el homenajeado: "Colorado girl", "Rex´s blues", "Brand new companion", "Mr. Mudd and Mr. Gold" y la eterna "Pancho & Lefty".
De su repertorio personal, sonaron temas de casi todos sus discos: "Goodbye", "Taneytown", "Someday", "City of immigrants", "Billy & Bonnie"...
Los momentos más álgidos de la noche fueron, en mi opinión, la coreada "I ain´t never satisfied", "The Galway girl", la inesperada "Christmas in Washington" o el final con el gran "Copperhead road".
Da gusto ver que Steve ha recuperado la garra de antaño, conserva la mala leche, y sigue fiel tanto al formato acústico, como al amor a sus ídolos, tras sus confusos últimos años con su último disco y con su relación con Allison.
Esperemos que continúe con esa senda, y a ser posible, la próxima gira incluya a los Dukes para vivir una buena noche del mejor rock americano, que ya va tocando.
Un muy buen concierto del gran Steve Earle, genio y figura.
"Colorado girl" de su último disco, os hará haceros una idea de lo que sonó anoche en su show de Madrid.
Vivimos en una época en la que todo el mundo ve series, tanto americanas como nacionales, y en las que algunas de ellas han tenido un éxito enorme. Series como "House", "Friends" o "Perdidos", han tenido un éxito muy importante en nuestro país, series que siguieron a otras de enorme éxito de otras épocas como "Sensación de vivir", u otras pretéritas como "El equipo A" o "V".
El tema es que en los últimos lustros, se han producido infinidad de series, y creo que la mayoría de ellas de una muy baja calidad, en especial las hispanas.
Actualmente estoy inmerso en la Séptima temporada de una de las mejores series del televisión americana en toda su historia, la enorme "Frasier".
Como todos sabréis, esta serie nació a partir del personaje del mismo nombre (interpretado por Kelsey Grammer) que aparecía en otra de esas series de gran éxito de los 80, "Cheers".
Es curioso ver como "Cheers" ha soportado muy mal el paso del tiempo, mientras que "Frasier" aguanta muy bien a pesar de que hace ya 16 años que se comenzó a emitir.
11 temporadas (1993-2004) y infinidad de premios avalan su trayectoria como una de las mejores series estadounidenses de los últimos años.
Sin duda alguna, el éxito de la serie se basaba en dos grandes pilares, los guiones de una calidad muy alta, y los actores.
Es muy meritorio como a lo largo de más de 250 episodios se mantienen unas historias y diálogos punzantes y novedosos, y más aún cuando la serie sólo se basa en apenas 5 personajes.
Los actores son muy, muy entrañables. Kelsey Grammer es el absoluto protagonista de la serie, personificando de manera inmejorable al típico psiquiatra snob, al igual que su hermano Niles (David Hyde Pierce). El veterano John Mahoney hace un papel maravilloso ejerciendo de padre de ambos que es la antítesis de sus hijos, mientras que Jane Leeves
ejerce de la fisio del mismo y la bella Peri Gilpin de la productora del programa de radio de Frasier.
Sólo esos 5 personajes fijos, junto al perro Eddie, y un pequeño puñado de secundarios, consiguen un enorme elenco de actores que hacen de esta serie una de los momentos más álgidos de la televisión americana.
Sus capítulos de 22 minutos de duración los hacen idóneos para ser vistos en cualquier momento, más aún cuando realmente la situación de los actores en la serie apenas cambia a lo largo de esas 11 temporadas, por lo que da igual que capítulo veas.
Y es una serie que siempre que veo, me alegra el día. Os recomiendo que os hagáis con ella, con cualquiera de sus temporadas, ya que todas rayan a un gran nivel, y disfrutaréis de ella muchísimo, y si tenéis suerte, os hará olvidar series tan mediocres como "Friends", "Entre fantasmas" o "Seinfeld".
Es curioso como Levon Helm (ex-batería de The Band) se ha metido en nuestras vidas en los últimos meses, primero con su nuevo y destacable álbum, y segundo de co-protagonista indirecto con los hermanos Robinson, ya que en sus estudios situados en Woodstock (New York), es donde se ha grabado de forma íntegra en directo y ante una audiencia selecta, el último trabajo de The Black Crowes.
La verdad es que hay que sentirse privilegiado de ser contemporáneo de esta banda, de nuevo están más activos y productivos que nunca, y ahora han manufacturado un magnífico trabajo de 20 temas, en donde su sombra se hace más y más mítica y alargada.
En esta colección de canciones hay de todo, los sonidos típicos de los Crowes como "Good morning captain", se entremezclan con épicas baladas como "Greenhorn", la bella "Appaloosa" o la sobrenatural "The last place that loves lives", que cierra el volumen "Before the frost..."; temas acústicos country como "Roll old Jeremiah", o rockeros como "Been a long time", incluso cercanos a la psicodelia como "What is home?".
La mayor sorpresa del álbum la tenéis aquí, "I ain´t hiding", el primer tema con sonidos funk-disco de la banda, algo así como su "Miss you" particular, que se entremezcla en su parte central con un arranque roquero típico de los cuervos muy adecuado, en un tema que cuanto más escucho más me gusta.
Que puedo decir, esta banda está muy lejos de álbumes como "Shake your money maker" o "Amorica", pero personalmente, pienso que su evolución es lógica y recomendable, a dos enciclopedias andantes como los hermanos Robinson, el rock sin influencias externas se les quedaría corto, y ahora, sin presiones comerciales de por medio, extienden toda su sabiduría musical en sus últimas composiciones.
Trabajos largos como este, solamente por la existencia de temazos como "Good morning captain", "Houston don´t dream about me" o "The last place that loves lives", tendrían más que justificado su existencia. Pero este trabajo es más, mucho más...¡descúbrelo!
Siempre aparece entre mis cinco películas favoritas de todos los tiempos, y, al ritmo que vamos, deduzco que siempre aparecerá.
Hoy mientras veía una capítulo de "Frasier" en el que aparecía de invitada Eva Marie Saint, recordé esta maravilla, y me dije a mi mismo que no podía pasar un día más sin volver a verla, y tras acabar de ver el capítulo, me sumergí de nuevo en el mundo mágico del gran Alfred Hithcock.
Y es que este film lo tiene todo: Ritmo, suspense, Cary Grant, acción, la fotografia de Robert Burk, James Mason, el afamado "McGuffin", una de las rubias hitchcockianas Eva Marie Saint, el habitual humor socarrón del inglés, los magníficos secundarios, la inolvidable banda sonora de Bernard Herrmann... todo, absolutamente todo que define y resume no sólo la forma de hacer cine del viejo Alfred, si no todo aquello que se hace llamar suspense y por deferencia uno de los máximos exponentes del séptimo arte, esas caractéristicas que nos hacen amarlo con locura.
Os recomiendo que si la tenéis a mano, la volváis a ver; yo ni sé las veces que la he visto pero lo impresionante es que el cine de Hitchcock es de tal calidad, que te hipnotiza de forma que la vuelves a ver como si fuera la primera vez.
Aquí podéis escuchar el "Main title" de su banda sonora, que, a buen seguro, os hará recordar escenas tan magníficas como la de la avioneta en medio de la nada, las de la sede de la ONU (cuyas tomas de su entrada Hitchcock rodó con cámara oculta al estar prohibido filmar en las puertas del edificio), las del tren o las del final en el Monte Rushmore.
La propia Eva Marie Saint permanece aún con vida a día de hoy, y es una de las pocas actrices que aún perdura de aquella época maravillosa. Para muestra un botón, sus escenas con el ENORME Cary Grant en el tren no tienen precio, ni creo que nadie a día de hoy, sea capaz de emular ni de cerca. De ahí que esa época y esa forma de hacer cine, sea única e irrepetible.
Hoy es tan buen momento como otro cualquiera para recuperar el legado de una de las mejores bandas metálicas de los 90, tal vez con Pantera, los enormes Anthrax de Scott Ian y John Bush.
A día de hoy, Anthrax intentan recuperar su "lugar en el mundo del metal" con un nuevo cantante, con el cual están teniendo problemas inesperados, pero creo que, independientemente de ello, hay que recalcar lo grandes que fueron (aunque no a nivel de ventas, lamentablemente), los Anthrax de John Bush.
Tras la marcha de Joey Belladona, la banda de Scott Ian rehizo su carrera con un nuevo cantante... ¡y de que forma!
Siempre preferí su etapa John Bush a su etapa Belladona, y creo que álbumes como "Sound of white noise", "Stomp 442", "Volume 8. The thread is real" o "We´ve come from you all" son unos trabajos que justifican de forma sobrada esta afirmación.
Una absurda maniobra, dejó a la banda sin su mejor cantante, pero creo que, independientemente de lo que ocurra con ellos, hay que recalcar lo grandes que son esos 4 discos.
Aquí tenéis "Crush", uno de sus mejores temas de esa época (dentro de la cantidad de grandes temas que tienen de entonces), que espero que disfrutéis en su justa medida.
Esperemos que Anthrax sigan con su enorme trayectoria musical, ya que es una banda que creo que no es ni mucho menos prescindible a día de hoy.
El día de Acción de Gracias de 1976, The Band se separaron oficialmente de la forma más elegante posible, con un macro-concierto que fué filmado por Martin Scorsese y que dió lugar a esa obra maestra que se hace llamar "El último vals".
Después hubo algún intento de reunión que otro, sin el gran Robbie Robertson, pero el personaje que protagoniza esta entrada no es ni el principal compositor de sus clásicos, ni el difunto y magnífico Rick Danko, si no el que era para mi el tercer pilar fundamental de una banda irrepetible, el batería y también cantante Levon Helm.
En los últimos años, y tras superar un durísimo cáncer de garganta, el viejo Levon, hoy con 69 años de edad, se ha decidido a dar rienda suelta a la música que le gusta interpretar, y ha editado dos magníficos discos en solitario, "Dirt farmer" (2007) y el recientemente publicado "Electric dirt" (2009), en los cuales hace gala de toda su clase y maestria, mezclando blues, country, folk, rock, sonido Nueva Orleans...
Es impresionante el acero del que están hechas ciertas personas, y Levon, sin duda alguna, es una de ellas.
De su último álbum, aquí tenéis la entrañable versión que realiza del clásico de Grateful Dead, "Tennesse Jed", de un hombre que, lejos de dejar que la enfermedad le derrotara, se ha hecho aún más fuerte, realizando unos álbumes realmente maravillosos cuya adquisición es obligada para gente que ame todos estos estilos.
Muchos lo conocerán por su afamado "Wicked game", o por su disco de mayor éxito, el imprescindible "Forever blue", pero la verdad es que la carrera musical del gran Chris Isaak es mucho más.
Discos como "Baja sessions" o "Speak of the devil" contienen grandes temas, y para los que pensaban que la música de Chris, (clara heredera del sonido fiftie de Roy Orbison), ya no podía dar más de si, este mismo año se ha editado uno de sus mejores trabajos, el desde ya fundamental "Mr. Lucky".
Temas tan destacables como "You don´t cry like I do", "Cheater´s town" o este entrañable dueto en "Breaking apart" con Trisha Yearwood, hacen de este, uno de los trabajos más destacables del americano.
Música sólo apta para gente con buen gusto y un paladar musical elevado.
Disfrutad de este tema, y conseguir el álbum, no saldréis para nada defraudados.
Probablemente estamos ante el mejor álbum de Mick Jagger & Co. en los 90. Lo curioso del asunto es que no es un disco de The Rolling Stones, si no de Mick Jagger en solitario.
En el año 1993, Mick se decidió a editar su tercer disco sin los Stones, tras su reunión en el 89 con la banda de su vida y su mastodóntica gira posterior.
Con la ayuda del gran Rick Rubin, Jagger editó su álbum más equilibrado y variado con temas realmente sobresalientes, a la altura de los mejores discos de los británicos.
El álbum comienza con la roquera "Wired all night", para seguir con la funky "Sweet thing", y tema tras tema, el Stone toca todos los palos imaginables, a lo largo de 14 temas, a cada cual más destacable.
La belleza del medio tiempo "Don´t tear me up", la comercialidad bien entendida de "Out of focus" con sus increíbles coros, el country sin igual "Evening gown" (que podéis escuchar aquí), el ritmo pegadizo de "Put me in the trash", la bluesera "Wandering spirit", y así hasta la postrera y rural "Hansome Molly"; todas ellas configuran el mejor álbum que ha hecho un Stone fuera de la banda, de obligada compra no sólo para los fans más acérrimos, si no para todo aquel que no tenga prejuicios con los diferentes estilos, en un álbum en el que brillan con especial fuerza las composiciones, la producción y, por supuesto, la eterna voz del viejo Mick.
No pretendo crear polémica con este post, pero creo que estamos sin duda ante el mejor álbum de Queen, ex-aequo tal vez con "A night at the Opera". Junto con el disco que contenía "Bohemian Rhapsody", "Jazz" siempre ha sido mi favorito.
Nos encontramos ante el álbum más "excesivo" de los de Freddie Mercury, pero... ¿a caso ellos no era excesivos?¡Claro que sí, y era una de sus facetas más destacables!
Cuando un trabajo comienza con un tema como "Mustapha", es una clara muestra de que algo grande y diferente estamos comenzando a escuchar. A partir de ahi se desencadenan todo los estilos en los que se mueven como pez en el agua los británicos: temas lentos al piano como "Jealousy" o "In only seven days" en las que Mercury toma el mando, temas adrenalínicos comandados por May ("Dead on time", "Let me entertain you"), temas inclasificables como "More of that jazz" o "Fun it", excesivos como "Bicycle race", baladas imperecederas como "Leaving home ain´t easy"...
Todo es una maravilla perfecta en este álbum, en especial el single "Don´t stop me now" o este magnífico "Fat bottomed girls" que podéis escuchar aquí. En ambos temas, los coros, las guitarras, el ritmo, la letra, el tempo... todo es perfecto y es una de las claras señas de identidad de una de las mejores bandas de todos los tiempos, sin ninguna duda.
Escuchar este disco lo antes posible, no os arrepentiréis a lo largo de vuestra existencia de poseer semejante arsenal musical a vuestro alcance.
Corría 1991 y el director Alan Parker decidió embarcarse en un proyecto de presupuesto menor en Irlanda, tras sus éxitos con "Arde Mississippi" y "El corazón del ángel", y su fiasco con "Bienvenido al paraíso".
Y bueno, creo que justo este proyecto es uno de los mejores trabajos de su carrera. Con actores semi-profesionales, y con escaso dinero, Parker realizó este proyecto cuya vigencia fué muy duradera (incluso hay una banda girando con el nombre del título aún hoy en día). La historia se sitúa en Dublín a finales de los 80, en donde un joven emprendedor quiere lanzarse como manager con una banda revitalizando el sonido soul de los 60.
La película es una delicia de principio a fin: la magnífica banda sonora, la realista interpretación de unos actores no profesionales en su mayoría, la verosimilitud de la historia, el magnífico retrato de la sociedad irlandesa de aquella época, el guión con detalles realmente brillantes...
Creo que esta noche me volveré a ver esta delicia de film, por que creo que es un trabajo que hay que ver al menos una vez al año.
Os dejo aquí la que tal vez es la mejor versión de todos los temas de la banda sonora (que incluso tuvo que ampliarse con un segundo volumen debido a la fuerte demanda)
nada menos que "Try a little tenderness" de Otis Redding, en donde destaca la particular y portentosa voz de Andrew Strong.
Otros temas que se grabaron en versiones magníficas para este film fueron "Mustang Sally", "Chain of fools", "Dark end of the street" o "Show me", que sólo hacen nada más que redondear uno de los proyectos cinematográficos más especiales de principio de los 90.
Como cada vez acudo a un concierto de este caballero (y sólo son 3) me encuentro casi sin las palabras adecuadas para hacer una crónica objetiva de este evento, en este caso, en el escenario principal del Primavera Sound.
Pasan los días y siempre me ocurre lo mismo, repito el concierto en mi cabeza, y siempre llego a la misma conclusión con este canadiense universal: este ha sido uno (otro más) de los conciertos de mi vida.
The Jayhawks calentaron el ambiente a una hora (las 7 de la tarde) y con un duración inadecuada (1 corta hora) para una banda tan grande como ellos. A pesar de todo, inclusive el sonido no idóneo, ver a Mark Olson y Gary Louris & company sobre un escenario no tiene precio, y sonaron temas tan entrañables como "Settled down like rain", "Waiting for the sun", "I´d run away", "Red´s song" o "Miss Williams guitar".
Los momentos álgidos, como no, en temas tan sobrenaturales como "Two hearts" o la infinita "Blue", ¿la mejor canción que existe? Pues probablemente. La banda estuvo perfecta, Gary Louris impecable y Mark Olson entregado y comunicativo como siempre. A ver si se deciden a grabar un nuevo disco juntos, que ya toca.
Tras ellos, una larga espera de hora y media, y todo preparado para ver al de Winnipeg.
Su presencia en el escenario se celebró con un júbilo inigualable por parte de todos los presentes. Todo comenzó rápido sin presentaciones, sin grandes movimientos, Neil llegó cogió su guitarra y comenzó a tocar el riff de "Mansion on the hill". Jamás pensé que empezaría un show con ella, pero esto sólo fué el calentamiento para que nos vino después: "Hey hey, my my (into the black)" hizo que los pocos dubitativos se entregaran al canadiense y los suyos, y después "Are you ready for the country?" con Young a las teclas, sólo hizo que seguir la fiesta junto con una magnífica "Everybody knows this is nowhere". Personalmente me gustan mucho más estos temas que con los que empezó otros shows de la otra gira ("Mr. Soul" o "I´ve been waiting for you"), y tanto a Young como al resto se les ve rejuvenecidos y con mucho entusiasmo (no obstante comenzaban una nueva gira europea en este show): Ben Keith con 10 años menos, Rick Rosas moviéndose mucho para lo que es él, Peggy y Anthony Crawford entregados a sus labores secundarias, y el batería Chad Cromwell más certero que nunca. Esta banda está más compenetrada, se ve mejor con Young que nunca en sus casi 2 años de continuas giras.
A todo esto siguió una eléctrica y acertada "Pocahontas", y mis ojos comenzaban a ponerse llorosos. Tras ella una correctísima "Spirit road" y después otro de los momentos álgidos de la noche: "Cortez the killer". Al fin escuchaba en vivo uno de mis temas favoritos de Neil, y ¿qué puedo decir? Sonó perfecta, envolvente, ese solo... ¡ese solo! Y ese grito de "What a killer!" Impresionante, las lágrimas se asoman por segunda vez.
"Cinnamon girl" siguió la racha con 30000 almas cantando la canción, después la cercana y casi intima "Mother earth" dió paso a la previsible parte acústica. No por previsible, fué menos emocionante: "The needle and the damage done" dió paso a una inesperada (al menos para el que suscribe) "Unknown legend" y lo siento, esta, y sin ser de mis canciones favoritas, hizo que rompiera a llorar. Era feliz, me encontraba en un estado de gozo en que pocas veces las personas se encuentran a lo largo de su vida, que ejecución perfecta, que coros, que sentimiento...puffff
Tras ella, "Heart of gold" y "Old man", maravillosas, inapelables, en especial la segunda, esta sí, una de las mejores canciones que he podido escuchar en mi vida.
Volvemos a la guitarra eléctrica y nos llega nada menos que "Down by the river", después el magnífico boogie-rock "Get behind the wheel" y el gran colofón, una impresionante "Rocking in the free world", cantada por todos y cada uno de los asistentes.
Retirada de la banda, y después el único (y corto) bis, "A day in the life" de los Beatles. Otro maravilloso concierto. Otra batalla ganada por el huraño genio. Como los romanos, llegó, vió y venció. Sin artificios, sólo con música real y aptitud y actitud inapelables.
La duración del show fué de 1 hora y 40 minutos (que no os engañen con más tiempo, ese fué el tiempo que duró el show), según diferentes rumores, limitado por la organización del festival (suena ridículo pero no lo descarto). Y sólo me quedó una espinita clavada. Allí en lo alto, estaba el ave colgado con las teclas que usan Neil y los suyos para interpretar "Like a hurricane", desde hace años, pero no sonó. Quitando ese pequeño detalle (totalmente egoísta y sin fundamento después de lo que vimos), decir que fué otra noche mágica que no se me olvidará nunca.
Como ocurrió tras mis conciertos de 2001 y el del año pasado, tras la presencia de Young en el escenario, ya no queda nada. Todo lo que pueda ocurrir en el festival es irrelevante y totalmente despreciable, condenado a la más dura de las indeferencias.
Por último, me gustaría dar las gracias a la gente que se reunió, tanto colaboradores como meros lectores de la magnífica página, http://enlaplayadeneil.blogspot.com/, (la foto que ilumina esta entrada procede de alli, y os recomiendo fervientemente su visita periódica) con los que me sentí como si estuviera con amigos de toda la vida: Antonio de Algeciras, Pepe de Canarias, Isabel y su hijo Darío de Mallorca, Carlos de Zaragoza, Pepe, Angels y Jordi de Barcelona, Debbie de New York, y tantos otros cuyo nombre no recuerdo (¡lo siento!), que me hicieron en mayor o menor medida, sentirme como en mi casa, arropado por la mejor gente en la mejor de las ocasiones. A todos... ¡Muchas gracias y keep on rocking!
Vuelve la pianista pelirroja más única y especial, el próximo 19 de Mayo, y con la salida al mercado de su nuevo álbum "Abnormally Attracted To Sin", y es motivo de alegría y gozo para todos los que nos consideramos sus fans a lo largo y ancho del mundo.
Tori ya no es una niña, ya no tiene nada que ver con la que editó "Little earthquakes" a principios de los 90; es una mujer que ha madurado con los años a todos los niveles, siempre siguiendo su propio camino, al margen de modas, corrientes musicales o presiones de la industria.
Sus discos cada vez han sido más elaborados, y por los avances que he podido escuchar de este nuevo disco, este tiene pinta de seguir por los mismos derroteros.
Siempre es un motivo de alegría poder escuchar una nueva colección de canciones de esta maravillosa mujer, sensible, diferente, imprevisible, única... GENIAL, en una palabra.
Aquí tenéis la bella "Maybe California", un adelanto de su nuevo disco que Tori dedicó hace unos días en particular a las madres, y en general a todas las personas que se entregan a los demás incluso en los peores momentos; esa canción es un regalo a esas personas, para así ver reconocida su entrega sin reservas.
Espero que disfrutéis de este maravilloso tema.
Podcast Summary
Programa de radio de Onda Latina que se emite desde el año 1991, cuyo patrón es ese apasionante mundo del Rock & Roll. Pero "Bajo el Zeppelin", es mucho más...
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